Fachbereich 05: Sprache, Literatur, Kultur - Angewandte Theaterwissenschaft - Bachelor of Arts

Der erste Teil des Propädeutikums dient der Einführung in die Geschichte hauptsächlich des europäischen Theaters von der griechischen Antike bis zur Gegenwart, d.h. der Einführung in Ästhetik, Dramatik, Aufführungspraxis, gesellschaftliche Funktion, Inhalte des Theaters einzelner Epochen wie z.B. Antike, Mittelalter, Barock, Aufklärung, 20. Jahrhundert. Historische, politische, gesellschaftliche, kulturelle und geistesgeschichtliche Hintergründe und Zusammenhänge der einzelnen Epochen werden besprochen sowie Rezeptionsgeschichte und Aktualität der Theaterformen und -konzepte.
Es finden Sitzungen u.a. zu folgenden Themen statt:
Griechische und Römische Antike, Barock, Elisabethanisches Theater, Spanisches u. Französisches Theater des 17. Jh., Bürgerliches Trauerspiel, Gesamtkunstwerk und Wagner, Theaterreformen um 1900, Historische Avantgarden, Theaterformen seit den 60er Jahre.

Das Propädeutikum schließt in der letzten Vorlesungswoche mit einer 90-minütigen Klausur zu den einzelnen thematischen Sitzungen ab. Die Klausur wird nicht benotet (nur bestanden/nicht bestanden).

Aufführungsanalyse ist eine der wenigen spezifisch theaterwissenschaftlichen Methoden. Ihr Gegenstand ist nicht in erster Linie der dramatische Text, sondern die lebendige Aufführung. Aufführungsanalyse stellt Begriffe zur Analyse und Beschreibung von Theaterereignissen bereit. Ihren Gegenstand betrachtet sie dabei sowohl als strukturierten Zeichenzusammenhang, als Text und Textur, als auch als gegenwärtigen und gemeinschaftlichen Handlungsvollzug.
Das Seminar setzt sich mit grundlegenden Texten und Positionen der Aufführungsanalyse auseinander. Ziel ist es dabei, verschiedene Analysemodelle und deren Geltungsbereich kennenzulernen. Gleichzeitig leistet das Seminar eine Einführung in semiotische, phänomenologische und poststrukturalistische Theorien.
Das Seminar wird zusammen mit einer obligatorischen Übung angeboten; Leistungsnachweise für das Seminar bestehen in Schreib-Übungen zur Methode der Aufführungsanalyse, die in der Übung betreut werden.
Teilnahmevoraussetzung ist die Bereitschaft, an einigen Terminen gemeinsam ins Theater zu gehen und das Erlebte in den Kursen zu diskutieren.

Im Umgang mit Theorie und Praxis der Aufführungsanalyse sind Ausbildung der eigenen Sprachsicherheit und Erfahrung im Beschreiben verschiedener Phänomene grundlegend. Mit der Präzision des Formulierten steigt die Klärung des Gemeinten, und so wächst der Spaß an der analytischen Beschäftigung mit ästhetischen Erfahrungen.

Begleitend zum theoretischen Aufführungsanalyse-Seminar wird die Übung sich über gemeinsame Theaterbesuche und das Schreiben von Erwartungs- und Erinnerungsprotokollen der Praxis der Aufführungsanalyse nähern. Beispiele werden wahrgenommen, analysiert und diskutiert. Dabei gilt es, nicht immer zu schnell schon zu wissen, was da wahrzunehmen ist, sondern von der umfassenden Wahrnehmung über die Beschreibung auf Interpretationen und Deutungen von Inszenierungsstrategien und -mitteln zu kommen. Was überhaupt eine Aufführung, Inszenierung, ästhetische Erfahrung ist, wird dabei immer wieder neu zu bewerten sein.
Ziel ist es, sich mit der grundlegenden theaterwissenschaftlichen Methode der Aufführungsanalyse vertraut zu machen bzw. mit dem eigenen Stand des Wissens dazu abzugleichen. Die Einführung ins wissenschaftliche Arbeiten ist Teil der Übung.

Die Übung beinhaltet gemeinsame Theaterbesuche. Die Bereitschaft zur Teilnahme an diesen wird daher vorausgesetzt. Es werden unter Umständen Kosten für diese Aufführungsbesuche anfallen.

Die Teilnahme an der Übung (in Kombination mit dem ebenfalls verpflichtenden Seminar zur Aufführungsanalyse bei Prof. Dr. Gerald Siegmund) ist für Erstsemesterstudierende BA ATW verpflichtend.

Der Kurs wird abgeschlossen durch eine Hausarbeit (= Prüfungsleistung für das Basismodul 01). Die Deadline für die Hausarbeit ist der 15.3.2027. Im Rahmen der Einführung ins wissenschaftliche Arbeiten wird auch diese erste Hausarbeit des ATW-Studiums eng betreut.

Das Techniktutorium ist die Einführung in die Probebühnen und Medienstudios des Instituts. Besonderer Fokus liegt dabei auf der Arbeitssicherheit: Wir wollen, dass ihr selbst, andere (bspw. euer Publikum) und unser technisches Equipment sicher sind, wenn ihr in Räumen des Instituts arbeitet. Zudem werden die Strukturen der studentischen Selbstverwaltung erläutert (Probebühnensitzung, Technikausleihe, Technik Hiwis etc.) und die Grundlagen von Licht, Ton und Bühnentechnik vermittelt.
Das Seminar ist verpflichtend für alle neuen Studierenden. Die vollständige Teilnahme ist Voraussetzung, um eigenständig auf der Probebühne arbeiten zu dürfen.
Das Modul 03 (BA ATW) baut sich aus verschiedenen Teilen auf, das in unterschiedlichen (Parallel-Kursen) unterrichtet wird und wovon einzelne Teile auch für MA ATW und MA CuP relevant sind (! sonst ist eine Nutzung der Bühnen nicht möglich!):

• Bühnentechnisches Propädeutikum – ex machina (Nur für BA-ATW Erstsemester vorgesehen, Öffnung für Interessierte möglich). (11.-12.Dezember, 22.-23. Januar, neu!! 5.-6. Februar, 12.-13. Februar)
• Einweisung in die Bühnentechnik für BA ATW (24. + 25.10.2026 und 28. + 29.11.2026)
• Einweisung in die Bühnentechnik für MA ATW und CuP (Extra-Teil des Bühnentechnischen Propädeutikums, als Praktischer Kurs anrechenbar für MA-Studierende) (24. + 25.10.2026 und 28. + 29.11.2026)
• Einweisung in die Medienstudios (Einzel-Tutoriums-Termine nach Absprache)

The Technik Tutorium is the introduction to the rehearsal stages and media studios of the institute. A special focus is on safety: We want you, others (e.g. your audience) and our technical equipment to be safe when you work in the institute's spaces. In addition, the structures of student self-organization are explained (rehearsal stage distribution, tech rental, Tech Hiwis , etc.) and the basics of light, sound and stage tech are taught.
The full participation in this class is mandatory for all new students. Without participation in this introduction, it is not permitted to work on the stages and in the studios independently.
///
Information zum Bühnentechnischen Propädeutikum – ex machina (durchführende Lehrperson: Daniel Schneider):

wir freuen uns, euch herzlich zu unserem künstlerischen Kurs „ex machina: technical skills and other Mummenschanz“ einzuladen, der im kommenden Wintersemester stattfinden wird. Neben der Einführung in die Grundlagen des Arbeitens mit bühnentechnischen Mitteln orientiert sich dieser Kurs an künstlerischen Experimenten und performativen Skizzen an der Schnittstelle zwischen Technik und Theater. Dabei fungiert die Kurszeit als Labor, Input und Feedbackschleife. Dieser Kurs bietet eine Gelegenheit, die faszinierenden Schnittstellen zwischen Technik und Theaterkunst zu erkunden und eure kreativen Fähigkeiten zu erweitern. Der Kurs dient als Erweiterung zum Bühnentechnischen Propädeutikum I und II und richtet sich an Bachelor Studierende im ersten Semester. Als Abschluss des Kurses wird eine Präsentation am letzten Tag angestrebt.
Termine und Uhrzeiten: nach Absprache

Dieser Kurs bietet eine praxisorientierte Einführung in digitale Audiosoftware und deren Anwendung im Theaterkontext. Die Teilnehmenden lernen grundlegende Funktionen kennen — darunter Klangbearbeitung, der Einsatz von Effekten sowie die Nutzung von Software in Live-Situationen auf der Bühne. Ergänzend werden das Mischpult und der allgemeine Sound-Aufbau im Proberaum / auf der Bühne behandelt. Der Kurs setzt keine Vorkenntnisse voraus und richtet sich an alle ATW-Studierenden (BA, MA, CuP). Er findet auf Deutsch und/oder Englisch statt.
________________________________________
ENGLISH — EVV Course Description:

This course offers a hands-on introduction to digital audio software and its application in a theatre context. Participants will explore core functions including sound editing, the use of effects, and operating audio software in a live stage setting. The course also covers the sound desk and general audio setup in the rehearsal space and on stage. No prior knowledge is required. The course is open to all ATW students (BA, MA, CuP) and takes place in German and/or English.

Dieser praktische Kurs führt Studierende durch den kompletten Prozess der Videoproduktion, vom Rohmaterial bis hin zum finalen Export. Der Kurs wird anhand von Adobe Premiere Pro unterrichtet, dem führenden Schnittprogramm in der Kreativ- und Medienbranche. Die behandelten fundamentalen Techniken und Konzepte sind jedoch nicht an eine bestimmte Software gebunden. Das Gelernte lässt sich somit mühelos auf ein Schnittprogramm der eigenen Wahl übertragen, wodurch eine aktive Mitarbeit auch ohne Premiere-Pro-Lizenz möglich ist. Der Schwerpunkt liegt auf den grundlegenden praktischen Fähigkeiten, die Studierende benötigen, um ihre künstlerischen Projekte umzusetzen. Sie erlernen essenzielle Schnitttechniken, die kreative Nutzung von Übergängen und Videoeffekten sowie die Grundlagen der professionellen Farbkorrektur (Color-Grading). Darüber hinaus behandeln wir die Bearbeitung von Ton, inklusive grundlegender Soundeffekte und Nachbearbeitung, die Erstellung von Untertiteln und vieles mehr. Im Mittelpunkt dieses Kurses steht das praktische Arbeiten. Die Inhalte werden in aufeinander aufbauenden Workshop-Blöcken vermittelt, die einen dynamischen Mix aus thematischer Einführung, anregendem Austausch und direkter Umsetzung am eigenen Projekt bieten. Eine Durchführung des Kurses ist nach Absprache mit der Gruppe problemlos auf Deutsch oder Englisch möglich.



This practical course guides students through the complete video production workflow, from raw footage to final export. Instruction will be conducted using Adobe Premiere Pro, the leading editing software in the creative and media industries. However, the fundamental techniques and concepts covered are not software-specific. The acquired knowledge can therefore be readily applied to any editing software of choice, enabling active participation even without a Premiere Pro license. The curriculum emphasizes the fundamental practical skills that students require to realize their artistic projects. Students will learn essential editing techniques, the creative use of transitions and video effects, and the principles of professional colour correction and grading. Furthermore, the course addresses audio editing, including basic sound effects and post-production, the creation of subtitles, and more. This course is centred on hands-on application. The content is delivered in sequential workshop blocks, each offering a dynamic combination of theoretical introduction, engaging discussion, and direct practical work on the students' own projects. By arrangement with the group, the language of instruction can be flexibly adapted to either German or English.



Calvin Lanz arbeitete viele Jahre als freiberuflicher Toningenieur und Videoeditor, bevor er 2025 eine Vollzeitstelle als Head of Video bei Xevio antrat, wo er ein Team von fünf professionellen Kreativen leitete und betreute, das jeden Monat eine Vielzahl von Kurzvideos produzierte.

Calvin Lanz worked many years as a Freelance sound engineer and video editor, before starting a full-time position as Head of Video at Xevio in 2025, leading and mentoring a team of five creative professionals producing a vast amount of short form videos each month.

Dance in the dark is the title of a song by Lady Gaga but it is also the title of
this movement class where we will play with different tools: How to be ready to dance alone and
together with others without too much preparation? How to compose a dance spontaneously
with different individuals in a collective environment?
For a basic movement course this coming winter semester, I ask myself what I can offer that
would provide a continuity of movement for students at ATW with no previous dance experience.
I wish to propose an improvisation practice where we gather once a week to work on what
bodies in time and space can do. In this movement class, we work with the tension between
knowing and not knowing. I propose movements - beginning with everyday movements like
walking, crawling, sitting, standing, jumping, and gradually building towards more complexity
and coordination - as materials to play with. In a systematic fashion, we shift parameters like
speed, duration, trajectories in space, and in various group constellations like solos, duets, trios
etc to observe what this does. How seemingly simple shifts can transform in large ways how we
sense our own bodies, in time and space. In this process, we begin to build as a group a
common language to make sense (to break it again) of what we do everyday in the studio. To
begin each week with a collective physical experience that can carry and accompany us through
the week.
This class is based on the themes of freedom and limits. When we improvise, we test our own
limits and test the boundaries of what we think is possible. When we shift between modalities of
watching and doing, we can observe how others navigate the same task differently and this
expands our own boundaries of possibility. To cultivate a sense of openness, stamina and
confidence to deal with each situation as it arises.

****ENG****

This course gives you a hands-on introduction to audio production in the recording studio, an important part of theatre and stage work, whether for sound design, audio drama production, live sound, or scoring a production.
We'll work step by step through the whole production process: the basics of microphone technique and recording, cutting and editing audio material, all the way through to mixing and mastering your own productions.
To wrap things up, we'll have a relaxed listening party together, where we listen back to everyone's productions.
No prior knowledge is needed, just curiosity and an interest in sound.

For the hands-on exercises, you'll need your own laptop. In case you don’t have one, get in touch with me beforehand in order for us to find a solution. We'll most likely be using a free software, so everyone has access to the basics.


*** GER***
Dieser Kurs gibt euch eine praktische Einführung in die Audioproduktion im Tonstudio, ein wichtiger Bestandteil der Theater- und Bühnenwelt, sei es für Sounddesign, Hörspielproduktionen, Live-Beschallung oder die Vertonung von Inszenierungen.
Wir gehen Schritt für Schritt durch den ganzen Produktionsprozess: Grundlagen der Mikrofonierung und Aufnahmetechnik, Schnitt und Bearbeitung von Audiomaterial, bis hin zum Mixing und Mastering eurer eigenen Produktionen.
Zum Abschluss wird es eine gemeinsame, gemütliche Listening Party geben, bei der wir uns alle Produktionen anhören.
Vorkenntnisse braucht ihr keine, nur Neugier und Lust auf Sound.

Für die praktischen Übungen wird ein eigener Laptop benötigt. Falls ihr keinen habt, meldet euch vorab bei mir, sodass wir eine Lösung finden. Voraussichtlich nutzen wir eine kostenlose Software, sodass alle Zugang zu den Basics haben.

Startet mit uns in die Gestaltung der nächsten Theatermaschine! Seit vielen Jahren gehört die TM fest zum Institut und bietet uns Studis eine Platform, erarbeitete Projekte zu zeigen und zu besprechen. Das Orga-Team wechselt dabei jährlich und kann das Festival maßgeblich mitgestalten. Wir geben euch in unserem Kurs einen Überblick über die TM und ihre Tradition und bereiten euch auf die kollektive Arbeit an einem Festival vor. Wir nehmen uns Zeit für Team-building und die Entwicklung eines gemeinsamen Code of conduct, laden Expert*innen aus den vergangenen TM Teams ein und klären Kommunikationswege. Außerdem wollen wir mit euch ein weiteres Festival unseres Instituts - das Diskurs Festival - gemeinsam besuchen und nachbesprechen!
Wir geben euch also einen umfassenden Überblick über alle Aufgabenbereiche und Gestaltungsräume und wollen gemeinsam eine gute Teamatmosphäre schaffen! :)


Start shaping the next Theatermaschine with us! For many years, the TM has been an integral part of the institute and offers us students a platform to showcase and discuss our projects. The organizing team changes every year and plays a key role in shaping the festival. In our course, we’ll give you an overview of the TM and its tradition and prepare you for the collaborative work involved in putting on a festival. We’ll take time for team-building and the development of a code of conduct, invite experts from past TM teams, and clarify communication channels. We also want to a]end another festival organized by our institute—the Diskurs Festival—together with you and discuss it afterward!
We will give you a comprehensive overview of all areas of responsibility and opportunities for creativity, and we want to work together to create a great team atmosphere! :)

Dieser Kurs vermittelt Grundlagen der Tontechnik praxisnah und zugänglich für Studierende ohne oder mit wenig Vorkenntnissen. Im Mittelpunkt stehen grundlegende technische Kompetenzen im Umgang mit Ton- und Audiosystemen, die für die eigenständige Arbeit in den Räumlichkeiten des Instituts notwendig sind. Die Kursinhalte werden in enger Absprache mit dem HiWi-Team und dem technischen Leiter entwickelt, um eine sinnvolle Einbettung in das Gesamtangebot des Bühnenpropädeutikums zu gewährleisten. Der Kurs richtet sich an alle ATW-Studierenden (BA, MA, CuP) und findet auf Deutsch und Englisch statt.
________________________________________
ENGLISH — EVV Course Description:

This course introduces the fundamentals of sound technology in a hands-on, accessible format for students with little or no prior experience. The focus is on building the basic technical skills needed to work independently with audio systems in the institute's spaces. Course content is developed in close coordination with the HiWi team and the technical director to ensure coherent integration within the overall Bühnenpropädeutikum programme. The course is open to all ATW students (BA, MA, CuP) and is taught in both German and English.

This training is an invitation to work with the body as a primary site of knowledge, composition, and creative research.
We begin with sensation, image, and presence. Technique enters not as a fixed framework, but as a source, something to draw from, question, and be in dialogue with, recognising the aesthetic choices and histories embedded within it. Drawing from somatic approaches, autobiographical methodologies, and improvisational scores, we explore how personal and cultural material can become compositional tools, how story, place, and lived experience find form in the body.
Through structured improvisation tasks, movement research, and compositional scores, we investigate how movement is generated, shaped, and refined, listening to the body not just as an instrument, but as a compositional intelligence that already knows something worth following.
A central thread of this training is the practice of seeing and being seen, of getting inspired by each other's movement, presence, and choices. We learn as much from watching as from moving, and the group becomes a shared creative resource.
I will bring compositional tools and scores from my own practice, including from my auto-ethnographic solo work MADRE & TIERRA, rooted in a Chilean upbringing and lived experiences of migration, and guided by landscapes, nature, and the somatic practices. From RAW–FLAW, a duet research rooted in playfulness, radical openness, and spontaneous improvisation. I will also draw from collaborations with choreographers I have worked with as a freelancer and from my time within a dance company,
This is a space for us to find each other's interests through the body.

The course invites students to actively engage with the international conference In Turn Choreographies of Change and the public by experimenting with different forms of access. Students will explore performative and practical ways of "opening the doors" to welcome the conference audience, investigating how hospitality and accessibility can be choreographed.
Alongside these hands-on experiments in audience facilitation, students will follow the conference program itself, allowing them to integrate the discourses presented at the event with their practical explorations.

Dieser Kurs bietet eine praxisorientierte Einführung in digitale Audiosoftware und deren Anwendung im Theaterkontext. Die Teilnehmenden lernen grundlegende Funktionen kennen — darunter Klangbearbeitung, der Einsatz von Effekten sowie die Nutzung von Software in Live-Situationen auf der Bühne. Ergänzend werden das Mischpult und der allgemeine Sound-Aufbau im Proberaum / auf der Bühne behandelt. Der Kurs setzt keine Vorkenntnisse voraus und richtet sich an alle ATW-Studierenden (BA, MA, CuP). Er findet auf Deutsch und/oder Englisch statt.
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ENGLISH — EVV Course Description:

This course offers a hands-on introduction to digital audio software and its application in a theatre context. Participants will explore core functions including sound editing, the use of effects, and operating audio software in a live stage setting. The course also covers the sound desk and general audio setup in the rehearsal space and on stage. No prior knowledge is required. The course is open to all ATW students (BA, MA, CuP) and takes place in German and/or English.

Dieser praktische Kurs führt Studierende durch den kompletten Prozess der Videoproduktion, vom Rohmaterial bis hin zum finalen Export. Der Kurs wird anhand von Adobe Premiere Pro unterrichtet, dem führenden Schnittprogramm in der Kreativ- und Medienbranche. Die behandelten fundamentalen Techniken und Konzepte sind jedoch nicht an eine bestimmte Software gebunden. Das Gelernte lässt sich somit mühelos auf ein Schnittprogramm der eigenen Wahl übertragen, wodurch eine aktive Mitarbeit auch ohne Premiere-Pro-Lizenz möglich ist. Der Schwerpunkt liegt auf den grundlegenden praktischen Fähigkeiten, die Studierende benötigen, um ihre künstlerischen Projekte umzusetzen. Sie erlernen essenzielle Schnitttechniken, die kreative Nutzung von Übergängen und Videoeffekten sowie die Grundlagen der professionellen Farbkorrektur (Color-Grading). Darüber hinaus behandeln wir die Bearbeitung von Ton, inklusive grundlegender Soundeffekte und Nachbearbeitung, die Erstellung von Untertiteln und vieles mehr. Im Mittelpunkt dieses Kurses steht das praktische Arbeiten. Die Inhalte werden in aufeinander aufbauenden Workshop-Blöcken vermittelt, die einen dynamischen Mix aus thematischer Einführung, anregendem Austausch und direkter Umsetzung am eigenen Projekt bieten. Eine Durchführung des Kurses ist nach Absprache mit der Gruppe problemlos auf Deutsch oder Englisch möglich.



This practical course guides students through the complete video production workflow, from raw footage to final export. Instruction will be conducted using Adobe Premiere Pro, the leading editing software in the creative and media industries. However, the fundamental techniques and concepts covered are not software-specific. The acquired knowledge can therefore be readily applied to any editing software of choice, enabling active participation even without a Premiere Pro license. The curriculum emphasizes the fundamental practical skills that students require to realize their artistic projects. Students will learn essential editing techniques, the creative use of transitions and video effects, and the principles of professional colour correction and grading. Furthermore, the course addresses audio editing, including basic sound effects and post-production, the creation of subtitles, and more. This course is centred on hands-on application. The content is delivered in sequential workshop blocks, each offering a dynamic combination of theoretical introduction, engaging discussion, and direct practical work on the students' own projects. By arrangement with the group, the language of instruction can be flexibly adapted to either German or English.



Calvin Lanz arbeitete viele Jahre als freiberuflicher Toningenieur und Videoeditor, bevor er 2025 eine Vollzeitstelle als Head of Video bei Xevio antrat, wo er ein Team von fünf professionellen Kreativen leitete und betreute, das jeden Monat eine Vielzahl von Kurzvideos produzierte.

Calvin Lanz worked many years as a Freelance sound engineer and video editor, before starting a full-time position as Head of Video at Xevio in 2025, leading and mentoring a team of five creative professionals producing a vast amount of short form videos each month.

Dance in the dark is the title of a song by Lady Gaga but it is also the title of
this movement class where we will play with different tools: How to be ready to dance alone and
together with others without too much preparation? How to compose a dance spontaneously
with different individuals in a collective environment?
For a basic movement course this coming winter semester, I ask myself what I can offer that
would provide a continuity of movement for students at ATW with no previous dance experience.
I wish to propose an improvisation practice where we gather once a week to work on what
bodies in time and space can do. In this movement class, we work with the tension between
knowing and not knowing. I propose movements - beginning with everyday movements like
walking, crawling, sitting, standing, jumping, and gradually building towards more complexity
and coordination - as materials to play with. In a systematic fashion, we shift parameters like
speed, duration, trajectories in space, and in various group constellations like solos, duets, trios
etc to observe what this does. How seemingly simple shifts can transform in large ways how we
sense our own bodies, in time and space. In this process, we begin to build as a group a
common language to make sense (to break it again) of what we do everyday in the studio. To
begin each week with a collective physical experience that can carry and accompany us through
the week.
This class is based on the themes of freedom and limits. When we improvise, we test our own
limits and test the boundaries of what we think is possible. When we shift between modalities of
watching and doing, we can observe how others navigate the same task differently and this
expands our own boundaries of possibility. To cultivate a sense of openness, stamina and
confidence to deal with each situation as it arises.

****ENG****

This course gives you a hands-on introduction to audio production in the recording studio, an important part of theatre and stage work, whether for sound design, audio drama production, live sound, or scoring a production.
We'll work step by step through the whole production process: the basics of microphone technique and recording, cutting and editing audio material, all the way through to mixing and mastering your own productions.
To wrap things up, we'll have a relaxed listening party together, where we listen back to everyone's productions.
No prior knowledge is needed, just curiosity and an interest in sound.

For the hands-on exercises, you'll need your own laptop. In case you don’t have one, get in touch with me beforehand in order for us to find a solution. We'll most likely be using a free software, so everyone has access to the basics.


*** GER***
Dieser Kurs gibt euch eine praktische Einführung in die Audioproduktion im Tonstudio, ein wichtiger Bestandteil der Theater- und Bühnenwelt, sei es für Sounddesign, Hörspielproduktionen, Live-Beschallung oder die Vertonung von Inszenierungen.
Wir gehen Schritt für Schritt durch den ganzen Produktionsprozess: Grundlagen der Mikrofonierung und Aufnahmetechnik, Schnitt und Bearbeitung von Audiomaterial, bis hin zum Mixing und Mastering eurer eigenen Produktionen.
Zum Abschluss wird es eine gemeinsame, gemütliche Listening Party geben, bei der wir uns alle Produktionen anhören.
Vorkenntnisse braucht ihr keine, nur Neugier und Lust auf Sound.

Für die praktischen Übungen wird ein eigener Laptop benötigt. Falls ihr keinen habt, meldet euch vorab bei mir, sodass wir eine Lösung finden. Voraussichtlich nutzen wir eine kostenlose Software, sodass alle Zugang zu den Basics haben.

Startet mit uns in die Gestaltung der nächsten Theatermaschine! Seit vielen Jahren gehört die TM fest zum Institut und bietet uns Studis eine Platform, erarbeitete Projekte zu zeigen und zu besprechen. Das Orga-Team wechselt dabei jährlich und kann das Festival maßgeblich mitgestalten. Wir geben euch in unserem Kurs einen Überblick über die TM und ihre Tradition und bereiten euch auf die kollektive Arbeit an einem Festival vor. Wir nehmen uns Zeit für Team-building und die Entwicklung eines gemeinsamen Code of conduct, laden Expert*innen aus den vergangenen TM Teams ein und klären Kommunikationswege. Außerdem wollen wir mit euch ein weiteres Festival unseres Instituts - das Diskurs Festival - gemeinsam besuchen und nachbesprechen!
Wir geben euch also einen umfassenden Überblick über alle Aufgabenbereiche und Gestaltungsräume und wollen gemeinsam eine gute Teamatmosphäre schaffen! :)


Start shaping the next Theatermaschine with us! For many years, the TM has been an integral part of the institute and offers us students a platform to showcase and discuss our projects. The organizing team changes every year and plays a key role in shaping the festival. In our course, we’ll give you an overview of the TM and its tradition and prepare you for the collaborative work involved in putting on a festival. We’ll take time for team-building and the development of a code of conduct, invite experts from past TM teams, and clarify communication channels. We also want to a]end another festival organized by our institute—the Diskurs Festival—together with you and discuss it afterward!
We will give you a comprehensive overview of all areas of responsibility and opportunities for creativity, and we want to work together to create a great team atmosphere! :)

Dieser Kurs vermittelt Grundlagen der Tontechnik praxisnah und zugänglich für Studierende ohne oder mit wenig Vorkenntnissen. Im Mittelpunkt stehen grundlegende technische Kompetenzen im Umgang mit Ton- und Audiosystemen, die für die eigenständige Arbeit in den Räumlichkeiten des Instituts notwendig sind. Die Kursinhalte werden in enger Absprache mit dem HiWi-Team und dem technischen Leiter entwickelt, um eine sinnvolle Einbettung in das Gesamtangebot des Bühnenpropädeutikums zu gewährleisten. Der Kurs richtet sich an alle ATW-Studierenden (BA, MA, CuP) und findet auf Deutsch und Englisch statt.
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ENGLISH — EVV Course Description:

This course introduces the fundamentals of sound technology in a hands-on, accessible format for students with little or no prior experience. The focus is on building the basic technical skills needed to work independently with audio systems in the institute's spaces. Course content is developed in close coordination with the HiWi team and the technical director to ensure coherent integration within the overall Bühnenpropädeutikum programme. The course is open to all ATW students (BA, MA, CuP) and is taught in both German and English.

This training is an invitation to work with the body as a primary site of knowledge, composition, and creative research.
We begin with sensation, image, and presence. Technique enters not as a fixed framework, but as a source, something to draw from, question, and be in dialogue with, recognising the aesthetic choices and histories embedded within it. Drawing from somatic approaches, autobiographical methodologies, and improvisational scores, we explore how personal and cultural material can become compositional tools, how story, place, and lived experience find form in the body.
Through structured improvisation tasks, movement research, and compositional scores, we investigate how movement is generated, shaped, and refined, listening to the body not just as an instrument, but as a compositional intelligence that already knows something worth following.
A central thread of this training is the practice of seeing and being seen, of getting inspired by each other's movement, presence, and choices. We learn as much from watching as from moving, and the group becomes a shared creative resource.
I will bring compositional tools and scores from my own practice, including from my auto-ethnographic solo work MADRE & TIERRA, rooted in a Chilean upbringing and lived experiences of migration, and guided by landscapes, nature, and the somatic practices. From RAW–FLAW, a duet research rooted in playfulness, radical openness, and spontaneous improvisation. I will also draw from collaborations with choreographers I have worked with as a freelancer and from my time within a dance company,
This is a space for us to find each other's interests through the body.

The course invites students to actively engage with the international conference In Turn Choreographies of Change and the public by experimenting with different forms of access. Students will explore performative and practical ways of "opening the doors" to welcome the conference audience, investigating how hospitality and accessibility can be choreographed.
Alongside these hands-on experiments in audience facilitation, students will follow the conference program itself, allowing them to integrate the discourses presented at the event with their practical explorations.

This seminar is designed for students in the ATW-BA third semester.
On the one hand, it offers this group of students a space to come together around questions of performing arts praxis; on the other hand, it aims to contribute to the development of each participant’s own artistic practice.
The foundation and starting point of our work will be your artworks and artistic practices. Each participant will present a personal work. This may be the very beginning of something you have been thinking about but have not yet dared to share, performance material in progress, an excerpt from a piece, something you are currently rehearsing, a work you have already presented and wish to rework, something created specifically for this seminar, or any material you wish to share in order to put it into dialogue and practice with the other participants.
This seminar aims to function as a platform for presenting and discussing your research and artworks, allowing them to be activated through collective engagement. It is conceived as a space for learning from and with each other’s practices.

Dieser Kurs bietet eine praxisorientierte Einführung in digitale Audiosoftware und deren Anwendung im Theaterkontext. Die Teilnehmenden lernen grundlegende Funktionen kennen — darunter Klangbearbeitung, der Einsatz von Effekten sowie die Nutzung von Software in Live-Situationen auf der Bühne. Ergänzend werden das Mischpult und der allgemeine Sound-Aufbau im Proberaum / auf der Bühne behandelt. Der Kurs setzt keine Vorkenntnisse voraus und richtet sich an alle ATW-Studierenden (BA, MA, CuP). Er findet auf Deutsch und/oder Englisch statt.
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ENGLISH — EVV Course Description:

This course offers a hands-on introduction to digital audio software and its application in a theatre context. Participants will explore core functions including sound editing, the use of effects, and operating audio software in a live stage setting. The course also covers the sound desk and general audio setup in the rehearsal space and on stage. No prior knowledge is required. The course is open to all ATW students (BA, MA, CuP) and takes place in German and/or English.

Dieser praktische Kurs führt Studierende durch den kompletten Prozess der Videoproduktion, vom Rohmaterial bis hin zum finalen Export. Der Kurs wird anhand von Adobe Premiere Pro unterrichtet, dem führenden Schnittprogramm in der Kreativ- und Medienbranche. Die behandelten fundamentalen Techniken und Konzepte sind jedoch nicht an eine bestimmte Software gebunden. Das Gelernte lässt sich somit mühelos auf ein Schnittprogramm der eigenen Wahl übertragen, wodurch eine aktive Mitarbeit auch ohne Premiere-Pro-Lizenz möglich ist. Der Schwerpunkt liegt auf den grundlegenden praktischen Fähigkeiten, die Studierende benötigen, um ihre künstlerischen Projekte umzusetzen. Sie erlernen essenzielle Schnitttechniken, die kreative Nutzung von Übergängen und Videoeffekten sowie die Grundlagen der professionellen Farbkorrektur (Color-Grading). Darüber hinaus behandeln wir die Bearbeitung von Ton, inklusive grundlegender Soundeffekte und Nachbearbeitung, die Erstellung von Untertiteln und vieles mehr. Im Mittelpunkt dieses Kurses steht das praktische Arbeiten. Die Inhalte werden in aufeinander aufbauenden Workshop-Blöcken vermittelt, die einen dynamischen Mix aus thematischer Einführung, anregendem Austausch und direkter Umsetzung am eigenen Projekt bieten. Eine Durchführung des Kurses ist nach Absprache mit der Gruppe problemlos auf Deutsch oder Englisch möglich.



This practical course guides students through the complete video production workflow, from raw footage to final export. Instruction will be conducted using Adobe Premiere Pro, the leading editing software in the creative and media industries. However, the fundamental techniques and concepts covered are not software-specific. The acquired knowledge can therefore be readily applied to any editing software of choice, enabling active participation even without a Premiere Pro license. The curriculum emphasizes the fundamental practical skills that students require to realize their artistic projects. Students will learn essential editing techniques, the creative use of transitions and video effects, and the principles of professional colour correction and grading. Furthermore, the course addresses audio editing, including basic sound effects and post-production, the creation of subtitles, and more. This course is centred on hands-on application. The content is delivered in sequential workshop blocks, each offering a dynamic combination of theoretical introduction, engaging discussion, and direct practical work on the students' own projects. By arrangement with the group, the language of instruction can be flexibly adapted to either German or English.



Calvin Lanz arbeitete viele Jahre als freiberuflicher Toningenieur und Videoeditor, bevor er 2025 eine Vollzeitstelle als Head of Video bei Xevio antrat, wo er ein Team von fünf professionellen Kreativen leitete und betreute, das jeden Monat eine Vielzahl von Kurzvideos produzierte.

Calvin Lanz worked many years as a Freelance sound engineer and video editor, before starting a full-time position as Head of Video at Xevio in 2025, leading and mentoring a team of five creative professionals producing a vast amount of short form videos each month.

Dance in the dark is the title of a song by Lady Gaga but it is also the title of
this movement class where we will play with different tools: How to be ready to dance alone and
together with others without too much preparation? How to compose a dance spontaneously
with different individuals in a collective environment?
For a basic movement course this coming winter semester, I ask myself what I can offer that
would provide a continuity of movement for students at ATW with no previous dance experience.
I wish to propose an improvisation practice where we gather once a week to work on what
bodies in time and space can do. In this movement class, we work with the tension between
knowing and not knowing. I propose movements - beginning with everyday movements like
walking, crawling, sitting, standing, jumping, and gradually building towards more complexity
and coordination - as materials to play with. In a systematic fashion, we shift parameters like
speed, duration, trajectories in space, and in various group constellations like solos, duets, trios
etc to observe what this does. How seemingly simple shifts can transform in large ways how we
sense our own bodies, in time and space. In this process, we begin to build as a group a
common language to make sense (to break it again) of what we do everyday in the studio. To
begin each week with a collective physical experience that can carry and accompany us through
the week.
This class is based on the themes of freedom and limits. When we improvise, we test our own
limits and test the boundaries of what we think is possible. When we shift between modalities of
watching and doing, we can observe how others navigate the same task differently and this
expands our own boundaries of possibility. To cultivate a sense of openness, stamina and
confidence to deal with each situation as it arises.

****ENG****

This course gives you a hands-on introduction to audio production in the recording studio, an important part of theatre and stage work, whether for sound design, audio drama production, live sound, or scoring a production.
We'll work step by step through the whole production process: the basics of microphone technique and recording, cutting and editing audio material, all the way through to mixing and mastering your own productions.
To wrap things up, we'll have a relaxed listening party together, where we listen back to everyone's productions.
No prior knowledge is needed, just curiosity and an interest in sound.

For the hands-on exercises, you'll need your own laptop. In case you don’t have one, get in touch with me beforehand in order for us to find a solution. We'll most likely be using a free software, so everyone has access to the basics.


*** GER***
Dieser Kurs gibt euch eine praktische Einführung in die Audioproduktion im Tonstudio, ein wichtiger Bestandteil der Theater- und Bühnenwelt, sei es für Sounddesign, Hörspielproduktionen, Live-Beschallung oder die Vertonung von Inszenierungen.
Wir gehen Schritt für Schritt durch den ganzen Produktionsprozess: Grundlagen der Mikrofonierung und Aufnahmetechnik, Schnitt und Bearbeitung von Audiomaterial, bis hin zum Mixing und Mastering eurer eigenen Produktionen.
Zum Abschluss wird es eine gemeinsame, gemütliche Listening Party geben, bei der wir uns alle Produktionen anhören.
Vorkenntnisse braucht ihr keine, nur Neugier und Lust auf Sound.

Für die praktischen Übungen wird ein eigener Laptop benötigt. Falls ihr keinen habt, meldet euch vorab bei mir, sodass wir eine Lösung finden. Voraussichtlich nutzen wir eine kostenlose Software, sodass alle Zugang zu den Basics haben.

Startet mit uns in die Gestaltung der nächsten Theatermaschine! Seit vielen Jahren gehört die TM fest zum Institut und bietet uns Studis eine Platform, erarbeitete Projekte zu zeigen und zu besprechen. Das Orga-Team wechselt dabei jährlich und kann das Festival maßgeblich mitgestalten. Wir geben euch in unserem Kurs einen Überblick über die TM und ihre Tradition und bereiten euch auf die kollektive Arbeit an einem Festival vor. Wir nehmen uns Zeit für Team-building und die Entwicklung eines gemeinsamen Code of conduct, laden Expert*innen aus den vergangenen TM Teams ein und klären Kommunikationswege. Außerdem wollen wir mit euch ein weiteres Festival unseres Instituts - das Diskurs Festival - gemeinsam besuchen und nachbesprechen!
Wir geben euch also einen umfassenden Überblick über alle Aufgabenbereiche und Gestaltungsräume und wollen gemeinsam eine gute Teamatmosphäre schaffen! :)


Start shaping the next Theatermaschine with us! For many years, the TM has been an integral part of the institute and offers us students a platform to showcase and discuss our projects. The organizing team changes every year and plays a key role in shaping the festival. In our course, we’ll give you an overview of the TM and its tradition and prepare you for the collaborative work involved in putting on a festival. We’ll take time for team-building and the development of a code of conduct, invite experts from past TM teams, and clarify communication channels. We also want to a]end another festival organized by our institute—the Diskurs Festival—together with you and discuss it afterward!
We will give you a comprehensive overview of all areas of responsibility and opportunities for creativity, and we want to work together to create a great team atmosphere! :)

Dieser Kurs vermittelt Grundlagen der Tontechnik praxisnah und zugänglich für Studierende ohne oder mit wenig Vorkenntnissen. Im Mittelpunkt stehen grundlegende technische Kompetenzen im Umgang mit Ton- und Audiosystemen, die für die eigenständige Arbeit in den Räumlichkeiten des Instituts notwendig sind. Die Kursinhalte werden in enger Absprache mit dem HiWi-Team und dem technischen Leiter entwickelt, um eine sinnvolle Einbettung in das Gesamtangebot des Bühnenpropädeutikums zu gewährleisten. Der Kurs richtet sich an alle ATW-Studierenden (BA, MA, CuP) und findet auf Deutsch und Englisch statt.
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ENGLISH — EVV Course Description:

This course introduces the fundamentals of sound technology in a hands-on, accessible format for students with little or no prior experience. The focus is on building the basic technical skills needed to work independently with audio systems in the institute's spaces. Course content is developed in close coordination with the HiWi team and the technical director to ensure coherent integration within the overall Bühnenpropädeutikum programme. The course is open to all ATW students (BA, MA, CuP) and is taught in both German and English.

This training is an invitation to work with the body as a primary site of knowledge, composition, and creative research.
We begin with sensation, image, and presence. Technique enters not as a fixed framework, but as a source, something to draw from, question, and be in dialogue with, recognising the aesthetic choices and histories embedded within it. Drawing from somatic approaches, autobiographical methodologies, and improvisational scores, we explore how personal and cultural material can become compositional tools, how story, place, and lived experience find form in the body.
Through structured improvisation tasks, movement research, and compositional scores, we investigate how movement is generated, shaped, and refined, listening to the body not just as an instrument, but as a compositional intelligence that already knows something worth following.
A central thread of this training is the practice of seeing and being seen, of getting inspired by each other's movement, presence, and choices. We learn as much from watching as from moving, and the group becomes a shared creative resource.
I will bring compositional tools and scores from my own practice, including from my auto-ethnographic solo work MADRE & TIERRA, rooted in a Chilean upbringing and lived experiences of migration, and guided by landscapes, nature, and the somatic practices. From RAW–FLAW, a duet research rooted in playfulness, radical openness, and spontaneous improvisation. I will also draw from collaborations with choreographers I have worked with as a freelancer and from my time within a dance company,
This is a space for us to find each other's interests through the body.

Performing Doctorship. How to Play the Doctor and Hack the Choreographies of Authority is a five-day intensive workshop designed for BA and MA students interested in approaching doctoral and artistic research through practice.
The workshop investigates public rituals of recognition — including graduation ceremonies, official speeches, award ceremonies, but also doctor–patient encounters and other situations in which authority is publicly performed — as performative material and as devices through which authority is constructed, producing what we can call “doctorship”.
The proposal emerges from Lucia Di Pietro's ongoing practice-based PhD project Performing Doctorship. The workshop explores the bodily, vocal, visual and symbolic codes that inhabit public rituals surrounding figures who occupy the role of the doctor — both medi-cal and academic — in order to question, dismantle and transform them into choreographic and performative material.
Participants will work with choreographies of recognition: postures of authority, facial expressions, signs of prestige, vocal registers, modes of address, costumes, institutional aesthetics and ways of looking and being looked at. Through observation, imitation, citation, repetition, styling, disguise and composition, they will construct a collective archive of gestures, outfits, poses, discursive formulas and modes of presence, which will then be transformed through performative experimentation.
Alongside this practical dimension, the workshop offers an introduction to artistic and practice-based research. It addresses a second central question: In what sense can a performative process constitute research? How is a research question generated through artistic practice? How can observation, embodied knowledge, archives, costume, voice, writing and composition become epistemological tools?
Rather than separating theory from practice, the workshop proposes artistic practice as a situated mode of inquiry through which knowledge is generated collectively and embodied.

Minimum 5, maximum 15




Tutors
Lucia Di Pietro
PhD candidate in Performance Studies (University IUAV of Venice / Justus Liebig University Giessen)
The workshop is developed within Lucia Di Pietro's ongoing practice-based PhD project Performing Doctorship, which investigates the performative power of scientific and medical authority and the ways in which public figures embody credibility through gestures, voice, appearance and ritual.
Lucia Di Pietro leads the theoretical and practical framework of the workshop through her ongoing practice- based PhD project Perform-ing Doctorship, introducing participants to questions of performativity, authority, imposture, embodied knowledge and the construction of an archive of gestures and fictional personas. The workshop also serves as an introduction to practice-based research, exploring how artistic practice can itself become a methodology for knowledge production.
Carlo Chiusi
PhD candidate in Fashion and Design (University IUAV of Venice)
Carlo Chiusi contributes to the workshop through his research on the visual and material dimensions of recognition: clothing, appear-ance, symbolic objects, institutional aesthetics and the performativity of fashion as a device that produces credibility and authority.
https://cchiusi.com/

The course invites students to actively engage with the international conference In Turn Choreographies of Change and the public by experimenting with different forms of access. Students will explore performative and practical ways of "opening the doors" to welcome the conference audience, investigating how hospitality and accessibility can be choreographed.
Alongside these hands-on experiments in audience facilitation, students will follow the conference program itself, allowing them to integrate the discourses presented at the event with their practical explorations.

This seminar explores dance performances that take place outside the theatre, engaging with open environments and their specific atmospheric conditions. Focusing on site-specific dance practices, we will investigate how air, wind, temperature, weather, and climate shape movement, perception, and dance performance. Through historical and contemporary examples, we will examine the relationships between dance and plant life, breathing, environmental forces, and cosmic imaginaries. The seminar considers how dance responds to and interacts with the atmospheric and ecological dimensions of the world, opening new perspectives on site-specific performance and its climatic conditions.In the seminar we will examine how the live practices of dance and performance can can contribute to the decolonial practices and thinking today. The body is in the core of the colonial processes of violence, but at the same time, it is a potency of resistance and resilience. Bodily history of pain, invisibility, vulnerability, difference is deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering and marginalization. How is the body present in the decolonial performance and dance, what can the body do, how can the body speak, how can the body dance? How to approach the practices of potency, sexuality, emotion, affirmation and healing from a decolonial perspective? We will mostly focus on the readings of theoretical texts from postcolonial, decolonial writers and artists, and entangle them with some current performances and choreographies.

The seminar will also include three situations in the open with practical work: forest (with Britta Schönbrun) on the 12th of October, 2026, Night with Bojana Kunst on the 14th of December and Landscape with Fabrice Mazliah on the 25th of January. In this meetings the hours of the seminar can change, the participants will be informed at the beginning of the seminar.

In this seminar, we will examine how the live practices of dance and performance can contribute to decolonial practices and ways of thinking today. The body is at the core of colonial processes of violence, but at the same time, it is also a site of resistance, resilience, and potency. Bodily histories of pain, invisibility, vulnerability, and difference are deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering, and marginalisation. Yet bodies also carry histories, memories, affects, desires, and forms of knowledge that can challenge colonial ways of seeing, knowing, and relating.
How is the body present in decolonial performance and dance? What can the body do, and how can the body dance? And what forms of knowledge and relation can emerge through embodied and performative practices?
We will focus primarily on theoretical texts by postcolonial and decolonial writers and artists, bringing them into dialogue with contemporary performances and choreographic works. The seminar will explore how dance and performance can intervene in colonial histories and their ongoing effects by creating other ways of sensing, moving, remembering, imagining, and being together.

This theoretical seminar is built around two concepts – metamorphosis and anamorphosis – and centred on the questions: how are body and subject transformations staged? What are the underlying ideas of change, and what are the related politics of performing/ staging a transformation?
Over the course of eight sessions, we will engage with artistic and literary works that present a transformation to the spectators (or the readers), building a trajectory through different metamorphoses and anamorphoses.
Metamorphosis refers to the transformation of an object or a person into something of a different nature and is often narrated as a radical change of form: the body that changes does not return. In biology, anamorphosis is contrasted to metamorphosis as the “gradual change of form” one can observe in those animals that have a rigid exoskeleton, from which they periodically need to detach in their growing process. Anamorphosis might be about making a comeback. Under a stable appearance, the matter has moved to another state, and the body that comes back looks the same, but is different.
Anamorphosis is mainly associated with the early modern painting technique in which an image appears only from a specific perspective, which is usually not the frontal one (e.g. the blurry skeleton in Holbein’s Ambassadors). If metamorphosis is a narrative mechanism that presents the spectator with a transformation that goes all the way through, anamorphosis hinges on the oscillation of perspective, addressing the spectators differently.
How to stage, or even perform, such transformations on stage? And what are the politics connected to them?


In philosophy, mythology, and literature, metamorphosis appears as the ordinary condition of living matter and as a threatening exception; metamorphic narratives serve as a celebration of becoming and overcoming categories and as narratives that corroborate fixed identities. In ancient imagination, metamorphosis consistently appears as a consequence of sexual violence and/or as a way of ensuring that the agency of those who undergo it is annihilated. In the Middle Ages, monster stories and the debates around Christian resurrection revolved around the relation between matter and identity, in the attempt to decide what makes a person a person.
Anamorphosis is equally controversial. Holbein’s painting is taken as an example by Lacan (1964) to describe the impossibility of the subject to have a total, masterful vision. The same painting serves Elsa Dorlin (2023) as she describes the transformation of a victim of sexual violence into an avenger (Bella in Helen Zahavi’s novel Dirty Weekend), who did not go through a metamorphosis, but rather an anamorphosis. Dorlin’s subjects — feminised, enslaved, colonised — never had that mastery to begin with, as they had always already been an object in someone else’s visual field.
In this course, we explore the problems generated by metamorphosis and anamorphosis as they are articulated on stage in the encounter with the spectators. Each session (3 hours) comprises a theoretical text, an artistic work, and a practical exercise, opening up different entry points into theory. There is room for people participating in the class to bring texts/shows/books/practices.
The course is structured as a trajectory, and it is partially built through a collective practice (the construction of a living index of metamorphic and anamorphic transformations) that requires regular attendance in the class. Because of this reason, it is not possible to attend single sessions.
You can finish this class by contributing to the living index (former “small Schein” ) and by writing a paper (contribution to the living index plus paper equals the former “big Schein”).
An updated description, containing artistic and theoretical references, will be uploaded here at the beginning of October.

In this seminar, we will examine the proximity among text, storytelling, and the dancing body, investigating what happens when the spoken text is treated not as an ideological governing authority but as an embodied material. Following the historical shift toward the postdramatic, as described by Hans-Thies Lehmann (1999), we approach the removal of the dramatic text from the center of performance, making it one of the elements that participate in performance-making, with physicality, sound, light, and temporality coming more prominently into play. Moving away from the traditional theatre, we will look into how this decentering of the dramatic text has entered dance performance, the processes of dance-making, and how it moved with other bodies.
We will investigate various relationships between text and dance, from a historical perspective, such as Pina Bausch’s Tanztheater, and toward contemporary aesthetics, where the text becomes a vessel for the resistance of feminist storytelling as found in the works of Ana Vujanović and Marta Popivoda, or from the decolonial perspective of the choreographies of Ligia Lewis. We will explore different aesthetics and methodologies, different voices and textures, the dramaturgy of assembling, the embodying of text, and map the plurality of storytelling that informs the bodies of contemporary dance performance. How do the dancing body and text meet, and what new political and aesthetic potentials emerge from that meeting?

This seminar explores dance performances that take place outside the theatre, engaging with open environments and their specific atmospheric conditions. Focusing on site-specific dance practices, we will investigate how air, wind, temperature, weather, and climate shape movement, perception, and dance performance. Through historical and contemporary examples, we will examine the relationships between dance and plant life, breathing, environmental forces, and cosmic imaginaries. The seminar considers how dance responds to and interacts with the atmospheric and ecological dimensions of the world, opening new perspectives on site-specific performance and its climatic conditions.In the seminar we will examine how the live practices of dance and performance can can contribute to the decolonial practices and thinking today. The body is in the core of the colonial processes of violence, but at the same time, it is a potency of resistance and resilience. Bodily history of pain, invisibility, vulnerability, difference is deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering and marginalization. How is the body present in the decolonial performance and dance, what can the body do, how can the body speak, how can the body dance? How to approach the practices of potency, sexuality, emotion, affirmation and healing from a decolonial perspective? We will mostly focus on the readings of theoretical texts from postcolonial, decolonial writers and artists, and entangle them with some current performances and choreographies.

The seminar will also include three situations in the open with practical work: forest (with Britta Schönbrun) on the 12th of October, 2026, Night with Bojana Kunst on the 14th of December and Landscape with Fabrice Mazliah on the 25th of January. In this meetings the hours of the seminar can change, the participants will be informed at the beginning of the seminar.

In this seminar, we will examine how the live practices of dance and performance can contribute to decolonial practices and ways of thinking today. The body is at the core of colonial processes of violence, but at the same time, it is also a site of resistance, resilience, and potency. Bodily histories of pain, invisibility, vulnerability, and difference are deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering, and marginalisation. Yet bodies also carry histories, memories, affects, desires, and forms of knowledge that can challenge colonial ways of seeing, knowing, and relating.
How is the body present in decolonial performance and dance? What can the body do, and how can the body dance? And what forms of knowledge and relation can emerge through embodied and performative practices?
We will focus primarily on theoretical texts by postcolonial and decolonial writers and artists, bringing them into dialogue with contemporary performances and choreographic works. The seminar will explore how dance and performance can intervene in colonial histories and their ongoing effects by creating other ways of sensing, moving, remembering, imagining, and being together.

This theoretical seminar is built around two concepts – metamorphosis and anamorphosis – and centred on the questions: how are body and subject transformations staged? What are the underlying ideas of change, and what are the related politics of performing/ staging a transformation?
Over the course of eight sessions, we will engage with artistic and literary works that present a transformation to the spectators (or the readers), building a trajectory through different metamorphoses and anamorphoses.
Metamorphosis refers to the transformation of an object or a person into something of a different nature and is often narrated as a radical change of form: the body that changes does not return. In biology, anamorphosis is contrasted to metamorphosis as the “gradual change of form” one can observe in those animals that have a rigid exoskeleton, from which they periodically need to detach in their growing process. Anamorphosis might be about making a comeback. Under a stable appearance, the matter has moved to another state, and the body that comes back looks the same, but is different.
Anamorphosis is mainly associated with the early modern painting technique in which an image appears only from a specific perspective, which is usually not the frontal one (e.g. the blurry skeleton in Holbein’s Ambassadors). If metamorphosis is a narrative mechanism that presents the spectator with a transformation that goes all the way through, anamorphosis hinges on the oscillation of perspective, addressing the spectators differently.
How to stage, or even perform, such transformations on stage? And what are the politics connected to them?


In philosophy, mythology, and literature, metamorphosis appears as the ordinary condition of living matter and as a threatening exception; metamorphic narratives serve as a celebration of becoming and overcoming categories and as narratives that corroborate fixed identities. In ancient imagination, metamorphosis consistently appears as a consequence of sexual violence and/or as a way of ensuring that the agency of those who undergo it is annihilated. In the Middle Ages, monster stories and the debates around Christian resurrection revolved around the relation between matter and identity, in the attempt to decide what makes a person a person.
Anamorphosis is equally controversial. Holbein’s painting is taken as an example by Lacan (1964) to describe the impossibility of the subject to have a total, masterful vision. The same painting serves Elsa Dorlin (2023) as she describes the transformation of a victim of sexual violence into an avenger (Bella in Helen Zahavi’s novel Dirty Weekend), who did not go through a metamorphosis, but rather an anamorphosis. Dorlin’s subjects — feminised, enslaved, colonised — never had that mastery to begin with, as they had always already been an object in someone else’s visual field.
In this course, we explore the problems generated by metamorphosis and anamorphosis as they are articulated on stage in the encounter with the spectators. Each session (3 hours) comprises a theoretical text, an artistic work, and a practical exercise, opening up different entry points into theory. There is room for people participating in the class to bring texts/shows/books/practices.
The course is structured as a trajectory, and it is partially built through a collective practice (the construction of a living index of metamorphic and anamorphic transformations) that requires regular attendance in the class. Because of this reason, it is not possible to attend single sessions.
You can finish this class by contributing to the living index (former “small Schein” ) and by writing a paper (contribution to the living index plus paper equals the former “big Schein”).
An updated description, containing artistic and theoretical references, will be uploaded here at the beginning of October.

In this seminar, we will examine the proximity among text, storytelling, and the dancing body, investigating what happens when the spoken text is treated not as an ideological governing authority but as an embodied material. Following the historical shift toward the postdramatic, as described by Hans-Thies Lehmann (1999), we approach the removal of the dramatic text from the center of performance, making it one of the elements that participate in performance-making, with physicality, sound, light, and temporality coming more prominently into play. Moving away from the traditional theatre, we will look into how this decentering of the dramatic text has entered dance performance, the processes of dance-making, and how it moved with other bodies.
We will investigate various relationships between text and dance, from a historical perspective, such as Pina Bausch’s Tanztheater, and toward contemporary aesthetics, where the text becomes a vessel for the resistance of feminist storytelling as found in the works of Ana Vujanović and Marta Popivoda, or from the decolonial perspective of the choreographies of Ligia Lewis. We will explore different aesthetics and methodologies, different voices and textures, the dramaturgy of assembling, the embodying of text, and map the plurality of storytelling that informs the bodies of contemporary dance performance. How do the dancing body and text meet, and what new political and aesthetic potentials emerge from that meeting?

This seminar explores dance performances that take place outside the theatre, engaging with open environments and their specific atmospheric conditions. Focusing on site-specific dance practices, we will investigate how air, wind, temperature, weather, and climate shape movement, perception, and dance performance. Through historical and contemporary examples, we will examine the relationships between dance and plant life, breathing, environmental forces, and cosmic imaginaries. The seminar considers how dance responds to and interacts with the atmospheric and ecological dimensions of the world, opening new perspectives on site-specific performance and its climatic conditions.In the seminar we will examine how the live practices of dance and performance can can contribute to the decolonial practices and thinking today. The body is in the core of the colonial processes of violence, but at the same time, it is a potency of resistance and resilience. Bodily history of pain, invisibility, vulnerability, difference is deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering and marginalization. How is the body present in the decolonial performance and dance, what can the body do, how can the body speak, how can the body dance? How to approach the practices of potency, sexuality, emotion, affirmation and healing from a decolonial perspective? We will mostly focus on the readings of theoretical texts from postcolonial, decolonial writers and artists, and entangle them with some current performances and choreographies.

The seminar will also include three situations in the open with practical work: forest (with Britta Schönbrun) on the 12th of October, 2026, Night with Bojana Kunst on the 14th of December and Landscape with Fabrice Mazliah on the 25th of January. In this meetings the hours of the seminar can change, the participants will be informed at the beginning of the seminar.

In this seminar, we will examine how the live practices of dance and performance can contribute to decolonial practices and ways of thinking today. The body is at the core of colonial processes of violence, but at the same time, it is also a site of resistance, resilience, and potency. Bodily histories of pain, invisibility, vulnerability, and difference are deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering, and marginalisation. Yet bodies also carry histories, memories, affects, desires, and forms of knowledge that can challenge colonial ways of seeing, knowing, and relating.
How is the body present in decolonial performance and dance? What can the body do, and how can the body dance? And what forms of knowledge and relation can emerge through embodied and performative practices?
We will focus primarily on theoretical texts by postcolonial and decolonial writers and artists, bringing them into dialogue with contemporary performances and choreographic works. The seminar will explore how dance and performance can intervene in colonial histories and their ongoing effects by creating other ways of sensing, moving, remembering, imagining, and being together.

This theoretical seminar is built around two concepts – metamorphosis and anamorphosis – and centred on the questions: how are body and subject transformations staged? What are the underlying ideas of change, and what are the related politics of performing/ staging a transformation?
Over the course of eight sessions, we will engage with artistic and literary works that present a transformation to the spectators (or the readers), building a trajectory through different metamorphoses and anamorphoses.
Metamorphosis refers to the transformation of an object or a person into something of a different nature and is often narrated as a radical change of form: the body that changes does not return. In biology, anamorphosis is contrasted to metamorphosis as the “gradual change of form” one can observe in those animals that have a rigid exoskeleton, from which they periodically need to detach in their growing process. Anamorphosis might be about making a comeback. Under a stable appearance, the matter has moved to another state, and the body that comes back looks the same, but is different.
Anamorphosis is mainly associated with the early modern painting technique in which an image appears only from a specific perspective, which is usually not the frontal one (e.g. the blurry skeleton in Holbein’s Ambassadors). If metamorphosis is a narrative mechanism that presents the spectator with a transformation that goes all the way through, anamorphosis hinges on the oscillation of perspective, addressing the spectators differently.
How to stage, or even perform, such transformations on stage? And what are the politics connected to them?


In philosophy, mythology, and literature, metamorphosis appears as the ordinary condition of living matter and as a threatening exception; metamorphic narratives serve as a celebration of becoming and overcoming categories and as narratives that corroborate fixed identities. In ancient imagination, metamorphosis consistently appears as a consequence of sexual violence and/or as a way of ensuring that the agency of those who undergo it is annihilated. In the Middle Ages, monster stories and the debates around Christian resurrection revolved around the relation between matter and identity, in the attempt to decide what makes a person a person.
Anamorphosis is equally controversial. Holbein’s painting is taken as an example by Lacan (1964) to describe the impossibility of the subject to have a total, masterful vision. The same painting serves Elsa Dorlin (2023) as she describes the transformation of a victim of sexual violence into an avenger (Bella in Helen Zahavi’s novel Dirty Weekend), who did not go through a metamorphosis, but rather an anamorphosis. Dorlin’s subjects — feminised, enslaved, colonised — never had that mastery to begin with, as they had always already been an object in someone else’s visual field.
In this course, we explore the problems generated by metamorphosis and anamorphosis as they are articulated on stage in the encounter with the spectators. Each session (3 hours) comprises a theoretical text, an artistic work, and a practical exercise, opening up different entry points into theory. There is room for people participating in the class to bring texts/shows/books/practices.
The course is structured as a trajectory, and it is partially built through a collective practice (the construction of a living index of metamorphic and anamorphic transformations) that requires regular attendance in the class. Because of this reason, it is not possible to attend single sessions.
You can finish this class by contributing to the living index (former “small Schein” ) and by writing a paper (contribution to the living index plus paper equals the former “big Schein”).
An updated description, containing artistic and theoretical references, will be uploaded here at the beginning of October.

In this seminar, we will examine the proximity among text, storytelling, and the dancing body, investigating what happens when the spoken text is treated not as an ideological governing authority but as an embodied material. Following the historical shift toward the postdramatic, as described by Hans-Thies Lehmann (1999), we approach the removal of the dramatic text from the center of performance, making it one of the elements that participate in performance-making, with physicality, sound, light, and temporality coming more prominently into play. Moving away from the traditional theatre, we will look into how this decentering of the dramatic text has entered dance performance, the processes of dance-making, and how it moved with other bodies.
We will investigate various relationships between text and dance, from a historical perspective, such as Pina Bausch’s Tanztheater, and toward contemporary aesthetics, where the text becomes a vessel for the resistance of feminist storytelling as found in the works of Ana Vujanović and Marta Popivoda, or from the decolonial perspective of the choreographies of Ligia Lewis. We will explore different aesthetics and methodologies, different voices and textures, the dramaturgy of assembling, the embodying of text, and map the plurality of storytelling that informs the bodies of contemporary dance performance. How do the dancing body and text meet, and what new political and aesthetic potentials emerge from that meeting?

Das Seminar möchte die Studierenden mit zentralen zeitgenössischen philosophischen Position zur Ästhetik bekannt machen. Mit der Erweiterung des Kunstbegriffs seit den 1960er Jahren sowie einer immer stärker werden Situierung von künstlerischen Aktionen in gesellschaftlichen Prozessen werden erneut Fragen nach der Spezifik von Kunst aufgeworfen. Welche Rolle spielen im Zuge dieser Veränderungen noch traditionelle Vorstellungen einer Autonomie der Kunst, wie sie exemplarisch etwa Theodor W. Adorno formuliert hat? Wird Kunst nicht viel eher am Grad ihrer Engagiertheit und ihrer gesellschaftlichen Funktion gemessen anstatt an ihrer Zweckfreiheit? Was vermag sie, derart fremdbestimmt, aber dann noch als spezifische Form der Artikulation und Kommunikation zu leisten? Das Seminar geht anhand von ausgewählten Positionen und Texten (u.a. Jacques Rancière, Christoph Menke, Oliver Marchart) diesen Fragen nach.

Bertolt Brechts Gedichtsammlung „Hauspostille“ (1927) enthält einige der bekanntesten Gedichte Brechts wie „Erinnerung an die Marie A.“, „Von der Freundlichkeit der Welt“ oder „Vom armen B.B.“ Die Sammlung, deren Titel ironisch auf die Form einer traditionellen Predigt-Sammlung anspielt (und auch sonst viele Parodien alter religiöser Formen enthält), ist nicht nur ein sehr interessantes Dokument der Literatur der Neuen Sachlichkeit in der Weimarer Republik. Sie versteht sich ausdrücklich auch als eine leicht zu verstehende Anleitung zu einem guten Leben – unter den schwierigen Bedingungen von Kapitalismus, Not, Krieg und Gewalt. Das Seminar, das sich auch als eine Einführung in den Umgang mit moderner Lyrik eignet, dient dem Kennenlernen Brechts als Lyriker und auch der Frage nach der Aktualität dieser Anleitung zur Lebenskunst.
Zur Teilnahme bitte anschaffen: Bertolt Brecht, Bertolt Brechts Hauspostille, Frankfurt a.M.: Suhrkamp, 10. Auflage 1999. ISBN: 13 978-3-518-39541-7 (10,- €)

This seminar explores dance performances that take place outside the theatre, engaging with open environments and their specific atmospheric conditions. Focusing on site-specific dance practices, we will investigate how air, wind, temperature, weather, and climate shape movement, perception, and dance performance. Through historical and contemporary examples, we will examine the relationships between dance and plant life, breathing, environmental forces, and cosmic imaginaries. The seminar considers how dance responds to and interacts with the atmospheric and ecological dimensions of the world, opening new perspectives on site-specific performance and its climatic conditions.In the seminar we will examine how the live practices of dance and performance can can contribute to the decolonial practices and thinking today. The body is in the core of the colonial processes of violence, but at the same time, it is a potency of resistance and resilience. Bodily history of pain, invisibility, vulnerability, difference is deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering and marginalization. How is the body present in the decolonial performance and dance, what can the body do, how can the body speak, how can the body dance? How to approach the practices of potency, sexuality, emotion, affirmation and healing from a decolonial perspective? We will mostly focus on the readings of theoretical texts from postcolonial, decolonial writers and artists, and entangle them with some current performances and choreographies.

The seminar will also include three situations in the open with practical work: forest (with Britta Schönbrun) on the 12th of October, 2026, Night with Bojana Kunst on the 14th of December and Landscape with Fabrice Mazliah on the 25th of January. In this meetings the hours of the seminar can change, the participants will be informed at the beginning of the seminar.

In this seminar, we will examine how the live practices of dance and performance can contribute to decolonial practices and ways of thinking today. The body is at the core of colonial processes of violence, but at the same time, it is also a site of resistance, resilience, and potency. Bodily histories of pain, invisibility, vulnerability, and difference are deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering, and marginalisation. Yet bodies also carry histories, memories, affects, desires, and forms of knowledge that can challenge colonial ways of seeing, knowing, and relating.
How is the body present in decolonial performance and dance? What can the body do, and how can the body dance? And what forms of knowledge and relation can emerge through embodied and performative practices?
We will focus primarily on theoretical texts by postcolonial and decolonial writers and artists, bringing them into dialogue with contemporary performances and choreographic works. The seminar will explore how dance and performance can intervene in colonial histories and their ongoing effects by creating other ways of sensing, moving, remembering, imagining, and being together.

This theoretical seminar is built around two concepts – metamorphosis and anamorphosis – and centred on the questions: how are body and subject transformations staged? What are the underlying ideas of change, and what are the related politics of performing/ staging a transformation?
Over the course of eight sessions, we will engage with artistic and literary works that present a transformation to the spectators (or the readers), building a trajectory through different metamorphoses and anamorphoses.
Metamorphosis refers to the transformation of an object or a person into something of a different nature and is often narrated as a radical change of form: the body that changes does not return. In biology, anamorphosis is contrasted to metamorphosis as the “gradual change of form” one can observe in those animals that have a rigid exoskeleton, from which they periodically need to detach in their growing process. Anamorphosis might be about making a comeback. Under a stable appearance, the matter has moved to another state, and the body that comes back looks the same, but is different.
Anamorphosis is mainly associated with the early modern painting technique in which an image appears only from a specific perspective, which is usually not the frontal one (e.g. the blurry skeleton in Holbein’s Ambassadors). If metamorphosis is a narrative mechanism that presents the spectator with a transformation that goes all the way through, anamorphosis hinges on the oscillation of perspective, addressing the spectators differently.
How to stage, or even perform, such transformations on stage? And what are the politics connected to them?


In philosophy, mythology, and literature, metamorphosis appears as the ordinary condition of living matter and as a threatening exception; metamorphic narratives serve as a celebration of becoming and overcoming categories and as narratives that corroborate fixed identities. In ancient imagination, metamorphosis consistently appears as a consequence of sexual violence and/or as a way of ensuring that the agency of those who undergo it is annihilated. In the Middle Ages, monster stories and the debates around Christian resurrection revolved around the relation between matter and identity, in the attempt to decide what makes a person a person.
Anamorphosis is equally controversial. Holbein’s painting is taken as an example by Lacan (1964) to describe the impossibility of the subject to have a total, masterful vision. The same painting serves Elsa Dorlin (2023) as she describes the transformation of a victim of sexual violence into an avenger (Bella in Helen Zahavi’s novel Dirty Weekend), who did not go through a metamorphosis, but rather an anamorphosis. Dorlin’s subjects — feminised, enslaved, colonised — never had that mastery to begin with, as they had always already been an object in someone else’s visual field.
In this course, we explore the problems generated by metamorphosis and anamorphosis as they are articulated on stage in the encounter with the spectators. Each session (3 hours) comprises a theoretical text, an artistic work, and a practical exercise, opening up different entry points into theory. There is room for people participating in the class to bring texts/shows/books/practices.
The course is structured as a trajectory, and it is partially built through a collective practice (the construction of a living index of metamorphic and anamorphic transformations) that requires regular attendance in the class. Because of this reason, it is not possible to attend single sessions.
You can finish this class by contributing to the living index (former “small Schein” ) and by writing a paper (contribution to the living index plus paper equals the former “big Schein”).
An updated description, containing artistic and theoretical references, will be uploaded here at the beginning of October.

In this seminar, we will examine the proximity among text, storytelling, and the dancing body, investigating what happens when the spoken text is treated not as an ideological governing authority but as an embodied material. Following the historical shift toward the postdramatic, as described by Hans-Thies Lehmann (1999), we approach the removal of the dramatic text from the center of performance, making it one of the elements that participate in performance-making, with physicality, sound, light, and temporality coming more prominently into play. Moving away from the traditional theatre, we will look into how this decentering of the dramatic text has entered dance performance, the processes of dance-making, and how it moved with other bodies.
We will investigate various relationships between text and dance, from a historical perspective, such as Pina Bausch’s Tanztheater, and toward contemporary aesthetics, where the text becomes a vessel for the resistance of feminist storytelling as found in the works of Ana Vujanović and Marta Popivoda, or from the decolonial perspective of the choreographies of Ligia Lewis. We will explore different aesthetics and methodologies, different voices and textures, the dramaturgy of assembling, the embodying of text, and map the plurality of storytelling that informs the bodies of contemporary dance performance. How do the dancing body and text meet, and what new political and aesthetic potentials emerge from that meeting?

Das Seminar möchte die Studierenden mit zentralen zeitgenössischen philosophischen Position zur Ästhetik bekannt machen. Mit der Erweiterung des Kunstbegriffs seit den 1960er Jahren sowie einer immer stärker werden Situierung von künstlerischen Aktionen in gesellschaftlichen Prozessen werden erneut Fragen nach der Spezifik von Kunst aufgeworfen. Welche Rolle spielen im Zuge dieser Veränderungen noch traditionelle Vorstellungen einer Autonomie der Kunst, wie sie exemplarisch etwa Theodor W. Adorno formuliert hat? Wird Kunst nicht viel eher am Grad ihrer Engagiertheit und ihrer gesellschaftlichen Funktion gemessen anstatt an ihrer Zweckfreiheit? Was vermag sie, derart fremdbestimmt, aber dann noch als spezifische Form der Artikulation und Kommunikation zu leisten? Das Seminar geht anhand von ausgewählten Positionen und Texten (u.a. Jacques Rancière, Christoph Menke, Oliver Marchart) diesen Fragen nach.

„Das Monströse hat Konjunktur.“ (Geisenhanslüke/Mein)
In diesem Kurs beschäftigen wir uns theoretisch und praktisch mit den Schnittstellen zwischen Fragen und Konzepten aus den Monster Studies und zeitgenössischer dramaturgischer Praxis. Seit den späten Nuller-Jahren häufen sich Bezüge zum Monströsen im Bereich der Kultur- und Literaturwissenschaften, wobei die theaterwissenschaftliche Beschäftigung mit dem Monströsen im deutschsprachigen Raum (noch) ein Desiderat darstellt. Die marginale Existenz des Monströsen als Thematik in tanz- und theaterwissenschaftlichen Texten bedeutet allerdings nicht, dass nicht zahlreiche Inszenierungen der darstellenden Künste entweder selbst (in Ankündigungstexten, szenischer Forschung o.ä.) Begriffe wie Monster oder Monstrosität nutzen oder mithilfe dieser Begriffe beschrieben werden. Abstammend vom lateinischen monstrum, birgt der Begriff zum einen die Bedeutung Zeigen (monstrare) und Zeichen in sich, andererseits aber auch das Ungeheuerliche und schlägt Verbindung zu Theorien über das Unbewusste und das Abgespaltene. Monstrosität spielt eine bedeutende Rolle in vielen kulturellen und gesellschaftlichen Kontexten – als Ausdruck von Grenzziehungen, sozialen Ängsten und Normverschiebungen. Obwohl die interdisziplinäre Wissenschaftsrichtung Monster Studies inzwischen global etabliert ist, wurde ihr Potenzial im deutschsprachigen Raum, insbesondere innerhalb der Theaterwissenschaft, bislang kaum genutzt.
Der Kurs ist eine Kooperation im Rahmen der Hessischen Theaterakademie (HTA) zwischen der ATW an der JLU Gießen und der Goethe Universität in Frankfurt am Main und findet in enger Zusammenarbeit mit dem von der Deutschen Forschungsgemeinschaft (DFG) geförderten, internationalen Wissenschaftlichen Netzwerk MONSTROUS MATTERS – Interdisziplinäre Perspektiven auf Inszenierungen monströser Figuren, Körper und Ordnungen im zeitgenössischen Theater und verwandten Künsten statt (Mehr Infos zum Netzwerk hier: https://www.uni-giessen.de/de/fbz/fb05/atw/festivals-und-projekte/forschungsprojekte-1#MONSTROUS_MATTERS). Das Netzwerk veranstaltet über das Halloween-Wochenende vom 30.10. bis 1.11.2026 in Kooperation mit dem Theater Heilbronn ein dreitägiges Symposium mit Vorträgen, Diskussionsrunden, Programm für Junges Publikum, Performances und einer Halloween-Party. Drei Tage lang ziehen Forscher:innen, Künstler:innen aus den USA und Europa und jede Menge Monster ins Theater ein. Dieser Kurs wird aktiv in die Gestaltung und Ausrichtung (dramaturgischer) Rahmungen von Veranstaltungen während der drei Tage in Heilbronn eingebunden: Wir planen Einführungen, Nachgespräche, Übersetzungs- und Zugangsmöglichkeiten (Mehrsprachigkeit des Netzwerks) und Begleit-Möglichkeiten (Monster Mentees), um dem Monströsen an diesem Wochenende in Heilbronn eine dramaturgische Rahmung zu geben, die möglichst zugänglich ist für möglichst viele Menschen. In Kleingruppen werdet ihr Verantwortlichkeiten für wissenschaftliche Panels und künstlerische Performances übernehmen. Die Anreise nach Heilbronn ist mit dem Deutschlandticket möglich und die Übernachtung im Hotel in Heilbronn (Doppelzimmer mit zwei Einzelbetten) wird komplett finanziert. Die Vor- und Nachbereitungen finden in Räumlichkeiten auf dem Campus Westend der Goethe Uni in Frankfurt am Main statt. Der Kurs ist für max. 30 Studierende ausgelegt, wobei ca. 15 Plätze für Studierende der ATW und 15 Plätze für Studierende von der Goethe Uni Frankfurt vorgesehen sind. In der online Platzvergabesitzung werden die Plätze verbindlich verteilt. Es kann nur teilnehmen, wer am kompletten Kursprogramm inklusive der Exkursion teilnehmen kann.

This seminar is a platform to present and discuss your research and artworks in order to put them at work with others.
Each session will involve live presentations of works followed by discussions and/or other activities proposed by the works.
A focus of our exchanges will be to raise questions about modes of rehearsal and how the works are made public.
The presentation can be any work at any state of its development that you wish to share in the group. It might be the very beginning of an impulse for a future work, or some performance material in process, an excerpt of a piece, something you are rehearsing at the moment, something you have already presented and you wish to rework, something that you make specifically for this seminar, anything you wish to share in order to put it at work with the participants of the seminar. It can be anything as long as it comes with a question that you would like to address and work on with the group.
Each participant is invited to present their works as well as to discuss the works of others. Ideally, and according to the number of presentation and participants, each work should be presented and discussed 2 times during the semester.
The evaluation is based on the participation in the debates and in the presentation of work or, on a written report for those who are not part of any work presentation.

The course will be held in cooperation with the University of Applied Arts Vienna as an Erasmus Blended Intensive Programme (BIP). Places are limited. Please contact: Gerald.Siegmund@theater.uni-giessen.de
Prerequisite: Completion of Basic Modules 1–4 in the BA program / Voraussetzung: abgeschlossene Basismodule 1-4 im BA

The intersection of the body and digital art has long been a fertile space for experimentation. From the early motion-capture explorations of Merce Cunningham and The OpenEnded Group to contemporary hybrid practices, the body becomes both medium and message. Today the digital cannot be separated from bodily experience: screens, sensors, and interfaces constantly reshape our understanding of presence. We live suspended between physical reality and simulation — between living bodies and “2D bodies” mediated by technology. This duality generates a paradox: the physical body becomes marginal, while the digital body accumulates identities, projections, and expectations. Corporeality does not vanish; it transforms. Refracted through digital languages, it becomes structured, edited, and sometimes domesticated. This transformation calls for new artistic methods able to restore the body as an active generator of meaning within technological environments. The project investigates how these two “languages” — bodily expression and digital creation — can meet, interact, and generate new artistic spaces. Rather than merging skills, the aim is to build a shared environment where dancers and digital artists develop a common vocabulary made of experiences, practices, codes, and intuitive understandings. The ambition is to contribute to an embodied digital art practice grounded in technical rigor, conceptual openness, and innovative methodologies.

Arbeitsmethode: postcolonial, welt-zu-welt, peer-to-peer tandem-learning.
Der Kurs verbindet Gruppenunterricht mit eigenständiger Tandem-Arbeit. Im Plenum lesen, diskutieren und geben wir uns gegenseitig Feedback — auch in Zwischenpräsentationen, wo die Tandems voneinander lernen. Im Tandem arbeitest du ein ganzes Semester lang eng mit einer anderen Person zusammen — jemand aus dem Globalen Süden oder aus einem anderen kulturellen Kontext als deinem eigenen, gerne auch aus der ATW selbst. Gemeinsam entwickelt ihr ein künstlerisches oder forschungspraktisches Format, das aus eurer Begegnung entsteht: aus dem, was euch trennt, verbindet, irritiert oder überrascht. Im Mittelpunkt stehen Fragen sozialer Gerechtigkeit und Klassismus — nicht als abstraktes Thema, sondern als gelebte Realität.
Für wen ist dieser Kurs?
Für alle ATW-Studierenden — und ganz besonders auch für diejenigen unter euch, die selbst aus dem Globalen Süden kommen oder anderswo aufgewachsen sind als in Mitteleuropa. Ihr bringt Wissen, Erfahrungen und Netzwerke mit, die in diesem Kurs wirklich zählen. Euer Blick ist kein Zusatz — er ist der Ausgangspunkt.
Tandem-Partnerschaften können entstehen durch: — eigene Kontakte der Studierenden oder der Lehrenden — internationale Studierende innerhalb der JLU oder ATW selbst — gemeinsame Suche im Kurs.
Was passiert im Kurs?
Der Kurs hat vier Stränge, die sich durch das Semester ziehen:
1. Lesen & Denken Gemeinsam lesen wir Texte zu Postkolonialismus, sozialer Ungleichheit, Klassismus und den jeweiligen geografischen und kulturellen Kontexten der Tandems. Theorie als Werkzeug — nicht als Pflicht.
2. Tandem-Arbeit Das Herzstück des Kurses. Ihr arbeitet eigenständig zu zweit: recherchiert, kommuniziert, plant, stolpert, findet euren Weg. Margo begleitet euch durch regelmäßige Mentoring-Gespräche.
3. Feedback & Dramaturgie Wir schauen gemeinsam auf die entstehenden Arbeiten — aus klar benannten Positionen: ästhetisch, strukturell, inhaltlich. Wie in der Projektdramaturgie gilt: Feedback ist eine Haltung, keine Bewertung.
4. Abschlusspräsentation Das Format entscheiden wir gemeinsam. Denkbar sind z.B. Audiowalks, Audiobücher, kurze Performances, Lecture-Performances oder andere Formen — jedes Tandem präsentiert ca. 15 Minuten.

Format
Montags, 12:00–16:00 Uhr (+ individuelle Tandem-Termine nach Absprache — da eure Partner*innen eventuell in anderen Zeitzonen leben, braucht ihr Flexibilität und Eigenverantwortung für die Tandems selbst).
Hybrid: teils in Präsenz in Gießen, teils online
Sprache: Deutsch und Englisch

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ZOOM OUT — welt-zu-welt, peer-to-peer
KFPPK | German & English | WS 2026/27
Method: postcolonial, welt-zu-welt, peer-to-peer tandem learning
The course combines group sessions with independent tandem work. In the plenary we read, discuss, and give each other feedback — including through interim presentations where tandems learn from one another. In your tandem, you work closely with one other person for the entire semester — someone from the Global South or from a cultural context different from your own, ideally from within ATW itself. Together you develop an artistic or research-based format that emerges from your encounter: from what separates you, connects you, surprises or unsettles you. At the centre are questions of social justice and classism — not as abstract topics, but as lived reality.
Who is this course for?
For all ATW students — and especially for those of you who come from the Global South yourselves, or who grew up outside of Central Europe. The knowledge, experiences, and networks you bring genuinely matter in this course. Your perspective is not an add-on — it is the starting point.
Tandem partnerships can be formed through: — existing contacts of students or the teacher — international students within JLU or ATW itself — a collective search within the course
What happens in the course?
The course has four strands running through the semester:
1. Reading & Thinking We read texts together on postcolonialism, social inequality, classism, and the geographical and cultural contexts of the tandems. Theory as a tool — not an obligation.
2. Tandem Work The heart of the course. You work independently as a pair: researching, communicating, planning, stumbling, finding your way. Margo accompanies you through regular mentoring conversations.
3. Feedback & Dramaturgy We look at the emerging works together — from clearly named positions: aesthetic, structural, content-based. As in project dramaturgy: feedback is an attitude, not an evaluation.
4. Final Presentation The format is decided together. Possibilities include audio walks, audio books, short performances, lecture-performances, or other forms — each tandem presents for approximately 15 minutes.
Format
Mondays, 12:00–16:00 (+ individual tandem appointments as needed — since your partners may live in different time zones, flexibility and self-organisation are part of the work itself)
Hybrid: partly in person in Gießen, partly online Language: German and English

Dieser Kurs bietet eine praxisorientierte Einführung in digitale Audiosoftware und deren Anwendung im Theaterkontext. Die Teilnehmenden lernen grundlegende Funktionen kennen — darunter Klangbearbeitung, der Einsatz von Effekten sowie die Nutzung von Software in Live-Situationen auf der Bühne. Ergänzend werden das Mischpult und der allgemeine Sound-Aufbau im Proberaum / auf der Bühne behandelt. Der Kurs setzt keine Vorkenntnisse voraus und richtet sich an alle ATW-Studierenden (BA, MA, CuP). Er findet auf Deutsch und/oder Englisch statt.
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ENGLISH — EVV Course Description:

This course offers a hands-on introduction to digital audio software and its application in a theatre context. Participants will explore core functions including sound editing, the use of effects, and operating audio software in a live stage setting. The course also covers the sound desk and general audio setup in the rehearsal space and on stage. No prior knowledge is required. The course is open to all ATW students (BA, MA, CuP) and takes place in German and/or English.

Dieser praktische Kurs führt Studierende durch den kompletten Prozess der Videoproduktion, vom Rohmaterial bis hin zum finalen Export. Der Kurs wird anhand von Adobe Premiere Pro unterrichtet, dem führenden Schnittprogramm in der Kreativ- und Medienbranche. Die behandelten fundamentalen Techniken und Konzepte sind jedoch nicht an eine bestimmte Software gebunden. Das Gelernte lässt sich somit mühelos auf ein Schnittprogramm der eigenen Wahl übertragen, wodurch eine aktive Mitarbeit auch ohne Premiere-Pro-Lizenz möglich ist. Der Schwerpunkt liegt auf den grundlegenden praktischen Fähigkeiten, die Studierende benötigen, um ihre künstlerischen Projekte umzusetzen. Sie erlernen essenzielle Schnitttechniken, die kreative Nutzung von Übergängen und Videoeffekten sowie die Grundlagen der professionellen Farbkorrektur (Color-Grading). Darüber hinaus behandeln wir die Bearbeitung von Ton, inklusive grundlegender Soundeffekte und Nachbearbeitung, die Erstellung von Untertiteln und vieles mehr. Im Mittelpunkt dieses Kurses steht das praktische Arbeiten. Die Inhalte werden in aufeinander aufbauenden Workshop-Blöcken vermittelt, die einen dynamischen Mix aus thematischer Einführung, anregendem Austausch und direkter Umsetzung am eigenen Projekt bieten. Eine Durchführung des Kurses ist nach Absprache mit der Gruppe problemlos auf Deutsch oder Englisch möglich.



This practical course guides students through the complete video production workflow, from raw footage to final export. Instruction will be conducted using Adobe Premiere Pro, the leading editing software in the creative and media industries. However, the fundamental techniques and concepts covered are not software-specific. The acquired knowledge can therefore be readily applied to any editing software of choice, enabling active participation even without a Premiere Pro license. The curriculum emphasizes the fundamental practical skills that students require to realize their artistic projects. Students will learn essential editing techniques, the creative use of transitions and video effects, and the principles of professional colour correction and grading. Furthermore, the course addresses audio editing, including basic sound effects and post-production, the creation of subtitles, and more. This course is centred on hands-on application. The content is delivered in sequential workshop blocks, each offering a dynamic combination of theoretical introduction, engaging discussion, and direct practical work on the students' own projects. By arrangement with the group, the language of instruction can be flexibly adapted to either German or English.



Calvin Lanz arbeitete viele Jahre als freiberuflicher Toningenieur und Videoeditor, bevor er 2025 eine Vollzeitstelle als Head of Video bei Xevio antrat, wo er ein Team von fünf professionellen Kreativen leitete und betreute, das jeden Monat eine Vielzahl von Kurzvideos produzierte.

Calvin Lanz worked many years as a Freelance sound engineer and video editor, before starting a full-time position as Head of Video at Xevio in 2025, leading and mentoring a team of five creative professionals producing a vast amount of short form videos each month.

Dance in the dark is the title of a song by Lady Gaga but it is also the title of
this movement class where we will play with different tools: How to be ready to dance alone and
together with others without too much preparation? How to compose a dance spontaneously
with different individuals in a collective environment?
For a basic movement course this coming winter semester, I ask myself what I can offer that
would provide a continuity of movement for students at ATW with no previous dance experience.
I wish to propose an improvisation practice where we gather once a week to work on what
bodies in time and space can do. In this movement class, we work with the tension between
knowing and not knowing. I propose movements - beginning with everyday movements like
walking, crawling, sitting, standing, jumping, and gradually building towards more complexity
and coordination - as materials to play with. In a systematic fashion, we shift parameters like
speed, duration, trajectories in space, and in various group constellations like solos, duets, trios
etc to observe what this does. How seemingly simple shifts can transform in large ways how we
sense our own bodies, in time and space. In this process, we begin to build as a group a
common language to make sense (to break it again) of what we do everyday in the studio. To
begin each week with a collective physical experience that can carry and accompany us through
the week.
This class is based on the themes of freedom and limits. When we improvise, we test our own
limits and test the boundaries of what we think is possible. When we shift between modalities of
watching and doing, we can observe how others navigate the same task differently and this
expands our own boundaries of possibility. To cultivate a sense of openness, stamina and
confidence to deal with each situation as it arises.

****ENG****

This course gives you a hands-on introduction to audio production in the recording studio, an important part of theatre and stage work, whether for sound design, audio drama production, live sound, or scoring a production.
We'll work step by step through the whole production process: the basics of microphone technique and recording, cutting and editing audio material, all the way through to mixing and mastering your own productions.
To wrap things up, we'll have a relaxed listening party together, where we listen back to everyone's productions.
No prior knowledge is needed, just curiosity and an interest in sound.

For the hands-on exercises, you'll need your own laptop. In case you don’t have one, get in touch with me beforehand in order for us to find a solution. We'll most likely be using a free software, so everyone has access to the basics.


*** GER***
Dieser Kurs gibt euch eine praktische Einführung in die Audioproduktion im Tonstudio, ein wichtiger Bestandteil der Theater- und Bühnenwelt, sei es für Sounddesign, Hörspielproduktionen, Live-Beschallung oder die Vertonung von Inszenierungen.
Wir gehen Schritt für Schritt durch den ganzen Produktionsprozess: Grundlagen der Mikrofonierung und Aufnahmetechnik, Schnitt und Bearbeitung von Audiomaterial, bis hin zum Mixing und Mastering eurer eigenen Produktionen.
Zum Abschluss wird es eine gemeinsame, gemütliche Listening Party geben, bei der wir uns alle Produktionen anhören.
Vorkenntnisse braucht ihr keine, nur Neugier und Lust auf Sound.

Für die praktischen Übungen wird ein eigener Laptop benötigt. Falls ihr keinen habt, meldet euch vorab bei mir, sodass wir eine Lösung finden. Voraussichtlich nutzen wir eine kostenlose Software, sodass alle Zugang zu den Basics haben.

Startet mit uns in die Gestaltung der nächsten Theatermaschine! Seit vielen Jahren gehört die TM fest zum Institut und bietet uns Studis eine Platform, erarbeitete Projekte zu zeigen und zu besprechen. Das Orga-Team wechselt dabei jährlich und kann das Festival maßgeblich mitgestalten. Wir geben euch in unserem Kurs einen Überblick über die TM und ihre Tradition und bereiten euch auf die kollektive Arbeit an einem Festival vor. Wir nehmen uns Zeit für Team-building und die Entwicklung eines gemeinsamen Code of conduct, laden Expert*innen aus den vergangenen TM Teams ein und klären Kommunikationswege. Außerdem wollen wir mit euch ein weiteres Festival unseres Instituts - das Diskurs Festival - gemeinsam besuchen und nachbesprechen!
Wir geben euch also einen umfassenden Überblick über alle Aufgabenbereiche und Gestaltungsräume und wollen gemeinsam eine gute Teamatmosphäre schaffen! :)


Start shaping the next Theatermaschine with us! For many years, the TM has been an integral part of the institute and offers us students a platform to showcase and discuss our projects. The organizing team changes every year and plays a key role in shaping the festival. In our course, we’ll give you an overview of the TM and its tradition and prepare you for the collaborative work involved in putting on a festival. We’ll take time for team-building and the development of a code of conduct, invite experts from past TM teams, and clarify communication channels. We also want to a]end another festival organized by our institute—the Diskurs Festival—together with you and discuss it afterward!
We will give you a comprehensive overview of all areas of responsibility and opportunities for creativity, and we want to work together to create a great team atmosphere! :)

Dieser Kurs vermittelt Grundlagen der Tontechnik praxisnah und zugänglich für Studierende ohne oder mit wenig Vorkenntnissen. Im Mittelpunkt stehen grundlegende technische Kompetenzen im Umgang mit Ton- und Audiosystemen, die für die eigenständige Arbeit in den Räumlichkeiten des Instituts notwendig sind. Die Kursinhalte werden in enger Absprache mit dem HiWi-Team und dem technischen Leiter entwickelt, um eine sinnvolle Einbettung in das Gesamtangebot des Bühnenpropädeutikums zu gewährleisten. Der Kurs richtet sich an alle ATW-Studierenden (BA, MA, CuP) und findet auf Deutsch und Englisch statt.
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ENGLISH — EVV Course Description:

This course introduces the fundamentals of sound technology in a hands-on, accessible format for students with little or no prior experience. The focus is on building the basic technical skills needed to work independently with audio systems in the institute's spaces. Course content is developed in close coordination with the HiWi team and the technical director to ensure coherent integration within the overall Bühnenpropädeutikum programme. The course is open to all ATW students (BA, MA, CuP) and is taught in both German and English.

This training is an invitation to work with the body as a primary site of knowledge, composition, and creative research.
We begin with sensation, image, and presence. Technique enters not as a fixed framework, but as a source, something to draw from, question, and be in dialogue with, recognising the aesthetic choices and histories embedded within it. Drawing from somatic approaches, autobiographical methodologies, and improvisational scores, we explore how personal and cultural material can become compositional tools, how story, place, and lived experience find form in the body.
Through structured improvisation tasks, movement research, and compositional scores, we investigate how movement is generated, shaped, and refined, listening to the body not just as an instrument, but as a compositional intelligence that already knows something worth following.
A central thread of this training is the practice of seeing and being seen, of getting inspired by each other's movement, presence, and choices. We learn as much from watching as from moving, and the group becomes a shared creative resource.
I will bring compositional tools and scores from my own practice, including from my auto-ethnographic solo work MADRE & TIERRA, rooted in a Chilean upbringing and lived experiences of migration, and guided by landscapes, nature, and the somatic practices. From RAW–FLAW, a duet research rooted in playfulness, radical openness, and spontaneous improvisation. I will also draw from collaborations with choreographers I have worked with as a freelancer and from my time within a dance company,
This is a space for us to find each other's interests through the body.

Performing Doctorship. How to Play the Doctor and Hack the Choreographies of Authority is a five-day intensive workshop designed for BA and MA students interested in approaching doctoral and artistic research through practice.
The workshop investigates public rituals of recognition — including graduation ceremonies, official speeches, award ceremonies, but also doctor–patient encounters and other situations in which authority is publicly performed — as performative material and as devices through which authority is constructed, producing what we can call “doctorship”.
The proposal emerges from Lucia Di Pietro's ongoing practice-based PhD project Performing Doctorship. The workshop explores the bodily, vocal, visual and symbolic codes that inhabit public rituals surrounding figures who occupy the role of the doctor — both medi-cal and academic — in order to question, dismantle and transform them into choreographic and performative material.
Participants will work with choreographies of recognition: postures of authority, facial expressions, signs of prestige, vocal registers, modes of address, costumes, institutional aesthetics and ways of looking and being looked at. Through observation, imitation, citation, repetition, styling, disguise and composition, they will construct a collective archive of gestures, outfits, poses, discursive formulas and modes of presence, which will then be transformed through performative experimentation.
Alongside this practical dimension, the workshop offers an introduction to artistic and practice-based research. It addresses a second central question: In what sense can a performative process constitute research? How is a research question generated through artistic practice? How can observation, embodied knowledge, archives, costume, voice, writing and composition become epistemological tools?
Rather than separating theory from practice, the workshop proposes artistic practice as a situated mode of inquiry through which knowledge is generated collectively and embodied.

Minimum 5, maximum 15




Tutors
Lucia Di Pietro
PhD candidate in Performance Studies (University IUAV of Venice / Justus Liebig University Giessen)
The workshop is developed within Lucia Di Pietro's ongoing practice-based PhD project Performing Doctorship, which investigates the performative power of scientific and medical authority and the ways in which public figures embody credibility through gestures, voice, appearance and ritual.
Lucia Di Pietro leads the theoretical and practical framework of the workshop through her ongoing practice- based PhD project Perform-ing Doctorship, introducing participants to questions of performativity, authority, imposture, embodied knowledge and the construction of an archive of gestures and fictional personas. The workshop also serves as an introduction to practice-based research, exploring how artistic practice can itself become a methodology for knowledge production.
Carlo Chiusi
PhD candidate in Fashion and Design (University IUAV of Venice)
Carlo Chiusi contributes to the workshop through his research on the visual and material dimensions of recognition: clothing, appear-ance, symbolic objects, institutional aesthetics and the performativity of fashion as a device that produces credibility and authority.
https://cchiusi.com/

The course invites students to actively engage with the international conference In Turn Choreographies of Change and the public by experimenting with different forms of access. Students will explore performative and practical ways of "opening the doors" to welcome the conference audience, investigating how hospitality and accessibility can be choreographed.
Alongside these hands-on experiments in audience facilitation, students will follow the conference program itself, allowing them to integrate the discourses presented at the event with their practical explorations.

Der Kurs It’s all about money bietet einen Raum, über Geld aus der Position (angehender) freischaffender Personen in der Kunst- und Kulturszene zu sprechen. In unseren Auseinandersetzungen beschäftigen wir uns sowohl mit der Finanzierung von Projektvorhaben als auch mit der eigenen (prekären, politischen, gewählten oder nicht gewählten) Position, in der wir uns als Freischaffende im Kultursektor befinden.

Der Kurs wird folgende Inhalte umfassen:
• Es werden praktische Grundlagen vermittelt. Wir schauen auf Förderanträge, Kosten- und Finanzierungspläne und Verwendungsnachweise. Wir schaffen uns einen Überblick über die Förderstrukturen regional und überregional.
• Wir erarbeiten ein Archiv, das Produktionsarbeit, die bereits passiert, aufgreift und durch neue Inhalte ergänzt.
• Wir wollen über das eigene Berufsfeld sprechen. Wir schaffen einen Raum, indem über die Arbeitsstrukturen in der Freien Szene und unsere eigene Position gesprochen wird. Wir möchten diskutieren: Welche Arbeitsmodelle gibt es? Wo liegen Verantwortlichkeiten? Wie viel ist meine Arbeit wert? Unter welchen Bedingungen arbeite ich?
• Was kann Produzieren mit Haltung bedeuten?
• Welche Hacks und Tipps gibt es, um bedarfsorientierter zu produzieren und solidarische Praxen zu entwickeln?

Der Kurs richtet sich an Menschen, die Interesse am Bereich Produktion haben oder erste Erfahrungen gesammelt haben. Wir werden den Kurs so strukturieren, dass er auf verschiedene Wissensstände eingeht. Wir vermitteln Wissen und werden gemeinsam Wissen generieren. Der Workshop bietet die Möglichkeit, sich auszutauschen. Uns ist es wichtig, gemeinsam einen Raum zu gestalten, in dem sich alle Teilnehmenden wohlfühlen. Spezifische Fragen oder ein gerichtetes Interesse sind willkommen, aber nicht notwendig.

Jule Kriesel ist Kulturwissenschaftlerin und Kulturmanagerin. Sie studierte Kulturwissenschaften und Ästhetische Praxis an der Universität Hildesheim, absolvierte das PostMaster-Programm Kunst als Soziale Praxis der Hessischen Theaterakademie und studierte Angewandte Theaterwissenschaft an der Justus-Liebig-Universität Gießen. Ein Auslandsstudium an der Bilgi University Istanbul mit Schwerpunkt Auswärtige Kulturpolitik ergänzte ihre internationale Perspektive. Heute arbeitet sie als Referentin bei der KulturRegion Stuttgart und entwickelt interkommunale Kulturförderprogramme und kulturpolitische Diskursformate. Ihre Schwerpunkte liegen auf nachhaltigen Produktions- und Organisationsmodellen, kooperativen Organisationsmodellen sowie der Frage, wie gute Strukturen und faire Arbeitsbedingungen künstlerische Qualität ermöglichen.

Greta Katharina Klein (sie/ihr) arbeitet als freie Theatermacherin, Artistic Producerin, Kuratorin und Audiodeskriptionsautorin. Ihre Praxis bewegt sich an den Schnittstellen dieser Berufsfelder. 2026 ist sie programmgestaltend und organisatorisch für ein Modellprojekt der Bundeszentrale für Politische Bildung tätig, das politische Bildung mit theatralen Methoden verbindet. Zudem engagiert sie sich aktuell als Vorstand des von ihr mitbegründeten Vereins POWERHOUSE – Kulturbulenzen, der an der Schnittstelle von Barrierefreiheit, Nachwuchsförderung und Publikumsentwicklung agiert. Und die richtet 2026 gemeinsam mit den Münchner Kammerspielen und einem bundesweiten Netzwerkes von Producer*innen das Labor „SYNC“ aus, welches auf den von ihr mitgestalteten Laboren „PRODUCING OUR FUTURE“ (NPN 2024) und „PRODUCING FUTURE AUDIENCES“ (Fonds Daku Lab 2023) aufbaut. Zudem tourt sie 2026 mit ihrer Masterabschlussinszenierung „Driften bis wir Wasser sind“, die sich Fluten in Zeiten der ökologischen Krise widmet.
Sie arbeitete sie u. a. mit den Münchner Kammerspielen, dem Nationaltheater Mannheim, dem Künstler*innenhaus Mousonturm, dem NOWY Teatr, dem studioNAXOS, der Prague Quadriennale, Politik im Freien Theater, ID Frankfurt, den Freilichtspielen Schwäbisch Hall, Jäckie Rydz, Theatre du Poulet, Scripted Reality, Bastian Zimmermann, TEXTxtnd zusammen.

Der Kurs It’s all about money bietet einen Raum, über Geld aus der Position (angehender) freischaffender Personen in der Kunst- und Kulturszene zu sprechen. In unseren Auseinandersetzungen beschäftigen wir uns sowohl mit der Finanzierung von Projektvorhaben als auch mit der eigenen (prekären, politischen, gewählten oder nicht gewählten) Position, in der wir uns als Freischaffende im Kultursektor befinden.

Der Kurs wird folgende Inhalte umfassen:
• Es werden praktische Grundlagen vermittelt. Wir schauen auf Förderanträge, Kosten- und Finanzierungspläne und Verwendungsnachweise. Wir schaffen uns einen Überblick über die Förderstrukturen regional und überregional.
• Wir erarbeiten ein Archiv, das Produktionsarbeit, die bereits passiert, aufgreift und durch neue Inhalte ergänzt.
• Wir wollen über das eigene Berufsfeld sprechen. Wir schaffen einen Raum, indem über die Arbeitsstrukturen in der Freien Szene und unsere eigene Position gesprochen wird. Wir möchten diskutieren: Welche Arbeitsmodelle gibt es? Wo liegen Verantwortlichkeiten? Wie viel ist meine Arbeit wert? Unter welchen Bedingungen arbeite ich?
• Was kann Produzieren mit Haltung bedeuten?
• Welche Hacks und Tipps gibt es, um bedarfsorientierter zu produzieren und solidarische Praxen zu entwickeln?

Der Kurs richtet sich an Menschen, die Interesse am Bereich Produktion haben oder erste Erfahrungen gesammelt haben. Wir werden den Kurs so strukturieren, dass er auf verschiedene Wissensstände eingeht. Wir vermitteln Wissen und werden gemeinsam Wissen generieren. Der Workshop bietet die Möglichkeit, sich auszutauschen. Uns ist es wichtig, gemeinsam einen Raum zu gestalten, in dem sich alle Teilnehmenden wohlfühlen. Spezifische Fragen oder ein gerichtetes Interesse sind willkommen, aber nicht notwendig.

Jule Kriesel ist Kulturwissenschaftlerin und Kulturmanagerin. Sie studierte Kulturwissenschaften und Ästhetische Praxis an der Universität Hildesheim, absolvierte das PostMaster-Programm Kunst als Soziale Praxis der Hessischen Theaterakademie und studierte Angewandte Theaterwissenschaft an der Justus-Liebig-Universität Gießen. Ein Auslandsstudium an der Bilgi University Istanbul mit Schwerpunkt Auswärtige Kulturpolitik ergänzte ihre internationale Perspektive. Heute arbeitet sie als Referentin bei der KulturRegion Stuttgart und entwickelt interkommunale Kulturförderprogramme und kulturpolitische Diskursformate. Ihre Schwerpunkte liegen auf nachhaltigen Produktions- und Organisationsmodellen, kooperativen Organisationsmodellen sowie der Frage, wie gute Strukturen und faire Arbeitsbedingungen künstlerische Qualität ermöglichen.

Greta Katharina Klein (sie/ihr) arbeitet als freie Theatermacherin, Artistic Producerin, Kuratorin und Audiodeskriptionsautorin. Ihre Praxis bewegt sich an den Schnittstellen dieser Berufsfelder. 2026 ist sie programmgestaltend und organisatorisch für ein Modellprojekt der Bundeszentrale für Politische Bildung tätig, das politische Bildung mit theatralen Methoden verbindet. Zudem engagiert sie sich aktuell als Vorstand des von ihr mitbegründeten Vereins POWERHOUSE – Kulturbulenzen, der an der Schnittstelle von Barrierefreiheit, Nachwuchsförderung und Publikumsentwicklung agiert. Und die richtet 2026 gemeinsam mit den Münchner Kammerspielen und einem bundesweiten Netzwerkes von Producer*innen das Labor „SYNC“ aus, welches auf den von ihr mitgestalteten Laboren „PRODUCING OUR FUTURE“ (NPN 2024) und „PRODUCING FUTURE AUDIENCES“ (Fonds Daku Lab 2023) aufbaut. Zudem tourt sie 2026 mit ihrer Masterabschlussinszenierung „Driften bis wir Wasser sind“, die sich Fluten in Zeiten der ökologischen Krise widmet.
Sie arbeitete sie u. a. mit den Münchner Kammerspielen, dem Nationaltheater Mannheim, dem Künstler*innenhaus Mousonturm, dem NOWY Teatr, dem studioNAXOS, der Prague Quadriennale, Politik im Freien Theater, ID Frankfurt, den Freilichtspielen Schwäbisch Hall, Jäckie Rydz, Theatre du Poulet, Scripted Reality, Bastian Zimmermann, TEXTxtnd zusammen.

Dieser Kurs bietet eine praxisorientierte Einführung in digitale Audiosoftware und deren Anwendung im Theaterkontext. Die Teilnehmenden lernen grundlegende Funktionen kennen — darunter Klangbearbeitung, der Einsatz von Effekten sowie die Nutzung von Software in Live-Situationen auf der Bühne. Ergänzend werden das Mischpult und der allgemeine Sound-Aufbau im Proberaum / auf der Bühne behandelt. Der Kurs setzt keine Vorkenntnisse voraus und richtet sich an alle ATW-Studierenden (BA, MA, CuP). Er findet auf Deutsch und/oder Englisch statt.
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ENGLISH — EVV Course Description:

This course offers a hands-on introduction to digital audio software and its application in a theatre context. Participants will explore core functions including sound editing, the use of effects, and operating audio software in a live stage setting. The course also covers the sound desk and general audio setup in the rehearsal space and on stage. No prior knowledge is required. The course is open to all ATW students (BA, MA, CuP) and takes place in German and/or English.

Dieser praktische Kurs führt Studierende durch den kompletten Prozess der Videoproduktion, vom Rohmaterial bis hin zum finalen Export. Der Kurs wird anhand von Adobe Premiere Pro unterrichtet, dem führenden Schnittprogramm in der Kreativ- und Medienbranche. Die behandelten fundamentalen Techniken und Konzepte sind jedoch nicht an eine bestimmte Software gebunden. Das Gelernte lässt sich somit mühelos auf ein Schnittprogramm der eigenen Wahl übertragen, wodurch eine aktive Mitarbeit auch ohne Premiere-Pro-Lizenz möglich ist. Der Schwerpunkt liegt auf den grundlegenden praktischen Fähigkeiten, die Studierende benötigen, um ihre künstlerischen Projekte umzusetzen. Sie erlernen essenzielle Schnitttechniken, die kreative Nutzung von Übergängen und Videoeffekten sowie die Grundlagen der professionellen Farbkorrektur (Color-Grading). Darüber hinaus behandeln wir die Bearbeitung von Ton, inklusive grundlegender Soundeffekte und Nachbearbeitung, die Erstellung von Untertiteln und vieles mehr. Im Mittelpunkt dieses Kurses steht das praktische Arbeiten. Die Inhalte werden in aufeinander aufbauenden Workshop-Blöcken vermittelt, die einen dynamischen Mix aus thematischer Einführung, anregendem Austausch und direkter Umsetzung am eigenen Projekt bieten. Eine Durchführung des Kurses ist nach Absprache mit der Gruppe problemlos auf Deutsch oder Englisch möglich.



This practical course guides students through the complete video production workflow, from raw footage to final export. Instruction will be conducted using Adobe Premiere Pro, the leading editing software in the creative and media industries. However, the fundamental techniques and concepts covered are not software-specific. The acquired knowledge can therefore be readily applied to any editing software of choice, enabling active participation even without a Premiere Pro license. The curriculum emphasizes the fundamental practical skills that students require to realize their artistic projects. Students will learn essential editing techniques, the creative use of transitions and video effects, and the principles of professional colour correction and grading. Furthermore, the course addresses audio editing, including basic sound effects and post-production, the creation of subtitles, and more. This course is centred on hands-on application. The content is delivered in sequential workshop blocks, each offering a dynamic combination of theoretical introduction, engaging discussion, and direct practical work on the students' own projects. By arrangement with the group, the language of instruction can be flexibly adapted to either German or English.



Calvin Lanz arbeitete viele Jahre als freiberuflicher Toningenieur und Videoeditor, bevor er 2025 eine Vollzeitstelle als Head of Video bei Xevio antrat, wo er ein Team von fünf professionellen Kreativen leitete und betreute, das jeden Monat eine Vielzahl von Kurzvideos produzierte.

Calvin Lanz worked many years as a Freelance sound engineer and video editor, before starting a full-time position as Head of Video at Xevio in 2025, leading and mentoring a team of five creative professionals producing a vast amount of short form videos each month.

Dance in the dark is the title of a song by Lady Gaga but it is also the title of
this movement class where we will play with different tools: How to be ready to dance alone and
together with others without too much preparation? How to compose a dance spontaneously
with different individuals in a collective environment?
For a basic movement course this coming winter semester, I ask myself what I can offer that
would provide a continuity of movement for students at ATW with no previous dance experience.
I wish to propose an improvisation practice where we gather once a week to work on what
bodies in time and space can do. In this movement class, we work with the tension between
knowing and not knowing. I propose movements - beginning with everyday movements like
walking, crawling, sitting, standing, jumping, and gradually building towards more complexity
and coordination - as materials to play with. In a systematic fashion, we shift parameters like
speed, duration, trajectories in space, and in various group constellations like solos, duets, trios
etc to observe what this does. How seemingly simple shifts can transform in large ways how we
sense our own bodies, in time and space. In this process, we begin to build as a group a
common language to make sense (to break it again) of what we do everyday in the studio. To
begin each week with a collective physical experience that can carry and accompany us through
the week.
This class is based on the themes of freedom and limits. When we improvise, we test our own
limits and test the boundaries of what we think is possible. When we shift between modalities of
watching and doing, we can observe how others navigate the same task differently and this
expands our own boundaries of possibility. To cultivate a sense of openness, stamina and
confidence to deal with each situation as it arises.

This seminar explores dance performances that take place outside the theatre, engaging with open environments and their specific atmospheric conditions. Focusing on site-specific dance practices, we will investigate how air, wind, temperature, weather, and climate shape movement, perception, and dance performance. Through historical and contemporary examples, we will examine the relationships between dance and plant life, breathing, environmental forces, and cosmic imaginaries. The seminar considers how dance responds to and interacts with the atmospheric and ecological dimensions of the world, opening new perspectives on site-specific performance and its climatic conditions.In the seminar we will examine how the live practices of dance and performance can can contribute to the decolonial practices and thinking today. The body is in the core of the colonial processes of violence, but at the same time, it is a potency of resistance and resilience. Bodily history of pain, invisibility, vulnerability, difference is deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering and marginalization. How is the body present in the decolonial performance and dance, what can the body do, how can the body speak, how can the body dance? How to approach the practices of potency, sexuality, emotion, affirmation and healing from a decolonial perspective? We will mostly focus on the readings of theoretical texts from postcolonial, decolonial writers and artists, and entangle them with some current performances and choreographies.

The seminar will also include three situations in the open with practical work: forest (with Britta Schönbrun) on the 12th of October, 2026, Night with Bojana Kunst on the 14th of December and Landscape with Fabrice Mazliah on the 25th of January. In this meetings the hours of the seminar can change, the participants will be informed at the beginning of the seminar.

In this seminar, we will examine how the live practices of dance and performance can contribute to decolonial practices and ways of thinking today. The body is at the core of colonial processes of violence, but at the same time, it is also a site of resistance, resilience, and potency. Bodily histories of pain, invisibility, vulnerability, and difference are deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering, and marginalisation. Yet bodies also carry histories, memories, affects, desires, and forms of knowledge that can challenge colonial ways of seeing, knowing, and relating.
How is the body present in decolonial performance and dance? What can the body do, and how can the body dance? And what forms of knowledge and relation can emerge through embodied and performative practices?
We will focus primarily on theoretical texts by postcolonial and decolonial writers and artists, bringing them into dialogue with contemporary performances and choreographic works. The seminar will explore how dance and performance can intervene in colonial histories and their ongoing effects by creating other ways of sensing, moving, remembering, imagining, and being together.

****ENG****

This course gives you a hands-on introduction to audio production in the recording studio, an important part of theatre and stage work, whether for sound design, audio drama production, live sound, or scoring a production.
We'll work step by step through the whole production process: the basics of microphone technique and recording, cutting and editing audio material, all the way through to mixing and mastering your own productions.
To wrap things up, we'll have a relaxed listening party together, where we listen back to everyone's productions.
No prior knowledge is needed, just curiosity and an interest in sound.

For the hands-on exercises, you'll need your own laptop. In case you don’t have one, get in touch with me beforehand in order for us to find a solution. We'll most likely be using a free software, so everyone has access to the basics.


*** GER***
Dieser Kurs gibt euch eine praktische Einführung in die Audioproduktion im Tonstudio, ein wichtiger Bestandteil der Theater- und Bühnenwelt, sei es für Sounddesign, Hörspielproduktionen, Live-Beschallung oder die Vertonung von Inszenierungen.
Wir gehen Schritt für Schritt durch den ganzen Produktionsprozess: Grundlagen der Mikrofonierung und Aufnahmetechnik, Schnitt und Bearbeitung von Audiomaterial, bis hin zum Mixing und Mastering eurer eigenen Produktionen.
Zum Abschluss wird es eine gemeinsame, gemütliche Listening Party geben, bei der wir uns alle Produktionen anhören.
Vorkenntnisse braucht ihr keine, nur Neugier und Lust auf Sound.

Für die praktischen Übungen wird ein eigener Laptop benötigt. Falls ihr keinen habt, meldet euch vorab bei mir, sodass wir eine Lösung finden. Voraussichtlich nutzen wir eine kostenlose Software, sodass alle Zugang zu den Basics haben.

Startet mit uns in die Gestaltung der nächsten Theatermaschine! Seit vielen Jahren gehört die TM fest zum Institut und bietet uns Studis eine Platform, erarbeitete Projekte zu zeigen und zu besprechen. Das Orga-Team wechselt dabei jährlich und kann das Festival maßgeblich mitgestalten. Wir geben euch in unserem Kurs einen Überblick über die TM und ihre Tradition und bereiten euch auf die kollektive Arbeit an einem Festival vor. Wir nehmen uns Zeit für Team-building und die Entwicklung eines gemeinsamen Code of conduct, laden Expert*innen aus den vergangenen TM Teams ein und klären Kommunikationswege. Außerdem wollen wir mit euch ein weiteres Festival unseres Instituts - das Diskurs Festival - gemeinsam besuchen und nachbesprechen!
Wir geben euch also einen umfassenden Überblick über alle Aufgabenbereiche und Gestaltungsräume und wollen gemeinsam eine gute Teamatmosphäre schaffen! :)


Start shaping the next Theatermaschine with us! For many years, the TM has been an integral part of the institute and offers us students a platform to showcase and discuss our projects. The organizing team changes every year and plays a key role in shaping the festival. In our course, we’ll give you an overview of the TM and its tradition and prepare you for the collaborative work involved in putting on a festival. We’ll take time for team-building and the development of a code of conduct, invite experts from past TM teams, and clarify communication channels. We also want to a]end another festival organized by our institute—the Diskurs Festival—together with you and discuss it afterward!
We will give you a comprehensive overview of all areas of responsibility and opportunities for creativity, and we want to work together to create a great team atmosphere! :)

Dieser Kurs vermittelt Grundlagen der Tontechnik praxisnah und zugänglich für Studierende ohne oder mit wenig Vorkenntnissen. Im Mittelpunkt stehen grundlegende technische Kompetenzen im Umgang mit Ton- und Audiosystemen, die für die eigenständige Arbeit in den Räumlichkeiten des Instituts notwendig sind. Die Kursinhalte werden in enger Absprache mit dem HiWi-Team und dem technischen Leiter entwickelt, um eine sinnvolle Einbettung in das Gesamtangebot des Bühnenpropädeutikums zu gewährleisten. Der Kurs richtet sich an alle ATW-Studierenden (BA, MA, CuP) und findet auf Deutsch und Englisch statt.
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ENGLISH — EVV Course Description:

This course introduces the fundamentals of sound technology in a hands-on, accessible format for students with little or no prior experience. The focus is on building the basic technical skills needed to work independently with audio systems in the institute's spaces. Course content is developed in close coordination with the HiWi team and the technical director to ensure coherent integration within the overall Bühnenpropädeutikum programme. The course is open to all ATW students (BA, MA, CuP) and is taught in both German and English.

This theoretical seminar is built around two concepts – metamorphosis and anamorphosis – and centred on the questions: how are body and subject transformations staged? What are the underlying ideas of change, and what are the related politics of performing/ staging a transformation?
Over the course of eight sessions, we will engage with artistic and literary works that present a transformation to the spectators (or the readers), building a trajectory through different metamorphoses and anamorphoses.
Metamorphosis refers to the transformation of an object or a person into something of a different nature and is often narrated as a radical change of form: the body that changes does not return. In biology, anamorphosis is contrasted to metamorphosis as the “gradual change of form” one can observe in those animals that have a rigid exoskeleton, from which they periodically need to detach in their growing process. Anamorphosis might be about making a comeback. Under a stable appearance, the matter has moved to another state, and the body that comes back looks the same, but is different.
Anamorphosis is mainly associated with the early modern painting technique in which an image appears only from a specific perspective, which is usually not the frontal one (e.g. the blurry skeleton in Holbein’s Ambassadors). If metamorphosis is a narrative mechanism that presents the spectator with a transformation that goes all the way through, anamorphosis hinges on the oscillation of perspective, addressing the spectators differently.
How to stage, or even perform, such transformations on stage? And what are the politics connected to them?


In philosophy, mythology, and literature, metamorphosis appears as the ordinary condition of living matter and as a threatening exception; metamorphic narratives serve as a celebration of becoming and overcoming categories and as narratives that corroborate fixed identities. In ancient imagination, metamorphosis consistently appears as a consequence of sexual violence and/or as a way of ensuring that the agency of those who undergo it is annihilated. In the Middle Ages, monster stories and the debates around Christian resurrection revolved around the relation between matter and identity, in the attempt to decide what makes a person a person.
Anamorphosis is equally controversial. Holbein’s painting is taken as an example by Lacan (1964) to describe the impossibility of the subject to have a total, masterful vision. The same painting serves Elsa Dorlin (2023) as she describes the transformation of a victim of sexual violence into an avenger (Bella in Helen Zahavi’s novel Dirty Weekend), who did not go through a metamorphosis, but rather an anamorphosis. Dorlin’s subjects — feminised, enslaved, colonised — never had that mastery to begin with, as they had always already been an object in someone else’s visual field.
In this course, we explore the problems generated by metamorphosis and anamorphosis as they are articulated on stage in the encounter with the spectators. Each session (3 hours) comprises a theoretical text, an artistic work, and a practical exercise, opening up different entry points into theory. There is room for people participating in the class to bring texts/shows/books/practices.
The course is structured as a trajectory, and it is partially built through a collective practice (the construction of a living index of metamorphic and anamorphic transformations) that requires regular attendance in the class. Because of this reason, it is not possible to attend single sessions.
You can finish this class by contributing to the living index (former “small Schein” ) and by writing a paper (contribution to the living index plus paper equals the former “big Schein”).
An updated description, containing artistic and theoretical references, will be uploaded here at the beginning of October.

This training is an invitation to work with the body as a primary site of knowledge, composition, and creative research.
We begin with sensation, image, and presence. Technique enters not as a fixed framework, but as a source, something to draw from, question, and be in dialogue with, recognising the aesthetic choices and histories embedded within it. Drawing from somatic approaches, autobiographical methodologies, and improvisational scores, we explore how personal and cultural material can become compositional tools, how story, place, and lived experience find form in the body.
Through structured improvisation tasks, movement research, and compositional scores, we investigate how movement is generated, shaped, and refined, listening to the body not just as an instrument, but as a compositional intelligence that already knows something worth following.
A central thread of this training is the practice of seeing and being seen, of getting inspired by each other's movement, presence, and choices. We learn as much from watching as from moving, and the group becomes a shared creative resource.
I will bring compositional tools and scores from my own practice, including from my auto-ethnographic solo work MADRE & TIERRA, rooted in a Chilean upbringing and lived experiences of migration, and guided by landscapes, nature, and the somatic practices. From RAW–FLAW, a duet research rooted in playfulness, radical openness, and spontaneous improvisation. I will also draw from collaborations with choreographers I have worked with as a freelancer and from my time within a dance company,
This is a space for us to find each other's interests through the body.

Performing Doctorship. How to Play the Doctor and Hack the Choreographies of Authority is a five-day intensive workshop designed for BA and MA students interested in approaching doctoral and artistic research through practice.
The workshop investigates public rituals of recognition — including graduation ceremonies, official speeches, award ceremonies, but also doctor–patient encounters and other situations in which authority is publicly performed — as performative material and as devices through which authority is constructed, producing what we can call “doctorship”.
The proposal emerges from Lucia Di Pietro's ongoing practice-based PhD project Performing Doctorship. The workshop explores the bodily, vocal, visual and symbolic codes that inhabit public rituals surrounding figures who occupy the role of the doctor — both medi-cal and academic — in order to question, dismantle and transform them into choreographic and performative material.
Participants will work with choreographies of recognition: postures of authority, facial expressions, signs of prestige, vocal registers, modes of address, costumes, institutional aesthetics and ways of looking and being looked at. Through observation, imitation, citation, repetition, styling, disguise and composition, they will construct a collective archive of gestures, outfits, poses, discursive formulas and modes of presence, which will then be transformed through performative experimentation.
Alongside this practical dimension, the workshop offers an introduction to artistic and practice-based research. It addresses a second central question: In what sense can a performative process constitute research? How is a research question generated through artistic practice? How can observation, embodied knowledge, archives, costume, voice, writing and composition become epistemological tools?
Rather than separating theory from practice, the workshop proposes artistic practice as a situated mode of inquiry through which knowledge is generated collectively and embodied.

Minimum 5, maximum 15




Tutors
Lucia Di Pietro
PhD candidate in Performance Studies (University IUAV of Venice / Justus Liebig University Giessen)
The workshop is developed within Lucia Di Pietro's ongoing practice-based PhD project Performing Doctorship, which investigates the performative power of scientific and medical authority and the ways in which public figures embody credibility through gestures, voice, appearance and ritual.
Lucia Di Pietro leads the theoretical and practical framework of the workshop through her ongoing practice- based PhD project Perform-ing Doctorship, introducing participants to questions of performativity, authority, imposture, embodied knowledge and the construction of an archive of gestures and fictional personas. The workshop also serves as an introduction to practice-based research, exploring how artistic practice can itself become a methodology for knowledge production.
Carlo Chiusi
PhD candidate in Fashion and Design (University IUAV of Venice)
Carlo Chiusi contributes to the workshop through his research on the visual and material dimensions of recognition: clothing, appear-ance, symbolic objects, institutional aesthetics and the performativity of fashion as a device that produces credibility and authority.
https://cchiusi.com/

The course invites students to actively engage with the international conference In Turn Choreographies of Change and the public by experimenting with different forms of access. Students will explore performative and practical ways of "opening the doors" to welcome the conference audience, investigating how hospitality and accessibility can be choreographed.
Alongside these hands-on experiments in audience facilitation, students will follow the conference program itself, allowing them to integrate the discourses presented at the event with their practical explorations.

In this seminar, we will examine the proximity among text, storytelling, and the dancing body, investigating what happens when the spoken text is treated not as an ideological governing authority but as an embodied material. Following the historical shift toward the postdramatic, as described by Hans-Thies Lehmann (1999), we approach the removal of the dramatic text from the center of performance, making it one of the elements that participate in performance-making, with physicality, sound, light, and temporality coming more prominently into play. Moving away from the traditional theatre, we will look into how this decentering of the dramatic text has entered dance performance, the processes of dance-making, and how it moved with other bodies.
We will investigate various relationships between text and dance, from a historical perspective, such as Pina Bausch’s Tanztheater, and toward contemporary aesthetics, where the text becomes a vessel for the resistance of feminist storytelling as found in the works of Ana Vujanović and Marta Popivoda, or from the decolonial perspective of the choreographies of Ligia Lewis. We will explore different aesthetics and methodologies, different voices and textures, the dramaturgy of assembling, the embodying of text, and map the plurality of storytelling that informs the bodies of contemporary dance performance. How do the dancing body and text meet, and what new political and aesthetic potentials emerge from that meeting?

Das Seminar möchte die Studierenden mit zentralen zeitgenössischen philosophischen Position zur Ästhetik bekannt machen. Mit der Erweiterung des Kunstbegriffs seit den 1960er Jahren sowie einer immer stärker werden Situierung von künstlerischen Aktionen in gesellschaftlichen Prozessen werden erneut Fragen nach der Spezifik von Kunst aufgeworfen. Welche Rolle spielen im Zuge dieser Veränderungen noch traditionelle Vorstellungen einer Autonomie der Kunst, wie sie exemplarisch etwa Theodor W. Adorno formuliert hat? Wird Kunst nicht viel eher am Grad ihrer Engagiertheit und ihrer gesellschaftlichen Funktion gemessen anstatt an ihrer Zweckfreiheit? Was vermag sie, derart fremdbestimmt, aber dann noch als spezifische Form der Artikulation und Kommunikation zu leisten? Das Seminar geht anhand von ausgewählten Positionen und Texten (u.a. Jacques Rancière, Christoph Menke, Oliver Marchart) diesen Fragen nach.

The course will be held in cooperation with the University of Applied Arts Vienna as an Erasmus Blended Intensive Programme (BIP). Places are limited. Please contact: Gerald.Siegmund@theater.uni-giessen.de
Prerequisite: Completion of Basic Modules 1–4 in the BA program / Voraussetzung: abgeschlossene Basismodule 1-4 im BA

The intersection of the body and digital art has long been a fertile space for experimentation. From the early motion-capture explorations of Merce Cunningham and The OpenEnded Group to contemporary hybrid practices, the body becomes both medium and message. Today the digital cannot be separated from bodily experience: screens, sensors, and interfaces constantly reshape our understanding of presence. We live suspended between physical reality and simulation — between living bodies and “2D bodies” mediated by technology. This duality generates a paradox: the physical body becomes marginal, while the digital body accumulates identities, projections, and expectations. Corporeality does not vanish; it transforms. Refracted through digital languages, it becomes structured, edited, and sometimes domesticated. This transformation calls for new artistic methods able to restore the body as an active generator of meaning within technological environments. The project investigates how these two “languages” — bodily expression and digital creation — can meet, interact, and generate new artistic spaces. Rather than merging skills, the aim is to build a shared environment where dancers and digital artists develop a common vocabulary made of experiences, practices, codes, and intuitive understandings. The ambition is to contribute to an embodied digital art practice grounded in technical rigor, conceptual openness, and innovative methodologies.

This seminar explores dance performances that take place outside the theatre, engaging with open environments and their specific atmospheric conditions. Focusing on site-specific dance practices, we will investigate how air, wind, temperature, weather, and climate shape movement, perception, and dance performance. Through historical and contemporary examples, we will examine the relationships between dance and plant life, breathing, environmental forces, and cosmic imaginaries. The seminar considers how dance responds to and interacts with the atmospheric and ecological dimensions of the world, opening new perspectives on site-specific performance and its climatic conditions.In the seminar we will examine how the live practices of dance and performance can can contribute to the decolonial practices and thinking today. The body is in the core of the colonial processes of violence, but at the same time, it is a potency of resistance and resilience. Bodily history of pain, invisibility, vulnerability, difference is deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering and marginalization. How is the body present in the decolonial performance and dance, what can the body do, how can the body speak, how can the body dance? How to approach the practices of potency, sexuality, emotion, affirmation and healing from a decolonial perspective? We will mostly focus on the readings of theoretical texts from postcolonial, decolonial writers and artists, and entangle them with some current performances and choreographies.

The seminar will also include three situations in the open with practical work: forest (with Britta Schönbrun) on the 12th of October, 2026, Night with Bojana Kunst on the 14th of December and Landscape with Fabrice Mazliah on the 25th of January. In this meetings the hours of the seminar can change, the participants will be informed at the beginning of the seminar.

In this seminar, we will examine how the live practices of dance and performance can contribute to decolonial practices and ways of thinking today. The body is at the core of colonial processes of violence, but at the same time, it is also a site of resistance, resilience, and potency. Bodily histories of pain, invisibility, vulnerability, and difference are deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering, and marginalisation. Yet bodies also carry histories, memories, affects, desires, and forms of knowledge that can challenge colonial ways of seeing, knowing, and relating.
How is the body present in decolonial performance and dance? What can the body do, and how can the body dance? And what forms of knowledge and relation can emerge through embodied and performative practices?
We will focus primarily on theoretical texts by postcolonial and decolonial writers and artists, bringing them into dialogue with contemporary performances and choreographic works. The seminar will explore how dance and performance can intervene in colonial histories and their ongoing effects by creating other ways of sensing, moving, remembering, imagining, and being together.

This theoretical seminar is built around two concepts – metamorphosis and anamorphosis – and centred on the questions: how are body and subject transformations staged? What are the underlying ideas of change, and what are the related politics of performing/ staging a transformation?
Over the course of eight sessions, we will engage with artistic and literary works that present a transformation to the spectators (or the readers), building a trajectory through different metamorphoses and anamorphoses.
Metamorphosis refers to the transformation of an object or a person into something of a different nature and is often narrated as a radical change of form: the body that changes does not return. In biology, anamorphosis is contrasted to metamorphosis as the “gradual change of form” one can observe in those animals that have a rigid exoskeleton, from which they periodically need to detach in their growing process. Anamorphosis might be about making a comeback. Under a stable appearance, the matter has moved to another state, and the body that comes back looks the same, but is different.
Anamorphosis is mainly associated with the early modern painting technique in which an image appears only from a specific perspective, which is usually not the frontal one (e.g. the blurry skeleton in Holbein’s Ambassadors). If metamorphosis is a narrative mechanism that presents the spectator with a transformation that goes all the way through, anamorphosis hinges on the oscillation of perspective, addressing the spectators differently.
How to stage, or even perform, such transformations on stage? And what are the politics connected to them?


In philosophy, mythology, and literature, metamorphosis appears as the ordinary condition of living matter and as a threatening exception; metamorphic narratives serve as a celebration of becoming and overcoming categories and as narratives that corroborate fixed identities. In ancient imagination, metamorphosis consistently appears as a consequence of sexual violence and/or as a way of ensuring that the agency of those who undergo it is annihilated. In the Middle Ages, monster stories and the debates around Christian resurrection revolved around the relation between matter and identity, in the attempt to decide what makes a person a person.
Anamorphosis is equally controversial. Holbein’s painting is taken as an example by Lacan (1964) to describe the impossibility of the subject to have a total, masterful vision. The same painting serves Elsa Dorlin (2023) as she describes the transformation of a victim of sexual violence into an avenger (Bella in Helen Zahavi’s novel Dirty Weekend), who did not go through a metamorphosis, but rather an anamorphosis. Dorlin’s subjects — feminised, enslaved, colonised — never had that mastery to begin with, as they had always already been an object in someone else’s visual field.
In this course, we explore the problems generated by metamorphosis and anamorphosis as they are articulated on stage in the encounter with the spectators. Each session (3 hours) comprises a theoretical text, an artistic work, and a practical exercise, opening up different entry points into theory. There is room for people participating in the class to bring texts/shows/books/practices.
The course is structured as a trajectory, and it is partially built through a collective practice (the construction of a living index of metamorphic and anamorphic transformations) that requires regular attendance in the class. Because of this reason, it is not possible to attend single sessions.
You can finish this class by contributing to the living index (former “small Schein” ) and by writing a paper (contribution to the living index plus paper equals the former “big Schein”).
An updated description, containing artistic and theoretical references, will be uploaded here at the beginning of October.

„Das Monströse hat Konjunktur.“ (Geisenhanslüke/Mein)
In diesem Kurs beschäftigen wir uns theoretisch und praktisch mit den Schnittstellen zwischen Fragen und Konzepten aus den Monster Studies und zeitgenössischer dramaturgischer Praxis. Seit den späten Nuller-Jahren häufen sich Bezüge zum Monströsen im Bereich der Kultur- und Literaturwissenschaften, wobei die theaterwissenschaftliche Beschäftigung mit dem Monströsen im deutschsprachigen Raum (noch) ein Desiderat darstellt. Die marginale Existenz des Monströsen als Thematik in tanz- und theaterwissenschaftlichen Texten bedeutet allerdings nicht, dass nicht zahlreiche Inszenierungen der darstellenden Künste entweder selbst (in Ankündigungstexten, szenischer Forschung o.ä.) Begriffe wie Monster oder Monstrosität nutzen oder mithilfe dieser Begriffe beschrieben werden. Abstammend vom lateinischen monstrum, birgt der Begriff zum einen die Bedeutung Zeigen (monstrare) und Zeichen in sich, andererseits aber auch das Ungeheuerliche und schlägt Verbindung zu Theorien über das Unbewusste und das Abgespaltene. Monstrosität spielt eine bedeutende Rolle in vielen kulturellen und gesellschaftlichen Kontexten – als Ausdruck von Grenzziehungen, sozialen Ängsten und Normverschiebungen. Obwohl die interdisziplinäre Wissenschaftsrichtung Monster Studies inzwischen global etabliert ist, wurde ihr Potenzial im deutschsprachigen Raum, insbesondere innerhalb der Theaterwissenschaft, bislang kaum genutzt.
Der Kurs ist eine Kooperation im Rahmen der Hessischen Theaterakademie (HTA) zwischen der ATW an der JLU Gießen und der Goethe Universität in Frankfurt am Main und findet in enger Zusammenarbeit mit dem von der Deutschen Forschungsgemeinschaft (DFG) geförderten, internationalen Wissenschaftlichen Netzwerk MONSTROUS MATTERS – Interdisziplinäre Perspektiven auf Inszenierungen monströser Figuren, Körper und Ordnungen im zeitgenössischen Theater und verwandten Künsten statt (Mehr Infos zum Netzwerk hier: https://www.uni-giessen.de/de/fbz/fb05/atw/festivals-und-projekte/forschungsprojekte-1#MONSTROUS_MATTERS). Das Netzwerk veranstaltet über das Halloween-Wochenende vom 30.10. bis 1.11.2026 in Kooperation mit dem Theater Heilbronn ein dreitägiges Symposium mit Vorträgen, Diskussionsrunden, Programm für Junges Publikum, Performances und einer Halloween-Party. Drei Tage lang ziehen Forscher:innen, Künstler:innen aus den USA und Europa und jede Menge Monster ins Theater ein. Dieser Kurs wird aktiv in die Gestaltung und Ausrichtung (dramaturgischer) Rahmungen von Veranstaltungen während der drei Tage in Heilbronn eingebunden: Wir planen Einführungen, Nachgespräche, Übersetzungs- und Zugangsmöglichkeiten (Mehrsprachigkeit des Netzwerks) und Begleit-Möglichkeiten (Monster Mentees), um dem Monströsen an diesem Wochenende in Heilbronn eine dramaturgische Rahmung zu geben, die möglichst zugänglich ist für möglichst viele Menschen. In Kleingruppen werdet ihr Verantwortlichkeiten für wissenschaftliche Panels und künstlerische Performances übernehmen. Die Anreise nach Heilbronn ist mit dem Deutschlandticket möglich und die Übernachtung im Hotel in Heilbronn (Doppelzimmer mit zwei Einzelbetten) wird komplett finanziert. Die Vor- und Nachbereitungen finden in Räumlichkeiten auf dem Campus Westend der Goethe Uni in Frankfurt am Main statt. Der Kurs ist für max. 30 Studierende ausgelegt, wobei ca. 15 Plätze für Studierende der ATW und 15 Plätze für Studierende von der Goethe Uni Frankfurt vorgesehen sind. In der online Platzvergabesitzung werden die Plätze verbindlich verteilt. Es kann nur teilnehmen, wer am kompletten Kursprogramm inklusive der Exkursion teilnehmen kann.

This seminar is a platform to present and discuss your research and artworks in order to put them at work with others.
Each session will involve live presentations of works followed by discussions and/or other activities proposed by the works.
A focus of our exchanges will be to raise questions about modes of rehearsal and how the works are made public.
The presentation can be any work at any state of its development that you wish to share in the group. It might be the very beginning of an impulse for a future work, or some performance material in process, an excerpt of a piece, something you are rehearsing at the moment, something you have already presented and you wish to rework, something that you make specifically for this seminar, anything you wish to share in order to put it at work with the participants of the seminar. It can be anything as long as it comes with a question that you would like to address and work on with the group.
Each participant is invited to present their works as well as to discuss the works of others. Ideally, and according to the number of presentation and participants, each work should be presented and discussed 2 times during the semester.
The evaluation is based on the participation in the debates and in the presentation of work or, on a written report for those who are not part of any work presentation.

In this seminar, we will examine the proximity among text, storytelling, and the dancing body, investigating what happens when the spoken text is treated not as an ideological governing authority but as an embodied material. Following the historical shift toward the postdramatic, as described by Hans-Thies Lehmann (1999), we approach the removal of the dramatic text from the center of performance, making it one of the elements that participate in performance-making, with physicality, sound, light, and temporality coming more prominently into play. Moving away from the traditional theatre, we will look into how this decentering of the dramatic text has entered dance performance, the processes of dance-making, and how it moved with other bodies.
We will investigate various relationships between text and dance, from a historical perspective, such as Pina Bausch’s Tanztheater, and toward contemporary aesthetics, where the text becomes a vessel for the resistance of feminist storytelling as found in the works of Ana Vujanović and Marta Popivoda, or from the decolonial perspective of the choreographies of Ligia Lewis. We will explore different aesthetics and methodologies, different voices and textures, the dramaturgy of assembling, the embodying of text, and map the plurality of storytelling that informs the bodies of contemporary dance performance. How do the dancing body and text meet, and what new political and aesthetic potentials emerge from that meeting?

Das Seminar möchte die Studierenden mit zentralen zeitgenössischen philosophischen Position zur Ästhetik bekannt machen. Mit der Erweiterung des Kunstbegriffs seit den 1960er Jahren sowie einer immer stärker werden Situierung von künstlerischen Aktionen in gesellschaftlichen Prozessen werden erneut Fragen nach der Spezifik von Kunst aufgeworfen. Welche Rolle spielen im Zuge dieser Veränderungen noch traditionelle Vorstellungen einer Autonomie der Kunst, wie sie exemplarisch etwa Theodor W. Adorno formuliert hat? Wird Kunst nicht viel eher am Grad ihrer Engagiertheit und ihrer gesellschaftlichen Funktion gemessen anstatt an ihrer Zweckfreiheit? Was vermag sie, derart fremdbestimmt, aber dann noch als spezifische Form der Artikulation und Kommunikation zu leisten? Das Seminar geht anhand von ausgewählten Positionen und Texten (u.a. Jacques Rancière, Christoph Menke, Oliver Marchart) diesen Fragen nach.

Arbeitsmethode: postcolonial, welt-zu-welt, peer-to-peer tandem-learning.
Der Kurs verbindet Gruppenunterricht mit eigenständiger Tandem-Arbeit. Im Plenum lesen, diskutieren und geben wir uns gegenseitig Feedback — auch in Zwischenpräsentationen, wo die Tandems voneinander lernen. Im Tandem arbeitest du ein ganzes Semester lang eng mit einer anderen Person zusammen — jemand aus dem Globalen Süden oder aus einem anderen kulturellen Kontext als deinem eigenen, gerne auch aus der ATW selbst. Gemeinsam entwickelt ihr ein künstlerisches oder forschungspraktisches Format, das aus eurer Begegnung entsteht: aus dem, was euch trennt, verbindet, irritiert oder überrascht. Im Mittelpunkt stehen Fragen sozialer Gerechtigkeit und Klassismus — nicht als abstraktes Thema, sondern als gelebte Realität.
Für wen ist dieser Kurs?
Für alle ATW-Studierenden — und ganz besonders auch für diejenigen unter euch, die selbst aus dem Globalen Süden kommen oder anderswo aufgewachsen sind als in Mitteleuropa. Ihr bringt Wissen, Erfahrungen und Netzwerke mit, die in diesem Kurs wirklich zählen. Euer Blick ist kein Zusatz — er ist der Ausgangspunkt.
Tandem-Partnerschaften können entstehen durch: — eigene Kontakte der Studierenden oder der Lehrenden — internationale Studierende innerhalb der JLU oder ATW selbst — gemeinsame Suche im Kurs.
Was passiert im Kurs?
Der Kurs hat vier Stränge, die sich durch das Semester ziehen:
1. Lesen & Denken Gemeinsam lesen wir Texte zu Postkolonialismus, sozialer Ungleichheit, Klassismus und den jeweiligen geografischen und kulturellen Kontexten der Tandems. Theorie als Werkzeug — nicht als Pflicht.
2. Tandem-Arbeit Das Herzstück des Kurses. Ihr arbeitet eigenständig zu zweit: recherchiert, kommuniziert, plant, stolpert, findet euren Weg. Margo begleitet euch durch regelmäßige Mentoring-Gespräche.
3. Feedback & Dramaturgie Wir schauen gemeinsam auf die entstehenden Arbeiten — aus klar benannten Positionen: ästhetisch, strukturell, inhaltlich. Wie in der Projektdramaturgie gilt: Feedback ist eine Haltung, keine Bewertung.
4. Abschlusspräsentation Das Format entscheiden wir gemeinsam. Denkbar sind z.B. Audiowalks, Audiobücher, kurze Performances, Lecture-Performances oder andere Formen — jedes Tandem präsentiert ca. 15 Minuten.

Format
Montags, 12:00–16:00 Uhr (+ individuelle Tandem-Termine nach Absprache — da eure Partner*innen eventuell in anderen Zeitzonen leben, braucht ihr Flexibilität und Eigenverantwortung für die Tandems selbst).
Hybrid: teils in Präsenz in Gießen, teils online
Sprache: Deutsch und Englisch

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ZOOM OUT — welt-zu-welt, peer-to-peer
KFPPK | German & English | WS 2026/27
Method: postcolonial, welt-zu-welt, peer-to-peer tandem learning
The course combines group sessions with independent tandem work. In the plenary we read, discuss, and give each other feedback — including through interim presentations where tandems learn from one another. In your tandem, you work closely with one other person for the entire semester — someone from the Global South or from a cultural context different from your own, ideally from within ATW itself. Together you develop an artistic or research-based format that emerges from your encounter: from what separates you, connects you, surprises or unsettles you. At the centre are questions of social justice and classism — not as abstract topics, but as lived reality.
Who is this course for?
For all ATW students — and especially for those of you who come from the Global South yourselves, or who grew up outside of Central Europe. The knowledge, experiences, and networks you bring genuinely matter in this course. Your perspective is not an add-on — it is the starting point.
Tandem partnerships can be formed through: — existing contacts of students or the teacher — international students within JLU or ATW itself — a collective search within the course
What happens in the course?
The course has four strands running through the semester:
1. Reading & Thinking We read texts together on postcolonialism, social inequality, classism, and the geographical and cultural contexts of the tandems. Theory as a tool — not an obligation.
2. Tandem Work The heart of the course. You work independently as a pair: researching, communicating, planning, stumbling, finding your way. Margo accompanies you through regular mentoring conversations.
3. Feedback & Dramaturgy We look at the emerging works together — from clearly named positions: aesthetic, structural, content-based. As in project dramaturgy: feedback is an attitude, not an evaluation.
4. Final Presentation The format is decided together. Possibilities include audio walks, audio books, short performances, lecture-performances, or other forms — each tandem presents for approximately 15 minutes.
Format
Mondays, 12:00–16:00 (+ individual tandem appointments as needed — since your partners may live in different time zones, flexibility and self-organisation are part of the work itself)
Hybrid: partly in person in Gießen, partly online Language: German and English

Dieser Kurs bietet eine praxisorientierte Einführung in digitale Audiosoftware und deren Anwendung im Theaterkontext. Die Teilnehmenden lernen grundlegende Funktionen kennen — darunter Klangbearbeitung, der Einsatz von Effekten sowie die Nutzung von Software in Live-Situationen auf der Bühne. Ergänzend werden das Mischpult und der allgemeine Sound-Aufbau im Proberaum / auf der Bühne behandelt. Der Kurs setzt keine Vorkenntnisse voraus und richtet sich an alle ATW-Studierenden (BA, MA, CuP). Er findet auf Deutsch und/oder Englisch statt.
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ENGLISH — EVV Course Description:

This course offers a hands-on introduction to digital audio software and its application in a theatre context. Participants will explore core functions including sound editing, the use of effects, and operating audio software in a live stage setting. The course also covers the sound desk and general audio setup in the rehearsal space and on stage. No prior knowledge is required. The course is open to all ATW students (BA, MA, CuP) and takes place in German and/or English.

Dieser praktische Kurs führt Studierende durch den kompletten Prozess der Videoproduktion, vom Rohmaterial bis hin zum finalen Export. Der Kurs wird anhand von Adobe Premiere Pro unterrichtet, dem führenden Schnittprogramm in der Kreativ- und Medienbranche. Die behandelten fundamentalen Techniken und Konzepte sind jedoch nicht an eine bestimmte Software gebunden. Das Gelernte lässt sich somit mühelos auf ein Schnittprogramm der eigenen Wahl übertragen, wodurch eine aktive Mitarbeit auch ohne Premiere-Pro-Lizenz möglich ist. Der Schwerpunkt liegt auf den grundlegenden praktischen Fähigkeiten, die Studierende benötigen, um ihre künstlerischen Projekte umzusetzen. Sie erlernen essenzielle Schnitttechniken, die kreative Nutzung von Übergängen und Videoeffekten sowie die Grundlagen der professionellen Farbkorrektur (Color-Grading). Darüber hinaus behandeln wir die Bearbeitung von Ton, inklusive grundlegender Soundeffekte und Nachbearbeitung, die Erstellung von Untertiteln und vieles mehr. Im Mittelpunkt dieses Kurses steht das praktische Arbeiten. Die Inhalte werden in aufeinander aufbauenden Workshop-Blöcken vermittelt, die einen dynamischen Mix aus thematischer Einführung, anregendem Austausch und direkter Umsetzung am eigenen Projekt bieten. Eine Durchführung des Kurses ist nach Absprache mit der Gruppe problemlos auf Deutsch oder Englisch möglich.



This practical course guides students through the complete video production workflow, from raw footage to final export. Instruction will be conducted using Adobe Premiere Pro, the leading editing software in the creative and media industries. However, the fundamental techniques and concepts covered are not software-specific. The acquired knowledge can therefore be readily applied to any editing software of choice, enabling active participation even without a Premiere Pro license. The curriculum emphasizes the fundamental practical skills that students require to realize their artistic projects. Students will learn essential editing techniques, the creative use of transitions and video effects, and the principles of professional colour correction and grading. Furthermore, the course addresses audio editing, including basic sound effects and post-production, the creation of subtitles, and more. This course is centred on hands-on application. The content is delivered in sequential workshop blocks, each offering a dynamic combination of theoretical introduction, engaging discussion, and direct practical work on the students' own projects. By arrangement with the group, the language of instruction can be flexibly adapted to either German or English.



Calvin Lanz arbeitete viele Jahre als freiberuflicher Toningenieur und Videoeditor, bevor er 2025 eine Vollzeitstelle als Head of Video bei Xevio antrat, wo er ein Team von fünf professionellen Kreativen leitete und betreute, das jeden Monat eine Vielzahl von Kurzvideos produzierte.

Calvin Lanz worked many years as a Freelance sound engineer and video editor, before starting a full-time position as Head of Video at Xevio in 2025, leading and mentoring a team of five creative professionals producing a vast amount of short form videos each month.

Dance in the dark is the title of a song by Lady Gaga but it is also the title of
this movement class where we will play with different tools: How to be ready to dance alone and
together with others without too much preparation? How to compose a dance spontaneously
with different individuals in a collective environment?
For a basic movement course this coming winter semester, I ask myself what I can offer that
would provide a continuity of movement for students at ATW with no previous dance experience.
I wish to propose an improvisation practice where we gather once a week to work on what
bodies in time and space can do. In this movement class, we work with the tension between
knowing and not knowing. I propose movements - beginning with everyday movements like
walking, crawling, sitting, standing, jumping, and gradually building towards more complexity
and coordination - as materials to play with. In a systematic fashion, we shift parameters like
speed, duration, trajectories in space, and in various group constellations like solos, duets, trios
etc to observe what this does. How seemingly simple shifts can transform in large ways how we
sense our own bodies, in time and space. In this process, we begin to build as a group a
common language to make sense (to break it again) of what we do everyday in the studio. To
begin each week with a collective physical experience that can carry and accompany us through
the week.
This class is based on the themes of freedom and limits. When we improvise, we test our own
limits and test the boundaries of what we think is possible. When we shift between modalities of
watching and doing, we can observe how others navigate the same task differently and this
expands our own boundaries of possibility. To cultivate a sense of openness, stamina and
confidence to deal with each situation as it arises.

This seminar explores dance performances that take place outside the theatre, engaging with open environments and their specific atmospheric conditions. Focusing on site-specific dance practices, we will investigate how air, wind, temperature, weather, and climate shape movement, perception, and dance performance. Through historical and contemporary examples, we will examine the relationships between dance and plant life, breathing, environmental forces, and cosmic imaginaries. The seminar considers how dance responds to and interacts with the atmospheric and ecological dimensions of the world, opening new perspectives on site-specific performance and its climatic conditions.In the seminar we will examine how the live practices of dance and performance can can contribute to the decolonial practices and thinking today. The body is in the core of the colonial processes of violence, but at the same time, it is a potency of resistance and resilience. Bodily history of pain, invisibility, vulnerability, difference is deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering and marginalization. How is the body present in the decolonial performance and dance, what can the body do, how can the body speak, how can the body dance? How to approach the practices of potency, sexuality, emotion, affirmation and healing from a decolonial perspective? We will mostly focus on the readings of theoretical texts from postcolonial, decolonial writers and artists, and entangle them with some current performances and choreographies.

The seminar will also include three situations in the open with practical work: forest (with Britta Schönbrun) on the 12th of October, 2026, Night with Bojana Kunst on the 14th of December and Landscape with Fabrice Mazliah on the 25th of January. In this meetings the hours of the seminar can change, the participants will be informed at the beginning of the seminar.

In this seminar, we will examine how the live practices of dance and performance can contribute to decolonial practices and ways of thinking today. The body is at the core of colonial processes of violence, but at the same time, it is also a site of resistance, resilience, and potency. Bodily histories of pain, invisibility, vulnerability, and difference are deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering, and marginalisation. Yet bodies also carry histories, memories, affects, desires, and forms of knowledge that can challenge colonial ways of seeing, knowing, and relating.
How is the body present in decolonial performance and dance? What can the body do, and how can the body dance? And what forms of knowledge and relation can emerge through embodied and performative practices?
We will focus primarily on theoretical texts by postcolonial and decolonial writers and artists, bringing them into dialogue with contemporary performances and choreographic works. The seminar will explore how dance and performance can intervene in colonial histories and their ongoing effects by creating other ways of sensing, moving, remembering, imagining, and being together.

****ENG****

This course gives you a hands-on introduction to audio production in the recording studio, an important part of theatre and stage work, whether for sound design, audio drama production, live sound, or scoring a production.
We'll work step by step through the whole production process: the basics of microphone technique and recording, cutting and editing audio material, all the way through to mixing and mastering your own productions.
To wrap things up, we'll have a relaxed listening party together, where we listen back to everyone's productions.
No prior knowledge is needed, just curiosity and an interest in sound.

For the hands-on exercises, you'll need your own laptop. In case you don’t have one, get in touch with me beforehand in order for us to find a solution. We'll most likely be using a free software, so everyone has access to the basics.


*** GER***
Dieser Kurs gibt euch eine praktische Einführung in die Audioproduktion im Tonstudio, ein wichtiger Bestandteil der Theater- und Bühnenwelt, sei es für Sounddesign, Hörspielproduktionen, Live-Beschallung oder die Vertonung von Inszenierungen.
Wir gehen Schritt für Schritt durch den ganzen Produktionsprozess: Grundlagen der Mikrofonierung und Aufnahmetechnik, Schnitt und Bearbeitung von Audiomaterial, bis hin zum Mixing und Mastering eurer eigenen Produktionen.
Zum Abschluss wird es eine gemeinsame, gemütliche Listening Party geben, bei der wir uns alle Produktionen anhören.
Vorkenntnisse braucht ihr keine, nur Neugier und Lust auf Sound.

Für die praktischen Übungen wird ein eigener Laptop benötigt. Falls ihr keinen habt, meldet euch vorab bei mir, sodass wir eine Lösung finden. Voraussichtlich nutzen wir eine kostenlose Software, sodass alle Zugang zu den Basics haben.

Startet mit uns in die Gestaltung der nächsten Theatermaschine! Seit vielen Jahren gehört die TM fest zum Institut und bietet uns Studis eine Platform, erarbeitete Projekte zu zeigen und zu besprechen. Das Orga-Team wechselt dabei jährlich und kann das Festival maßgeblich mitgestalten. Wir geben euch in unserem Kurs einen Überblick über die TM und ihre Tradition und bereiten euch auf die kollektive Arbeit an einem Festival vor. Wir nehmen uns Zeit für Team-building und die Entwicklung eines gemeinsamen Code of conduct, laden Expert*innen aus den vergangenen TM Teams ein und klären Kommunikationswege. Außerdem wollen wir mit euch ein weiteres Festival unseres Instituts - das Diskurs Festival - gemeinsam besuchen und nachbesprechen!
Wir geben euch also einen umfassenden Überblick über alle Aufgabenbereiche und Gestaltungsräume und wollen gemeinsam eine gute Teamatmosphäre schaffen! :)


Start shaping the next Theatermaschine with us! For many years, the TM has been an integral part of the institute and offers us students a platform to showcase and discuss our projects. The organizing team changes every year and plays a key role in shaping the festival. In our course, we’ll give you an overview of the TM and its tradition and prepare you for the collaborative work involved in putting on a festival. We’ll take time for team-building and the development of a code of conduct, invite experts from past TM teams, and clarify communication channels. We also want to a]end another festival organized by our institute—the Diskurs Festival—together with you and discuss it afterward!
We will give you a comprehensive overview of all areas of responsibility and opportunities for creativity, and we want to work together to create a great team atmosphere! :)

Dieser Kurs vermittelt Grundlagen der Tontechnik praxisnah und zugänglich für Studierende ohne oder mit wenig Vorkenntnissen. Im Mittelpunkt stehen grundlegende technische Kompetenzen im Umgang mit Ton- und Audiosystemen, die für die eigenständige Arbeit in den Räumlichkeiten des Instituts notwendig sind. Die Kursinhalte werden in enger Absprache mit dem HiWi-Team und dem technischen Leiter entwickelt, um eine sinnvolle Einbettung in das Gesamtangebot des Bühnenpropädeutikums zu gewährleisten. Der Kurs richtet sich an alle ATW-Studierenden (BA, MA, CuP) und findet auf Deutsch und Englisch statt.
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ENGLISH — EVV Course Description:

This course introduces the fundamentals of sound technology in a hands-on, accessible format for students with little or no prior experience. The focus is on building the basic technical skills needed to work independently with audio systems in the institute's spaces. Course content is developed in close coordination with the HiWi team and the technical director to ensure coherent integration within the overall Bühnenpropädeutikum programme. The course is open to all ATW students (BA, MA, CuP) and is taught in both German and English.

This theoretical seminar is built around two concepts – metamorphosis and anamorphosis – and centred on the questions: how are body and subject transformations staged? What are the underlying ideas of change, and what are the related politics of performing/ staging a transformation?
Over the course of eight sessions, we will engage with artistic and literary works that present a transformation to the spectators (or the readers), building a trajectory through different metamorphoses and anamorphoses.
Metamorphosis refers to the transformation of an object or a person into something of a different nature and is often narrated as a radical change of form: the body that changes does not return. In biology, anamorphosis is contrasted to metamorphosis as the “gradual change of form” one can observe in those animals that have a rigid exoskeleton, from which they periodically need to detach in their growing process. Anamorphosis might be about making a comeback. Under a stable appearance, the matter has moved to another state, and the body that comes back looks the same, but is different.
Anamorphosis is mainly associated with the early modern painting technique in which an image appears only from a specific perspective, which is usually not the frontal one (e.g. the blurry skeleton in Holbein’s Ambassadors). If metamorphosis is a narrative mechanism that presents the spectator with a transformation that goes all the way through, anamorphosis hinges on the oscillation of perspective, addressing the spectators differently.
How to stage, or even perform, such transformations on stage? And what are the politics connected to them?


In philosophy, mythology, and literature, metamorphosis appears as the ordinary condition of living matter and as a threatening exception; metamorphic narratives serve as a celebration of becoming and overcoming categories and as narratives that corroborate fixed identities. In ancient imagination, metamorphosis consistently appears as a consequence of sexual violence and/or as a way of ensuring that the agency of those who undergo it is annihilated. In the Middle Ages, monster stories and the debates around Christian resurrection revolved around the relation between matter and identity, in the attempt to decide what makes a person a person.
Anamorphosis is equally controversial. Holbein’s painting is taken as an example by Lacan (1964) to describe the impossibility of the subject to have a total, masterful vision. The same painting serves Elsa Dorlin (2023) as she describes the transformation of a victim of sexual violence into an avenger (Bella in Helen Zahavi’s novel Dirty Weekend), who did not go through a metamorphosis, but rather an anamorphosis. Dorlin’s subjects — feminised, enslaved, colonised — never had that mastery to begin with, as they had always already been an object in someone else’s visual field.
In this course, we explore the problems generated by metamorphosis and anamorphosis as they are articulated on stage in the encounter with the spectators. Each session (3 hours) comprises a theoretical text, an artistic work, and a practical exercise, opening up different entry points into theory. There is room for people participating in the class to bring texts/shows/books/practices.
The course is structured as a trajectory, and it is partially built through a collective practice (the construction of a living index of metamorphic and anamorphic transformations) that requires regular attendance in the class. Because of this reason, it is not possible to attend single sessions.
You can finish this class by contributing to the living index (former “small Schein” ) and by writing a paper (contribution to the living index plus paper equals the former “big Schein”).
An updated description, containing artistic and theoretical references, will be uploaded here at the beginning of October.

This training is an invitation to work with the body as a primary site of knowledge, composition, and creative research.
We begin with sensation, image, and presence. Technique enters not as a fixed framework, but as a source, something to draw from, question, and be in dialogue with, recognising the aesthetic choices and histories embedded within it. Drawing from somatic approaches, autobiographical methodologies, and improvisational scores, we explore how personal and cultural material can become compositional tools, how story, place, and lived experience find form in the body.
Through structured improvisation tasks, movement research, and compositional scores, we investigate how movement is generated, shaped, and refined, listening to the body not just as an instrument, but as a compositional intelligence that already knows something worth following.
A central thread of this training is the practice of seeing and being seen, of getting inspired by each other's movement, presence, and choices. We learn as much from watching as from moving, and the group becomes a shared creative resource.
I will bring compositional tools and scores from my own practice, including from my auto-ethnographic solo work MADRE & TIERRA, rooted in a Chilean upbringing and lived experiences of migration, and guided by landscapes, nature, and the somatic practices. From RAW–FLAW, a duet research rooted in playfulness, radical openness, and spontaneous improvisation. I will also draw from collaborations with choreographers I have worked with as a freelancer and from my time within a dance company,
This is a space for us to find each other's interests through the body.

Performing Doctorship. How to Play the Doctor and Hack the Choreographies of Authority is a five-day intensive workshop designed for BA and MA students interested in approaching doctoral and artistic research through practice.
The workshop investigates public rituals of recognition — including graduation ceremonies, official speeches, award ceremonies, but also doctor–patient encounters and other situations in which authority is publicly performed — as performative material and as devices through which authority is constructed, producing what we can call “doctorship”.
The proposal emerges from Lucia Di Pietro's ongoing practice-based PhD project Performing Doctorship. The workshop explores the bodily, vocal, visual and symbolic codes that inhabit public rituals surrounding figures who occupy the role of the doctor — both medi-cal and academic — in order to question, dismantle and transform them into choreographic and performative material.
Participants will work with choreographies of recognition: postures of authority, facial expressions, signs of prestige, vocal registers, modes of address, costumes, institutional aesthetics and ways of looking and being looked at. Through observation, imitation, citation, repetition, styling, disguise and composition, they will construct a collective archive of gestures, outfits, poses, discursive formulas and modes of presence, which will then be transformed through performative experimentation.
Alongside this practical dimension, the workshop offers an introduction to artistic and practice-based research. It addresses a second central question: In what sense can a performative process constitute research? How is a research question generated through artistic practice? How can observation, embodied knowledge, archives, costume, voice, writing and composition become epistemological tools?
Rather than separating theory from practice, the workshop proposes artistic practice as a situated mode of inquiry through which knowledge is generated collectively and embodied.

Minimum 5, maximum 15




Tutors
Lucia Di Pietro
PhD candidate in Performance Studies (University IUAV of Venice / Justus Liebig University Giessen)
The workshop is developed within Lucia Di Pietro's ongoing practice-based PhD project Performing Doctorship, which investigates the performative power of scientific and medical authority and the ways in which public figures embody credibility through gestures, voice, appearance and ritual.
Lucia Di Pietro leads the theoretical and practical framework of the workshop through her ongoing practice- based PhD project Perform-ing Doctorship, introducing participants to questions of performativity, authority, imposture, embodied knowledge and the construction of an archive of gestures and fictional personas. The workshop also serves as an introduction to practice-based research, exploring how artistic practice can itself become a methodology for knowledge production.
Carlo Chiusi
PhD candidate in Fashion and Design (University IUAV of Venice)
Carlo Chiusi contributes to the workshop through his research on the visual and material dimensions of recognition: clothing, appear-ance, symbolic objects, institutional aesthetics and the performativity of fashion as a device that produces credibility and authority.
https://cchiusi.com/

The course invites students to actively engage with the international conference In Turn Choreographies of Change and the public by experimenting with different forms of access. Students will explore performative and practical ways of "opening the doors" to welcome the conference audience, investigating how hospitality and accessibility can be choreographed.
Alongside these hands-on experiments in audience facilitation, students will follow the conference program itself, allowing them to integrate the discourses presented at the event with their practical explorations.

In this seminar, we will examine the proximity among text, storytelling, and the dancing body, investigating what happens when the spoken text is treated not as an ideological governing authority but as an embodied material. Following the historical shift toward the postdramatic, as described by Hans-Thies Lehmann (1999), we approach the removal of the dramatic text from the center of performance, making it one of the elements that participate in performance-making, with physicality, sound, light, and temporality coming more prominently into play. Moving away from the traditional theatre, we will look into how this decentering of the dramatic text has entered dance performance, the processes of dance-making, and how it moved with other bodies.
We will investigate various relationships between text and dance, from a historical perspective, such as Pina Bausch’s Tanztheater, and toward contemporary aesthetics, where the text becomes a vessel for the resistance of feminist storytelling as found in the works of Ana Vujanović and Marta Popivoda, or from the decolonial perspective of the choreographies of Ligia Lewis. We will explore different aesthetics and methodologies, different voices and textures, the dramaturgy of assembling, the embodying of text, and map the plurality of storytelling that informs the bodies of contemporary dance performance. How do the dancing body and text meet, and what new political and aesthetic potentials emerge from that meeting?

Das Seminar möchte die Studierenden mit zentralen zeitgenössischen philosophischen Position zur Ästhetik bekannt machen. Mit der Erweiterung des Kunstbegriffs seit den 1960er Jahren sowie einer immer stärker werden Situierung von künstlerischen Aktionen in gesellschaftlichen Prozessen werden erneut Fragen nach der Spezifik von Kunst aufgeworfen. Welche Rolle spielen im Zuge dieser Veränderungen noch traditionelle Vorstellungen einer Autonomie der Kunst, wie sie exemplarisch etwa Theodor W. Adorno formuliert hat? Wird Kunst nicht viel eher am Grad ihrer Engagiertheit und ihrer gesellschaftlichen Funktion gemessen anstatt an ihrer Zweckfreiheit? Was vermag sie, derart fremdbestimmt, aber dann noch als spezifische Form der Artikulation und Kommunikation zu leisten? Das Seminar geht anhand von ausgewählten Positionen und Texten (u.a. Jacques Rancière, Christoph Menke, Oliver Marchart) diesen Fragen nach.

This seminar explores dance performances that take place outside the theatre, engaging with open environments and their specific atmospheric conditions. Focusing on site-specific dance practices, we will investigate how air, wind, temperature, weather, and climate shape movement, perception, and dance performance. Through historical and contemporary examples, we will examine the relationships between dance and plant life, breathing, environmental forces, and cosmic imaginaries. The seminar considers how dance responds to and interacts with the atmospheric and ecological dimensions of the world, opening new perspectives on site-specific performance and its climatic conditions.In the seminar we will examine how the live practices of dance and performance can can contribute to the decolonial practices and thinking today. The body is in the core of the colonial processes of violence, but at the same time, it is a potency of resistance and resilience. Bodily history of pain, invisibility, vulnerability, difference is deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering and marginalization. How is the body present in the decolonial performance and dance, what can the body do, how can the body speak, how can the body dance? How to approach the practices of potency, sexuality, emotion, affirmation and healing from a decolonial perspective? We will mostly focus on the readings of theoretical texts from postcolonial, decolonial writers and artists, and entangle them with some current performances and choreographies.

The seminar will also include three situations in the open with practical work: forest (with Britta Schönbrun) on the 12th of October, 2026, Night with Bojana Kunst on the 14th of December and Landscape with Fabrice Mazliah on the 25th of January. In this meetings the hours of the seminar can change, the participants will be informed at the beginning of the seminar.

In this seminar, we will examine how the live practices of dance and performance can contribute to decolonial practices and ways of thinking today. The body is at the core of colonial processes of violence, but at the same time, it is also a site of resistance, resilience, and potency. Bodily histories of pain, invisibility, vulnerability, and difference are deeply intertwined with different forms of colonial violence, othering, and marginalisation. Yet bodies also carry histories, memories, affects, desires, and forms of knowledge that can challenge colonial ways of seeing, knowing, and relating.
How is the body present in decolonial performance and dance? What can the body do, and how can the body dance? And what forms of knowledge and relation can emerge through embodied and performative practices?
We will focus primarily on theoretical texts by postcolonial and decolonial writers and artists, bringing them into dialogue with contemporary performances and choreographic works. The seminar will explore how dance and performance can intervene in colonial histories and their ongoing effects by creating other ways of sensing, moving, remembering, imagining, and being together.

This theoretical seminar is built around two concepts – metamorphosis and anamorphosis – and centred on the questions: how are body and subject transformations staged? What are the underlying ideas of change, and what are the related politics of performing/ staging a transformation?
Over the course of eight sessions, we will engage with artistic and literary works that present a transformation to the spectators (or the readers), building a trajectory through different metamorphoses and anamorphoses.
Metamorphosis refers to the transformation of an object or a person into something of a different nature and is often narrated as a radical change of form: the body that changes does not return. In biology, anamorphosis is contrasted to metamorphosis as the “gradual change of form” one can observe in those animals that have a rigid exoskeleton, from which they periodically need to detach in their growing process. Anamorphosis might be about making a comeback. Under a stable appearance, the matter has moved to another state, and the body that comes back looks the same, but is different.
Anamorphosis is mainly associated with the early modern painting technique in which an image appears only from a specific perspective, which is usually not the frontal one (e.g. the blurry skeleton in Holbein’s Ambassadors). If metamorphosis is a narrative mechanism that presents the spectator with a transformation that goes all the way through, anamorphosis hinges on the oscillation of perspective, addressing the spectators differently.
How to stage, or even perform, such transformations on stage? And what are the politics connected to them?


In philosophy, mythology, and literature, metamorphosis appears as the ordinary condition of living matter and as a threatening exception; metamorphic narratives serve as a celebration of becoming and overcoming categories and as narratives that corroborate fixed identities. In ancient imagination, metamorphosis consistently appears as a consequence of sexual violence and/or as a way of ensuring that the agency of those who undergo it is annihilated. In the Middle Ages, monster stories and the debates around Christian resurrection revolved around the relation between matter and identity, in the attempt to decide what makes a person a person.
Anamorphosis is equally controversial. Holbein’s painting is taken as an example by Lacan (1964) to describe the impossibility of the subject to have a total, masterful vision. The same painting serves Elsa Dorlin (2023) as she describes the transformation of a victim of sexual violence into an avenger (Bella in Helen Zahavi’s novel Dirty Weekend), who did not go through a metamorphosis, but rather an anamorphosis. Dorlin’s subjects — feminised, enslaved, colonised — never had that mastery to begin with, as they had always already been an object in someone else’s visual field.
In this course, we explore the problems generated by metamorphosis and anamorphosis as they are articulated on stage in the encounter with the spectators. Each session (3 hours) comprises a theoretical text, an artistic work, and a practical exercise, opening up different entry points into theory. There is room for people participating in the class to bring texts/shows/books/practices.
The course is structured as a trajectory, and it is partially built through a collective practice (the construction of a living index of metamorphic and anamorphic transformations) that requires regular attendance in the class. Because of this reason, it is not possible to attend single sessions.
You can finish this class by contributing to the living index (former “small Schein” ) and by writing a paper (contribution to the living index plus paper equals the former “big Schein”).
An updated description, containing artistic and theoretical references, will be uploaded here at the beginning of October.

„Das Monströse hat Konjunktur.“ (Geisenhanslüke/Mein)
In diesem Kurs beschäftigen wir uns theoretisch und praktisch mit den Schnittstellen zwischen Fragen und Konzepten aus den Monster Studies und zeitgenössischer dramaturgischer Praxis. Seit den späten Nuller-Jahren häufen sich Bezüge zum Monströsen im Bereich der Kultur- und Literaturwissenschaften, wobei die theaterwissenschaftliche Beschäftigung mit dem Monströsen im deutschsprachigen Raum (noch) ein Desiderat darstellt. Die marginale Existenz des Monströsen als Thematik in tanz- und theaterwissenschaftlichen Texten bedeutet allerdings nicht, dass nicht zahlreiche Inszenierungen der darstellenden Künste entweder selbst (in Ankündigungstexten, szenischer Forschung o.ä.) Begriffe wie Monster oder Monstrosität nutzen oder mithilfe dieser Begriffe beschrieben werden. Abstammend vom lateinischen monstrum, birgt der Begriff zum einen die Bedeutung Zeigen (monstrare) und Zeichen in sich, andererseits aber auch das Ungeheuerliche und schlägt Verbindung zu Theorien über das Unbewusste und das Abgespaltene. Monstrosität spielt eine bedeutende Rolle in vielen kulturellen und gesellschaftlichen Kontexten – als Ausdruck von Grenzziehungen, sozialen Ängsten und Normverschiebungen. Obwohl die interdisziplinäre Wissenschaftsrichtung Monster Studies inzwischen global etabliert ist, wurde ihr Potenzial im deutschsprachigen Raum, insbesondere innerhalb der Theaterwissenschaft, bislang kaum genutzt.
Der Kurs ist eine Kooperation im Rahmen der Hessischen Theaterakademie (HTA) zwischen der ATW an der JLU Gießen und der Goethe Universität in Frankfurt am Main und findet in enger Zusammenarbeit mit dem von der Deutschen Forschungsgemeinschaft (DFG) geförderten, internationalen Wissenschaftlichen Netzwerk MONSTROUS MATTERS – Interdisziplinäre Perspektiven auf Inszenierungen monströser Figuren, Körper und Ordnungen im zeitgenössischen Theater und verwandten Künsten statt (Mehr Infos zum Netzwerk hier: https://www.uni-giessen.de/de/fbz/fb05/atw/festivals-und-projekte/forschungsprojekte-1#MONSTROUS_MATTERS). Das Netzwerk veranstaltet über das Halloween-Wochenende vom 30.10. bis 1.11.2026 in Kooperation mit dem Theater Heilbronn ein dreitägiges Symposium mit Vorträgen, Diskussionsrunden, Programm für Junges Publikum, Performances und einer Halloween-Party. Drei Tage lang ziehen Forscher:innen, Künstler:innen aus den USA und Europa und jede Menge Monster ins Theater ein. Dieser Kurs wird aktiv in die Gestaltung und Ausrichtung (dramaturgischer) Rahmungen von Veranstaltungen während der drei Tage in Heilbronn eingebunden: Wir planen Einführungen, Nachgespräche, Übersetzungs- und Zugangsmöglichkeiten (Mehrsprachigkeit des Netzwerks) und Begleit-Möglichkeiten (Monster Mentees), um dem Monströsen an diesem Wochenende in Heilbronn eine dramaturgische Rahmung zu geben, die möglichst zugänglich ist für möglichst viele Menschen. In Kleingruppen werdet ihr Verantwortlichkeiten für wissenschaftliche Panels und künstlerische Performances übernehmen. Die Anreise nach Heilbronn ist mit dem Deutschlandticket möglich und die Übernachtung im Hotel in Heilbronn (Doppelzimmer mit zwei Einzelbetten) wird komplett finanziert. Die Vor- und Nachbereitungen finden in Räumlichkeiten auf dem Campus Westend der Goethe Uni in Frankfurt am Main statt. Der Kurs ist für max. 30 Studierende ausgelegt, wobei ca. 15 Plätze für Studierende der ATW und 15 Plätze für Studierende von der Goethe Uni Frankfurt vorgesehen sind. In der online Platzvergabesitzung werden die Plätze verbindlich verteilt. Es kann nur teilnehmen, wer am kompletten Kursprogramm inklusive der Exkursion teilnehmen kann.

This seminar is a platform to present and discuss your research and artworks in order to put them at work with others.
Each session will involve live presentations of works followed by discussions and/or other activities proposed by the works.
A focus of our exchanges will be to raise questions about modes of rehearsal and how the works are made public.
The presentation can be any work at any state of its development that you wish to share in the group. It might be the very beginning of an impulse for a future work, or some performance material in process, an excerpt of a piece, something you are rehearsing at the moment, something you have already presented and you wish to rework, something that you make specifically for this seminar, anything you wish to share in order to put it at work with the participants of the seminar. It can be anything as long as it comes with a question that you would like to address and work on with the group.
Each participant is invited to present their works as well as to discuss the works of others. Ideally, and according to the number of presentation and participants, each work should be presented and discussed 2 times during the semester.
The evaluation is based on the participation in the debates and in the presentation of work or, on a written report for those who are not part of any work presentation.

In this seminar, we will examine the proximity among text, storytelling, and the dancing body, investigating what happens when the spoken text is treated not as an ideological governing authority but as an embodied material. Following the historical shift toward the postdramatic, as described by Hans-Thies Lehmann (1999), we approach the removal of the dramatic text from the center of performance, making it one of the elements that participate in performance-making, with physicality, sound, light, and temporality coming more prominently into play. Moving away from the traditional theatre, we will look into how this decentering of the dramatic text has entered dance performance, the processes of dance-making, and how it moved with other bodies.
We will investigate various relationships between text and dance, from a historical perspective, such as Pina Bausch’s Tanztheater, and toward contemporary aesthetics, where the text becomes a vessel for the resistance of feminist storytelling as found in the works of Ana Vujanović and Marta Popivoda, or from the decolonial perspective of the choreographies of Ligia Lewis. We will explore different aesthetics and methodologies, different voices and textures, the dramaturgy of assembling, the embodying of text, and map the plurality of storytelling that informs the bodies of contemporary dance performance. How do the dancing body and text meet, and what new political and aesthetic potentials emerge from that meeting?

Das Seminar möchte die Studierenden mit zentralen zeitgenössischen philosophischen Position zur Ästhetik bekannt machen. Mit der Erweiterung des Kunstbegriffs seit den 1960er Jahren sowie einer immer stärker werden Situierung von künstlerischen Aktionen in gesellschaftlichen Prozessen werden erneut Fragen nach der Spezifik von Kunst aufgeworfen. Welche Rolle spielen im Zuge dieser Veränderungen noch traditionelle Vorstellungen einer Autonomie der Kunst, wie sie exemplarisch etwa Theodor W. Adorno formuliert hat? Wird Kunst nicht viel eher am Grad ihrer Engagiertheit und ihrer gesellschaftlichen Funktion gemessen anstatt an ihrer Zweckfreiheit? Was vermag sie, derart fremdbestimmt, aber dann noch als spezifische Form der Artikulation und Kommunikation zu leisten? Das Seminar geht anhand von ausgewählten Positionen und Texten (u.a. Jacques Rancière, Christoph Menke, Oliver Marchart) diesen Fragen nach.

The course will be held in cooperation with the University of Applied Arts Vienna as an Erasmus Blended Intensive Programme (BIP). Places are limited. Please contact: Gerald.Siegmund@theater.uni-giessen.de
Prerequisite: Completion of Basic Modules 1–4 in the BA program / Voraussetzung: abgeschlossene Basismodule 1-4 im BA

The intersection of the body and digital art has long been a fertile space for experimentation. From the early motion-capture explorations of Merce Cunningham and The OpenEnded Group to contemporary hybrid practices, the body becomes both medium and message. Today the digital cannot be separated from bodily experience: screens, sensors, and interfaces constantly reshape our understanding of presence. We live suspended between physical reality and simulation — between living bodies and “2D bodies” mediated by technology. This duality generates a paradox: the physical body becomes marginal, while the digital body accumulates identities, projections, and expectations. Corporeality does not vanish; it transforms. Refracted through digital languages, it becomes structured, edited, and sometimes domesticated. This transformation calls for new artistic methods able to restore the body as an active generator of meaning within technological environments. The project investigates how these two “languages” — bodily expression and digital creation — can meet, interact, and generate new artistic spaces. Rather than merging skills, the aim is to build a shared environment where dancers and digital artists develop a common vocabulary made of experiences, practices, codes, and intuitive understandings. The ambition is to contribute to an embodied digital art practice grounded in technical rigor, conceptual openness, and innovative methodologies.

Arbeitsmethode: postcolonial, welt-zu-welt, peer-to-peer tandem-learning.
Der Kurs verbindet Gruppenunterricht mit eigenständiger Tandem-Arbeit. Im Plenum lesen, diskutieren und geben wir uns gegenseitig Feedback — auch in Zwischenpräsentationen, wo die Tandems voneinander lernen. Im Tandem arbeitest du ein ganzes Semester lang eng mit einer anderen Person zusammen — jemand aus dem Globalen Süden oder aus einem anderen kulturellen Kontext als deinem eigenen, gerne auch aus der ATW selbst. Gemeinsam entwickelt ihr ein künstlerisches oder forschungspraktisches Format, das aus eurer Begegnung entsteht: aus dem, was euch trennt, verbindet, irritiert oder überrascht. Im Mittelpunkt stehen Fragen sozialer Gerechtigkeit und Klassismus — nicht als abstraktes Thema, sondern als gelebte Realität.
Für wen ist dieser Kurs?
Für alle ATW-Studierenden — und ganz besonders auch für diejenigen unter euch, die selbst aus dem Globalen Süden kommen oder anderswo aufgewachsen sind als in Mitteleuropa. Ihr bringt Wissen, Erfahrungen und Netzwerke mit, die in diesem Kurs wirklich zählen. Euer Blick ist kein Zusatz — er ist der Ausgangspunkt.
Tandem-Partnerschaften können entstehen durch: — eigene Kontakte der Studierenden oder der Lehrenden — internationale Studierende innerhalb der JLU oder ATW selbst — gemeinsame Suche im Kurs.
Was passiert im Kurs?
Der Kurs hat vier Stränge, die sich durch das Semester ziehen:
1. Lesen & Denken Gemeinsam lesen wir Texte zu Postkolonialismus, sozialer Ungleichheit, Klassismus und den jeweiligen geografischen und kulturellen Kontexten der Tandems. Theorie als Werkzeug — nicht als Pflicht.
2. Tandem-Arbeit Das Herzstück des Kurses. Ihr arbeitet eigenständig zu zweit: recherchiert, kommuniziert, plant, stolpert, findet euren Weg. Margo begleitet euch durch regelmäßige Mentoring-Gespräche.
3. Feedback & Dramaturgie Wir schauen gemeinsam auf die entstehenden Arbeiten — aus klar benannten Positionen: ästhetisch, strukturell, inhaltlich. Wie in der Projektdramaturgie gilt: Feedback ist eine Haltung, keine Bewertung.
4. Abschlusspräsentation Das Format entscheiden wir gemeinsam. Denkbar sind z.B. Audiowalks, Audiobücher, kurze Performances, Lecture-Performances oder andere Formen — jedes Tandem präsentiert ca. 15 Minuten.

Format
Montags, 12:00–16:00 Uhr (+ individuelle Tandem-Termine nach Absprache — da eure Partner*innen eventuell in anderen Zeitzonen leben, braucht ihr Flexibilität und Eigenverantwortung für die Tandems selbst).
Hybrid: teils in Präsenz in Gießen, teils online
Sprache: Deutsch und Englisch

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ZOOM OUT — welt-zu-welt, peer-to-peer
KFPPK | German & English | WS 2026/27
Method: postcolonial, welt-zu-welt, peer-to-peer tandem learning
The course combines group sessions with independent tandem work. In the plenary we read, discuss, and give each other feedback — including through interim presentations where tandems learn from one another. In your tandem, you work closely with one other person for the entire semester — someone from the Global South or from a cultural context different from your own, ideally from within ATW itself. Together you develop an artistic or research-based format that emerges from your encounter: from what separates you, connects you, surprises or unsettles you. At the centre are questions of social justice and classism — not as abstract topics, but as lived reality.
Who is this course for?
For all ATW students — and especially for those of you who come from the Global South yourselves, or who grew up outside of Central Europe. The knowledge, experiences, and networks you bring genuinely matter in this course. Your perspective is not an add-on — it is the starting point.
Tandem partnerships can be formed through: — existing contacts of students or the teacher — international students within JLU or ATW itself — a collective search within the course
What happens in the course?
The course has four strands running through the semester:
1. Reading & Thinking We read texts together on postcolonialism, social inequality, classism, and the geographical and cultural contexts of the tandems. Theory as a tool — not an obligation.
2. Tandem Work The heart of the course. You work independently as a pair: researching, communicating, planning, stumbling, finding your way. Margo accompanies you through regular mentoring conversations.
3. Feedback & Dramaturgy We look at the emerging works together — from clearly named positions: aesthetic, structural, content-based. As in project dramaturgy: feedback is an attitude, not an evaluation.
4. Final Presentation The format is decided together. Possibilities include audio walks, audio books, short performances, lecture-performances, or other forms — each tandem presents for approximately 15 minutes.
Format
Mondays, 12:00–16:00 (+ individual tandem appointments as needed — since your partners may live in different time zones, flexibility and self-organisation are part of the work itself)
Hybrid: partly in person in Gießen, partly online Language: German and English

Die Veranstaltung (Unterrichtssprache, wenn gewünscht, Spanisch) befasst sich mit zentralen Romanen des spanischen und hispanoamerikanischen Realismus/Naturalismus der 1880er Jahre: B. Pérez Galdós, Fortunata y Jacinta; Clarín, La Regenta; E. Pardo Bazán, Los pazos de Ulloa/Madre naturaleza und C. Matto de Turner, Aves sin nido. Sie fragt nach der Darstellung von Gesellschaft, Natur, der Rolle der Frau und sozialen Ungleichheiten.
Einführende Literatur: F. Wolfzettel, Der spanische Roman von der Aufklärung bis zur frühen Moderne (1999), G. Gullón, La novela moderna en España (1885-1902): los albores de la modernidad (1992) und F. Caudet in der cátedra-Ausgabe von Galdós Fortunata y Jacinta. Weitere Literatur wird zu Beginn des Semesters bekanntgegeben.
Es wird dringend empfohlen, mit der Lektüre des Romans Fortunata y Jacinta von Pérez Galdós frühzeitig, d.h. vor Beginn der Vorlesungszeit, zu beginnen.
Begleitend dazu ist die Übung zum Texten der Vorlesung. Darin werden Primärtexte der Vorlesung vertiefend interpretiert.

Die Veranstaltung ist Pflicht für alle Erstsemester und setzt die Grundlagen für ein erfolgreiches Studium: Hier werden die wichtigsten Begriffe und Methoden literaturwissenschaftlichen Arbeitens im Bereich spanischsprachiger Literaturen behandelt und konkret eingeübt. Basistext hierfür ist: Hartmut Stenzel: Einführung in die spanische Literaturwissenschaft. Stuttgart: Metzler 2010, auch als e-book über den Zugang der UB der JLU verfügbar. Unterrichtssprache: Deutsch; Primärtexte werden bei Bedarf auch auf Deutsch zur Verfügung gestellt.

Der Raum zwischen Polen und dem Baltikum im Nordwesten, Sibirien im Nordosten, dem Kaukasus, der Ukraine und Bulgarien im Süden ist in der jüngeren Geschichte durch Imperien geprägt gewesen (Zarenreich, Preußisches Reich, Habsburgerreich, Osmanisches Reich). Der Mehrzahl der dort ansäs-sigen Völker war über Jahrhunderte eigene Staatlichkeit verwehrt; die Titularnationen der Großreiche oktroyierten ihnen eigene kulturelle Muster. Anders als die überseeischen Kolonien ist dieser Prozess in der Geschichtswissenschaft nur selten mit dem Begriff des Kolonialismus beschrieben worden.
Die Veranstaltung widmet sich weniger der Frage, ob es denn sachlich berechtigt wäre, von einer ost-, ostmittel- und südosteuropäischen „Kolonisierung“ zu sprechen, sondern untersucht zum einen, wie die hegemonialen Kulturen die unterdrückten Völkerschaften als weniger zivilisiert und damit „kolo-nisierungsbedürftig“ beschrieben. Zum zweiten gilt das Hauptinteresse der Frage, inwieweit die Fremdherrschaft von den betroffenen Völkern als Kolonisierungsprozess wahrgenommen wurde. Nicht nur zur Konstitution von Heterostereotypen des Orients (Said), sondern auch zur Beschreibung der kulturellen Strategien von Unterdrückten haben die anglo-amerikanischen Postcolonial Studies differenzierte Angebote vorgelegt. Die provokative Leitfrage lautet, ob diese Theorieangebote, die für die paradoxen Identitätsbildungsprozesse von Arabern und Schwarzafrikanern entwickelt wurden (Orientalismus, Hybridität, In-Betweenness, Subalternität, Mimikry, Black Signifying, Agency), für ein besseres Verständnis der Herausbildung von Kulturnationsbewusstsein in Ost-, Ostmittel- und Südosteuropa fruchtbar gemacht werden können. Im Seminar werden wir versuchen, diese Frage mosaikartig mit Blick auf Bosnien-Herzegowina, Polen, Russland, Tschechien und die Ukraine durchzubuchstabieren.

Weitere Teilnehmende sind willkommen; zur Anmeldung bitte E-Mail an dirk.uffelmann@slavistik.uni-giessen.de

Was passiert, wenn Klang auf Bild trifft? Wenn Komponist*innen Farben hören oder Künstler*nnen Musik sichtbar machen? Das Seminar geht diesen und ähnlichen Fragen nach und lädt dazu ein, Verbindungen zwischen bildender Kunst und Musik gemeinsam zu entdecken.
Im Mittelpunkt stehen Positionen zwischen den Disziplinen: Komponist*innen, die sich von Malerei, Skulptur oder Architektur inspirieren lassen, ebenso wie bildende Künstler*innen, die musikalische Strukturen, Klang oder Kompositionsprinzipien in ihre Arbeit integrieren. Dabei beginnen wir in den Pariser Ateliers um 1900 und bewegen uns bis in die zeitgenössische Gegenwart.
„Art meets Sound“ versteht sich als gemeinsamer Denk- und Experimentierraum. Das Seminar wird von Lehrenden aus Kunst und Musik gemeinsam gestaltet und Studierende beider Fachrichtungen sind ausdrücklich eingeladen, ihre eigenen Blickwinkel einzubringen.

Musik ist eine Kulturtechnik, die eng an mediale Möglichkeiten der Aufzeichnung, Editierbarkeit und Wiedergabe/Performance gebunden ist. Über viele Jahrhunderte hinweg hat es höchst unterschiedliche Ansätze und Verfahren gegeben, um Musik bzw. Klang aufzuzeichnen oder als Signal übertrag- und bearbeitbar zu machen. Ob es sich dabei um mittelalterliche Modalnotation, Tabulaturen oder moderne Notenschrift, um Steuerungsbefehle für mechanische Instrumente, Sequenzer oder Sampler, um analog-phonographische Verfahren des Plattenschnitts oder der Tonbandaufzeichnung oder um digitale Soundfiles oder das Schreiben einer MIDI-Spur handelt: jedem dieser Aufzeichnungssysteme liegen spezifische mediale Bedingungen zugrunde, mit denen musikalische Ereignisse codiert, programmiert, prozessiert/(aus)gelesen und wiedergegeben/übertragen werden. In all diesen Fällen wird Musik auf eine bestimmte Weise medial formatiert (d.h. handhabbar gemacht und operationalisiert), indem sie in ein System aus Zeichen, Signalen oder Codes übersetzt wird. Diese Formate prägen wiederum die musikalische Praxis und schreiben sich in kompositorische, performative und produktionstechnische Möglichkeiten ein (auf dem Notenpapier „komponiert“ und „denkt“ man Musik grundlegend anders als bei der Arbeit mit einer DAW).
Das Seminar wird ein Schlaglicht auf unterschiedliche mediale Formate werfen, die von der klassischen Notenschrift bis zu analogen und digitalen Möglichkeiten der technischen Klangaufzeichnung und Klangsteuerung reichen. Wir erarbeiten uns medientheoretische Konzepte und methodische Perspektiven, mit denen die Medialität von Musik beschrieben und analysiert werden kann. Anhand von ausgewählten Stücken und Musikbeispielen vergegenwärtigen wir uns spezifische Musikkonzepte, Praktiken und Ästhetiken, die mit unterschiedlichen medialen Formaten verbunden sind.

2. Literatur:
Ahlers, Michael / Jörissen, Benjamin / Donner, Martin & Wernicke, Carsten (Hg.). 2022. MusikmachDinge im Kontext. Forschungszugänge zur Soziomaterialität von Musiksoziologie.
Fabian, Alan & Ismaiel-Wendt, Johannes (Hg.). 2018. Musikformulare und Presets. Musikkulturalisierung und Technik/Technologie. Hildesheim: Olms.
Krämer, Sybille, Cancik-Kirschbaum & Totzke, Rainer (Hg.). 2012. Schriftbildlichkeit. Wahrnehmbarkeit, Materialität und Operativität von Notationen. Berlin: Akademie-Verlag.
Rehding, Alexander, Gundula Kreuzer, Peter McMurray, Sybille Krämer, and Roger Moseley. 2017. „Discrete/Continuous: Music and Media Theory after Kittler“. Journal of the American Musicological Society 70, no. 1: 221–256.
Saxer, Marion (Hg.). 2016. Spiel (mit) der Maschine. Musikalische Medienpraxis in der Frühzeit von Phonographie, Selbstspielklavier, Film und Radio. Bielefeld: transcript.
Schuiling, Floris & Payne, Emily (Hg.) (2022). Material Cultures of Music Notation. New Perspectives on Musical Inscription. London: Routledge.

3. Voraussetzungen für den Scheinerwerb. Regelmäßige Teilnahme und aktive Mitarbeit; optional mit Prüfungsleistung zum Abschluss des Moduls.

4. Teilnahmevoraussetzungen und -beschränkungen

Das Seminar setzt in der Nachkriegszeit mit der Geschichte des geteilten Deutschlands an und arbeitet sich bis in die Zeit des wiedervereinigten Deutschlands und der Gegenwart vor. Wir beschäftigen uns zum einen mit den gesellschaftlichen Umständen, in denen sich populäre Musikformen sowohl in der DDR als auch in der BRD entfalteten und blicken auf hegemoniale Zuschreibungen und Ideologien, mit denen populäre Musik in den unterschiedlichen politischen Systemen unweigerlich verflochten war. Zudem werden diverse musikalische Praktiken von einschlägigen Modetänzen bis hin zu Aspekten der Musikproduktion beleuchtet, ebenso wie die lebensweltlichen Bezüge einzelner Genres wie Beat, (Kraut)Rock, Soul, Disco, Neuer Deutscher Welle, Hip-Hop/Deutschrap, EDM/Techno, Indierock und Deutschpop. Darüber hinaus werden einzelne ästhetische Strategien im Klang, Performance und Lyrics herausgearbeitet, mit denen spezifische Artikulationen und Problematisierungen deutscher bzw. nationaler Identität vorgenommen wurden.

2. Literatur
Ahlers, Michael & Jacke, Christoph, eds. 2017. Perspectives on German Popular Music. New York: Routledge.
Lipp, Florian. 2021. Punk und New Wave im letzten Jahrzehnt der DDR. Akteure – Konfliktfelder – musikalische Praxis. Münster: Waxmann.
Mrozek, Bodo. 2019. Jugend. Pop. Kultur. Eine transnationale Geschichte. Berlin: Suhrkamp.
Rauhut, Michael & Peter, Beate (Hg.). 2022. Popular Music History 14/2. Special Issue: „Narrating Popular Music Histories of the GDR: A Critical Reflection of Approaches, Sources and Methods“.
Schiller, Melanie. 2018. Soundtracking Germany. Popular Music and National Identity. London: Rowman & Littlefield.
Seibt, Oliver / Ringsmut, Martin & Wickström, David-Emil (Hg). 2021. Made in Germany: Studies in Popular Music. New York: Routledge.
Simmeth, Alexander. 2016. Krautrock transnational. Die Neuerfindung der Popmusik in der BRD, 1968–1978. Bielefeld: transcript.
Spiritova, Mareka & Trummer, Manuel (Hg.). 2023. Pop the Nation. Die Nation als Ressource und Argument in Kulturen populärer Unterhaltung und Vergnügung. Münster: Waxmann.
Völker, Florian. 2023. Kälte-Pop. Die Geschichte des erfolgreichsten deutschen Popmusik-Exports. Berlin: De Gruyter.
Zaddach, Wolf-Georg. 2018. Heavy Metal in der DDR. Szene, Akteure, Praktiken. Bielefeld: transcript

3. Voraussetzungen für den Scheinerwerb. Regelmäßige Teilnahme und aktive Mitarbeit; optional mit Prüfungsleistung zum Abschluss des Moduls.

4. Teilnahmevoraussetzungen und -beschränkungen: keine

Digitale Technologien haben die Produktion, Verbreitung und Rezeption populärer Musik grundlegend verändert. Im Mittelmeerraum entstehen dadurch neue musikalische Verbindungen, die nationale Grenzen überschreiten und unterschiedliche soziale, kulturelle, sprachliche, politische und ökonomische Kontexte miteinander verknüpfen. Plattformen wie YouTube, Spotify, Anghami, SoundCloud, TikTok oder Instagram ermöglichen neue Formen musikalischer Öffentlichkeit, während Playlists, Online-Sammlungen und digitale Archive mediterrane Popmusik speichern, kuratieren und zugänglich machen.
In diesem Seminar widmen wir uns der Frage, wie der Mittelmeerraum als relationaler Raum durch digitale Produktionen, Plattformen und Archive populärer Musik hervorgebracht und vernetzt wird. Anhand von Fallstudien aus Südeuropa, Nordafrika und der Levante beschäftigen wir uns mit digitaler Musikproduktion, Plattformökonomien, Algorithmen, Musikvideos, Remixes, viralen Sounds sowie DIY- und Communitypraktiken. Einen besonderen Schwerpunkt bildet die Auseinandersetzung mit rezenten digitalen Archiven populärer Musik des Mittelmeerraums. Gemeinsam mit den Studierenden werden bestehende digitale Archive vorgestellt und kartiert sowie eigene Fragestellungen zu digitalen Popmusikkulturen des Mittelmeerraums entwickelt.

Diese Überblicksveranstaltung führt in einschlägige Genres, Medientechnologien und soziokulturelle Dynamiken, die mit der Geschichte der populären Musik von 1945 bis 1990 verbunden sind. Der Fokus wird primär auf die USA und Großbritannien gelegt, globale Entwicklungen werden punktuell gestreift. Ziel ist es, Entwicklungen in der populären Musik unter Berücksichtigung medientechnischer, politischer, ökonomischer und sozialer Aspekte zu durchleuchten. Die in der Vorlesung behandelten kultur- und mediengeschichtlichen Gesichtspunkte sollen wesentliche Orientierungen liefern, um die Entstehung spezifischer Genres wie Rock’n’Roll, Beat, Folk, Soul, Psychedelic, Progressive und Glam Rock, Disco, Punk, New Wave und Hip-Hop zu erschließen. Der Blick auf Praktiken der Musikproduktion und die dabei zum Einsatz kommenden technischen Geräte und Instrumente versetzt in die Lage, Klangästhetiken und Stilmittel der populären Musik nahe an ihren medialen Entstehungsbedingungen rekonstruieren zu können. Der Blick auf gesellschaftliche/politische Verhältnisse und Diskurse wiederum legt eine Perspektive frei, mit der sich machtkritische Fragen zur performativen Aushandlung und Verkörperung von sozialen Normen bezüglich Race, Class, Gender und Sexuality stellen lassen. In dieser Hinsicht wird die Vorlesung populäre Musikformen auch als Aushandlungsraum kultureller Wertemuster und Hegemonien thematisieren. Durch die Kombination musikwissenschaftlicher mit kultur- und medienwissenschaftlichen Perspektiven ist die Vorlesung interdisziplinär angelegt.

Literatur
Garofalo, Rebee & Waksman, Steve. Rockin‘ Out. Popular Music in the USA. New York: Pearson.
Popular Music History. Equinox Publishing.
Schmidt Horning, Susan 2013: Chasing Sound. Technology, Culture and the Art of Studio Recording from Edison to the LP. Baltimore: John Hopkins University Press.
Starr, Larry & Waterman, Christopher 2014: American Popular Music. From Minstrelsy to MP3. New York: Oxford University Press,

Voraussetzungen für den Scheinerwerb: Regelmäßige Teilnahme und Prüfungsleistung. Genaueres wird in der ersten Sitzung bekannt gegeben.

Teilnahmevoraussetzungen und -beschränkungen: keine

1. Zum Thema: Ein Großteil der Musik Kurt Weills ist von US-Amerikanischer Musik geprägt, jedoch gibt es nur wenige Komponisten, die wie er eine Außen- und Innensicht gewinnen konnten. Ein weiteres Merkmal von Weill sind die von ihm gewählten sozialkritischen Themen und die Vielzahl an Kooperationspartnern (u.a. Maxwell Anderson, Marc Blitzstein, Bertolt Brecht, Yvan Goll, Paul Hindemith, Georg Kaiser, Lotte Lenya, Caspar Neher, Franz Werfel). Das Seminar wird seinen Schwerpunkt auf das Musiktheaterwerk von Weill legen (u.a. Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny, Die Dreigroschenoper, Der Jasager, Johnny Johnson, Lady in the Dark, Der Lindberghflug, Lost in the Stars, One Touch of Venus, Royal Palace, Die sieben Todsünden, Street Scene, Der Zar lässt sich photographieren), das neben Opern und Musicals auch Songspiele, Oratorien, ein gesungenes Ballett und Radiohörspiele umfasst.

2. Literatur: Baumgartner, M.: Exilierte Göttinnen: Frauenstatuen im Bühnenwerk von Kurt Weill, Thea Musgrave und Othmar Schoeck. Hildesheim 2012; Block, G.: Enchanted Evenings. The Broadway Musical from Showboat to Sondheim and Lloyd Webber. New York 2009; Böker, U./Detmers, I./Giovanopoulos, A.-C. (Hg.): John Gay’s The Beggar’s Opera, 1728–2004. Adaptations and Re-Writings. Amsterdam/New York 2006; Chiesa, L. (Hg.): Resonances against Fascism. Modernist and Avant-Garde Sounds from Kurt Weill to Black Lives Matter. Albany 2024; Crawford, D.L.: Windfall of Musicians. Hitler’s Emigres and Exiles in Southern California. New Haven 2009; Fischer, M./Jost, C. (Hg.), Amerika-Euphorie – Amerika-Hysterie. Populäre Musik made in USA in der Wahrnehmung der Deutschen 1914–2014. Münster 2017; Graber, N.: Kurt Weill’s America. New York 2021; Graber, N./Rizzuti, M. (Hg.): The Works of Kurt Weill: Transformations and Reconfigurations in 20th-Century Music. Turnhout 2023: Grosch, N. (Hg.): Novembergruppe 1918. Studien zu einer interdisziplinären Kunst für die Weimarer Republik. Münster 2018; Haas, M.: Music of Exile: The Untold Story of the Composers Who Fled Hitler. New Haven/London 2023; Hinton, S.: Kurt Weills Musiktheater. Vom Songspiel zur American Opera. Berlin 2023; Juchem, E.: Kurt Weill und Maxwell Anderson. Neue Wege zu einem amerikanischen Musiktheater, 1938–1950. Stuttgart/Weimar 2000; Katz, P.: The Partnership. Brecht, Weill, Three Women, and Germany on the Brink. New York 2015; Mücke, P.: Musikalischer Film – Musikalisches Theater. Medienwechsel und szenische Collage bei Kurt Weill. Münster 2011; McClung, B.D.: Lady in the Dark. Biography of a Musical. Oxford 2007; O’Leary, J.: The Middlebrow Musical: Between Broadway and Opera in 1940s America. New York 2025; Schmid, R.: Weill, Blitzstein, and Bernstein. A Study of Influence. Rochester 2023; Shin, H.: Kurt Weill, Berlin und die zwanziger Jahre. Sinnlichkeit und Vergnügen in der Musik. Würzburg 2002; Wackers, R.: Dialog der Künste. Die Zusammenarbeit von Kurt Weill & Yvan Goll. Münster 2004; Weill, K.: Musik und musikalisches Theater. Gesammelte Schriften. Mit einer Auswahl von Gesprächen und Interviews. Mainz: Schott 2000; Weiss, S./Schebera, J. (Hg.): Street Scene. Der urbane Raum im Musiktheater des 20. Jahrhunderts. Münster 2006

3. Voraussetzungen für den Scheinerwerb: Anforderungen für Bachelor- sowie L2- und L3-Lehramtsstudierende: Teilnahmeschein bei regelmäßiger Teilnahme und aktiver Mitarbeit; Leistungsschein bei zusätzlichem Referat mit schriftlicher Ausarbeitung oder Hausarbeit; Anforderungen für Master- und L3-Lehramtsstudierende: Teilnahmeschein bei regelmäßiger Teilnahme, aktiver Mitarbeit und Kurzreferat mit Thesenpapier, Leistungsschein bei zusätzlicher schriftlich ausgearbeiteter (Film-) Musikanalyse, Hausarbeit oder Forschungsprojekt.

4. Teilnahmevoraussetzungen und -beschränkungen: keine

Im Seminar erarbeiten wir uns einen Überblick über Theorien kultureller Hegemonie mit Fokus auf den Aspekten Gender und Race (Feminismus, Queerfeminismus, Critical Race Theory, Postcolonial Theory). Die Lektüre und Diskussion von Grundlagentexten soll fruchtbare Perspektiven auf konkrete musikbezogene Fallbeispiele eröffnen. Fragen könnten beispielsweise sein: Welche Auswirkungen hatte das Frauenbild im 19. Jahrhundert auf den Musikdiskurs und umgekehrt? Wie wird Gender am Broadway performt? Welche Bedeutung haben Praktiken kultureller Aneignung für die Geschichte der Oper? Ist Musiktheorie strukturell weiß? Ist Hip-Hop antirassistisch?

Modulzuordnung neue Lehramtsstudiengänge:
03-mus-L3-WP-4b

Liberal Arts:
BA-LAS-PDK-5 (Institutionskritik)
BA-LAS-PDK-4 (Funktionen der Künste)

Die Veranstaltung ist Pflicht für alle Erstsemester und setzt die Grundlagen für ein erfolgreiches Studium: Hier werden die wichtigsten Begriffe und Methoden literaturwissenschaftlichen Arbeitens im Bereich spanischsprachiger Literaturen behandelt und konkret eingeübt. Basistext hierfür ist: Hartmut Stenzel: Einführung in die spanische Literaturwissenschaft. Stuttgart: Metzler 2010, auch als e-book über den Zugang der UB der JLU verfügbar. Unterrichtssprache: Deutsch; Primärtexte werden bei Bedarf auch auf Deutsch zur Verfügung gestellt.

In der europäisch-angelsächsischen Welt ist Weihnachten die jährliche Feier, die im gesellschaftlichen Kontext mit den größten Erwartungen verknüpft wird. Den als Fest der (heiligen) Familie verstandenen Tagen geht eine längere Vorbereitungszeit voraus, die oft schon mit Spekulatius im September beginnt und bisweilen aufgrund überfrachteter Ideale mit Streit unter dem Weihnachtsbaum endet. Die ersehnte heile Welt kann sich schnell ins Gegenteil verkehren. Welche Narrative sind so wirkmächtig, dass sie Menschen alljährlich in einen variabel skalierbaren Zustand von Freude und Frust versetzen?
Das Seminar will den Hintergründen der biblischen Weihnachtserzählungen nachgehen und die Weihnachtsgeschichte mit ihrer Rezeption konfrontieren, indem es die Welt des Weihnachtsfilms im Wandel des 20. Jahrhunderts beleuchtet. Dabei wollen wir uns mit der Frage befassen, wie sich die Sehnsucht nach der Geburt eines Kindes, Vorstellungen von Engeln und unverdienten Gaben, die sich nicht auf materielle Güter beschränken, oder der Wunsch nach Frieden im Verlauf von Industrialisierung und Säkularisierung veränderten. Erwartungen, Motive und Kontexte verschieben sich. Bestehen bleibt die Hoffnung, dass alles gut werden kann.

In diesem Kurs setzen sich die Studierenden mit einigen der wichtigsten Werke der spanischsprachigen Literatur Äquatorialguineas auseinander. Zunächst wird ein historischer Kontext vermittelt, der erklärt, warum in diesem subsaharischen Land bis heute auf Spanisch geschrieben wird. Anschließend werden Auszüge aus bzw. vollständige Werke der bedeutenden Literatur Äquatorialguineas gelesen und analysiert. Dabei werden die Texte insbesondere aus einer dekolonialen und genderspezifischen Perspektive betrachtet. Im Mittelpunkt stehen unter anderem Cuando los combes luchaban von Leoncio Evita, Ekomo von María Nsue, Las tinieblas de tu memoria negra von Donato Ndongo sowie Puño cerrado, madre negra von Juan Tomás Ávila Laurel.

Die Studierenden müssen Ekomo und Las tinieblas de tu memoria negra erwerben. Auszüge aus den übrigen Werken werden den Studierenden zur Verfügung gestellt.

Diese Veranstaltung widmet sich der sogennante novela de la selva latinoamericana und verfolgt die Entstehung und Transformation des Urwaldes als literarisches Motiv von der Kolonialzeit bis in die Gegenwart. Ausgangspunkt ist die Konstruktion der „Neuen Welt“ als verheißungsvolles, ökonomisch nutzbares „Paradies“, das jedoch bereits in frühen Berichten – etwa bei Kolumbus – ambivalent zwischen Faszination und Bedrohung erscheint und sich zugleich als ein Raum erweist, der sich menschlicher Aneignung widersetzt. Im frühen 20. Jahrhundert verdichtet sich diese Ambivalenz im Kontext des amazonischen Kautschukextraktivismus zu einem literarischen Motiv der verschlingenden Natur. In diesem Zusammenhang markiert Inferno verde (1908) (dt. Grüne Hölle) des brasilianischen Schriftstellers Alberto Rangel einen zentralen Bezugspunkt in der lateinamerikanischen Literatur. Der Urwald erscheint hier nicht länger primär als verheißungsvoller Raum, sondern als lebensfeindliche, infernalische Umwelt, die den Menschen existenziell bedroht und in den Wahnsinn treibt. La vorágine (1924) (dt. meist Der Strudel) des kolumbianischen Autors José Eustasio Rivera knüpft an diese Konfiguration an und führt sie weiter, indem der Urwald als aktiv wirkende, verschlingende Kraft ins Zentrum rückt. Der Fokus des Seminars liegt auf der rezenten Transformation dieses Motivs hin zu einer Entmetaphorisierung des Verschlingens.

Die Veranstaltung (Unterrichtssprache, wenn gewünscht, Spanisch) befasst sich mit zentralen Romanen des spanischen und hispanoamerikanischen Realismus/Naturalismus der 1880er Jahre: B. Pérez Galdós, Fortunata y Jacinta; Clarín, La Regenta; E. Pardo Bazán, Los pazos de Ulloa/Madre naturaleza und C. Matto de Turner, Aves sin nido. Sie fragt nach der Darstellung von Gesellschaft, Natur, der Rolle der Frau und sozialen Ungleichheiten.
Einführende Literatur: F. Wolfzettel, Der spanische Roman von der Aufklärung bis zur frühen Moderne (1999), G. Gullón, La novela moderna en España (1885-1902): los albores de la modernidad (1992) und F. Caudet in der cátedra-Ausgabe von Galdós Fortunata y Jacinta. Weitere Literatur wird zu Beginn des Semesters bekanntgegeben.
Es wird dringend empfohlen, mit der Lektüre des Romans Fortunata y Jacinta von Pérez Galdós frühzeitig, d.h. vor Beginn der Vorlesungszeit, zu beginnen.
Begleitend dazu ist die Übung zum Texten der Vorlesung. Darin werden Primärtexte der Vorlesung vertiefend interpretiert.