Fachbereich 03: Sozial- und Kulturwissenschaften - Lehramtsstudiengänge - Kunst (L2, L5)

Die Vorlesung bietet eine Einführung in das Studium der Kunstpädagogik und ihrer Fragen, Konzepte, Bezugsfelder und Methoden sowie Bildungspotenziale unter Berücksichtigung aktueller Querschnittthemen.

Diese Einführung wendet sich an alle Studierenden des Faches Kunstpädagogik und soll Sie in die Gegenstandsbereiche der Kunstgeschichte und Kunstwissenschaft (in der Terminologie der Kunstpädagogik früher „Fachwissenschaft“) und die verschiedenen Arten einführen, sich methodisch Kunstwerken zu nähern und sie historisch zu befragen. Dabei wird allerdings kein irgendwie gearteter Überblick über die Entwicklung der europäischen Kunst seit der Spätantike angestrebt. Vielmehr wollen wir uns durch gemeinsame Lektüren grundlegende kunsthistorische Analyseinstrumentarien erarbeiten und eine exemplarische Betrachtung einzelner Kunstwerke aus verschiedenen Epochen im Lichte dieser Methoden unternehmen.

Je nach Studiengang müssen Sie an dieser Veranstaltung aktiv und erfolgreich teilnehmen und/oder unterschiedliche Prüfungsleistungen erbringen (Hausarbeit, Referat, ggf. Klausur). Dessen ungeachtet haben Sie alle am Ende der Veranstaltung – engagierte Mitarbeit und Interesse vorausgesetzt – grundlegende Fertigkeiten erworben, um sachkundig die Form, den Inhalt, den Betrachter und die Funktion von Kunstwerken adressieren zu können.

In dem Proseminar lernen Sie wichtige Positionen der Kunstdidaktik kennen und erlangen einen Eindruck über die Vielfalt der Ansätze sowie ihrer Ähnlichkeiten und Unterschiede. Strukturiert wird das Seminar durch drei übergeordnete Themenkomplexe.

BLOCK 1 Entwicklung – Sozialisation – Heterogenität
BLOCK 2 Identität – Subjekt – Kunst
BLOCK 3 Bild – Bildkultur - Bildkompetenzen
EXTRA Museumspädagogik

Ihr Leistungsnachweis setzt sich aus der Teilnahme an den Übungen, regelmäßiger Teilnahme sowie der Übernahme von Referaten zusammen.

Seminarbeschreibung:

Was bedeutet es, im Jahr 2025 zu malen? Wie positionieren sich unsere Zeitgenöss*innen? Wie
können wir uns positionieren? Was lässt sich heutzutage über Dinge wie den Pinselstrich sagen?
Welche Aufgaben kommen Bildträgern zu? Welche Materialien stehen zur Verfügung und bieten sich
an?

In diesem Seminar werden wir zwei Künstler*innen interviewen, eine Ausstellung besuchen,
gemeinsam recherchieren, Einordnungen finden, Meinungen austauschen und uns selbst mit einer
Arbeit positionieren. Aufgabe des Seminars wird es sein, etwas zu bemalen und räumlich zu
inszenieren. Die Arbeit wird 5min lang vorgestellt und anschließend kritisch besprochen. Grundlage
hierfür ist das Verfassen eines künstlerisches Statement von einer halben Seite.

Nach einer Einführung in die Grundlagen des plastischen Gestaltens werden praktische Materialexperimente unter anderem mit Äpfeln, Bierdeckeln, Seife und Ton gemacht.
Das Thema für das Seminar lautet: 6 aus unendlich.
Das heißt, jede/r Studierende entscheidet sich anschließend für einen Gegenstand den er oder sie aus sechs unterschiedlichen Materialien baut. Dabei sollen es sowohl abtragende Materialien (z.B. Y-Tong), additive (z.B. Ton) als auch gemischte Materialien (z.B. Draht mit Gips) sein.
Außerdem wird jeder Studierende einen Kurzvortrag über einen zeitgenössischen KünstlerIn halten.
Erfahrungen, Ergebnisse und der Prozess werden in einem Portfolio festgehalten. Materialkosten: 5 Euro

Egal ob subtraktiv oder additiv: HAUEN & BAUEN zeigt, wie faszinierend es sein kann, dreidimensional zu arbeiten. In diesem Blockseminar schaffen Studienanfänger:innen ausgehend von ihrer eigenen Idee ein bildhauerisches Werkstück und werden in der Planung, Erprobung, Durchführung und Reflexion begleitet.

Einführungen in bildhauerische Werkstätten, künstlerische Denk- und Arbeitsweisen sowie zeitgenössische künstlerische Positionen gestalten das Grundlagenseminar einstiegsfreundlich.

Die beiden Wochenendtermine laden uns dazu ein, zusammen intensiv in den Werkstätten zu arbeiten und prozessorientiert Fragestellungen der Bildhauerei zu diskutieren.


Die Teilnahme an beiden Terminblöcken ist erforderlich. Zum ersten Blocktermin sollen eigene Ideen bereits vorliegen. Hierzu wird das Führen eines Skizzenbuchs dringend ans Herz gelegt.

Ästhetische Prozesse und bildnerische Gestaltungen zu beurteilen, zu bewerten und zu benoten, scheint eines der großen Probleme des Faches zu sein. Handlungsfähig kann man hier nur werden, wenn man um verschiedene Möglichkeiten und Formen der Beurteilung weiß und sie im Bewusstsein ihrer jeweiligen Vor- und Nachteile einzusetzen vermag. Das Seminar führt in verschiedene kunstpädagogische Ansätze zum Beurteilen und Bewerten ein, problematisiert das Spannungsfeld zwischen Individualität, Kompetenzen und Standards, thematisiert Möglichkeiten der Bewertung heterogener Unterrichtsergebnisse und erarbeitet darüber hinaus u.a. Prozesse ästhetischer Urteilsbildung sowie mögliche Wahrnehmungsprozesse, welche das Beurteilen und Bewerten verzerren können.

Alles befindet sich im dauerhaften Wandel der Veränderung. Somit wird Vergänglichkeit zu einem stetigen Begleiter. Das Abwesende bleibt dabei in Form von Materie, in der sich Spuren des Lebenden einschreiben, anwesend.

Die Ausstellung „Das Anwesende des Abwesenden“ im Frankfurter Kunstverein zeigt die zeitlose Auseinandersetzung des Menschen mit der Idee der Vergänglichkeit und deren Formen der Repräsentation in der Kunst.

Gemeinsam werden wir Vermittlungskonzepte für die vom Oktober 2024 – März 2025 laufende Schau entwickeln und diese im Dezember und Januar vor Ort mit Schulklassen durchführen. Dabei werden wir vorab die Ausstellung besuchen, mit den Kurator*innen ins Gespräch kommen, die Werke vor Ort erfahren und uns methodisch mit der Frage beschäftigen, wie Zeichen und Spuren dazu genutzt werden können, Kinder und Jugendliche die Welt erfahren und reflektieren zu lassen.

Bitte beachten Sie, dass an einem Samstag im Semester (2.11.) eine Exkursion nach Frankfurt stattfindet. Dafür fallen drei Termine unter der Woche aus.

Kreativität gilt -zu Recht oder zu Unrecht? - als Schlüsselwort der Kunstpädagogik und als Zauberwort unserer Zeit. Unter diesem Begriff werden Buntstifte für Ausmalbilder wie auch Managerkurse verkauft: Kreativität gilt aber auch als Schlüssel zur mündigen Persönlichkeit und Demokratiebildung. Das Seminar wird auf theoretischer und praktischer Grundlage kritisch verschiedene Kreativitätsbegriffe und -verständnisse prüfen, diverse kunstpädagogische Anwendungsszenarien untersuchen und Möglichkeiten der Kreativitätsförderung in kunstpädagogischen Prozessen entwickeln.

Warum möchten Sie Kunstlehrer*in werden?
In dem Seminar geht es darum, die unterschiedlichen Motive und die damit verbundenen Vorstellungen zu untersuchen, warum jemand sich entschieden hat Kunstlehrer zu werden.
Wie sieht der „ideale“ Kunstlehrer aus?
Wie sieht es mit der Berufszufriedenheit von Kunstlehrern aus?
Inhalt des Seminars ist es auch im Beruf stehende Kunstlehrer zum Seminar einzuladen und zu bestimmten vorher erarbeiteten Fragestellungen bezüglich deren Biografien, Haltungen und Erfahrungen zu befragen.
Außerdem soll ein Blick über den Tellerrand hinaus geworfen werden und untersucht werden wie Kunstunterricht in anderen Ländern aussieht.

Thirdspace - eine im Entstehen begriffene hybride Umwelt, zwischen digitaler und physischer Sphäre. Der dritte Raum wird auch in der Bildung und Vermittlung immer wichtiger. Doch was heißt dies speziell für die Kunst? Und wie arbeitet man mit oder in diesem dritten Raum? Gemeinsam finden wir es heraus.

Wenn wir etwas versuchen, so erproben wir nicht nur etwas, sondern auch uns. Zugleich wird versuchend auch eine Suche initiiert, etwa nach Worten, nach Darstellungsweisen oder Selbst- und Fremdverständnissen.
Das Seminar fokussiert ausgehend von Didi-Hubermans Plädoyer für ein »Sagen versuchen« (2018), Prozesse des Sagens und Zeigens aus kunstpädagogischer Sicht: Wie reflektieren wir über Kunst und künstlerische Praxis? Wie gehen wir mit einer Ohnmacht im Sagen um? Wie kann ein Mangel an Sprache produktiv gewendet werden? Wie lassen sich ästhetische Praxen anderer beschreiben? Wie können Lehr-Lernsettings ›Falten im Sagen‹ eröffnen und reflektieren? Wie antworten wir anders, als sprachlich? Wie zeigen wir uns im Zeigen mit?
Durch ein kollektives Glossar erarbeiten wir sukzessive Zugänge, die eine vertiefte Auseinandersetzung mit Fragen der Kunstpädagogik sowie Kunst- und Bildwissenschaft intendieren. In einem abschließenden Glossar-Gespräch werden eigene Erfahrungen performativ und reflexiv erprobt.

Teil 1: Fr. 18.10 9-14h Raum 105
Teil 2: Fr. 01.11 9-14h Raum 105
Teil 3: Fr. 06.12 9-14h Raum 105
Teil 4: Fr. 14.02 9-14h Raum 105

Zusätzlich finden 2 Ausstellungsbesuche statt (wird zu Beginn des Semesters bekannt gegeben).

Wider das Prekäre: Rainer Werner Fassbinder

Kaum ein anderer deutscher Regisseur vermochte es Minderheiten der Gesellschaft filmisch so kunst- und würdevoll zu bündeln. Um in den Kosmos der Filme einzutauchen werden wir uns mit fünf-sechs Filmen von Rainer Werner Fassbinder genauer beschäftigen.
Mit dem Melodram eines Fassbinders und dem filmanalytischen Blick lade ich Sie ein Formen des Prekären zu diskutieren, inszenieren und didaktisch aufzuarbeiten. Das Prekäre wird hier nicht nur als heikel oder misslich übersetzt, sondern soll vielmehr als ästhetische Kategorie des Unfertigen und Veränderlichen verstanden werden.
Mit der Hinwendung zum widerständigen soll die Möglichkeit der Umkehrung von Ungleichheitsdiskursen besprochen werden.
Struktur
Für jeden Film werden zwei Seminareinheiten (Teil1 Film und Referat + Teil 2 Übung) gebündelt von einer Gruppe von 2-4 Personen übernommen. D.h. werden die Gruppen im Laufe des Seminar zweimal zusammenfinden, weshalb eine umfangreiche Nachbearbeitung in Form einer Hausarbeit o.Ä. entfällt.
Teil 1: In der ersten Hälfte schauen wird die Filme, die mit Referaten theoretische begleitet werden.
Teil 2: In der zweiten Hälfte sollen sie diese Auseinandersetzung praktisch umsetzen und Vermittlungsangebote für die Seminargruppe vorstellen. Hierbei sind Sie eingeladen Filme zu entwickeln, theatrale Inszenierungen oder Performances vorzustellen oder Ihre Texte vorzutragen. Idealerweise beinhalten die Projekte eine interaktive Struktur.
Jeden Donnerstag im Anschluss des Seminars werden die Filme der Sitzung im Rahmen der Tropischen Rosen gezeigt.

Ästhetische Prozesse und bildnerische Gestaltungen zu beurteilen, zu bewerten und zu benoten, scheint eines der großen Probleme des Faches zu sein. Handlungsfähig kann man hier nur werden, wenn man um verschiedene Möglichkeiten und Formen der Beurteilung weiß und sie im Bewusstsein ihrer jeweiligen Vor- und Nachteile einzusetzen vermag. Das Seminar führt in verschiedene kunstpädagogische Ansätze zum Beurteilen und Bewerten ein, problematisiert das Spannungsfeld zwischen Individualität, Kompetenzen und Standards, thematisiert Möglichkeiten der Bewertung heterogener Unterrichtsergebnisse und erarbeitet darüber hinaus u.a. Prozesse ästhetischer Urteilsbildung sowie mögliche Wahrnehmungsprozesse, welche das Beurteilen und Bewerten verzerren können.

Kreativität gilt -zu Recht oder zu Unrecht? - als Schlüsselwort der Kunstpädagogik und als Zauberwort unserer Zeit. Unter diesem Begriff werden Buntstifte für Ausmalbilder wie auch Managerkurse verkauft: Kreativität gilt aber auch als Schlüssel zur mündigen Persönlichkeit und Demokratiebildung. Das Seminar wird auf theoretischer und praktischer Grundlage kritisch verschiedene Kreativitätsbegriffe und -verständnisse prüfen, diverse kunstpädagogische Anwendungsszenarien untersuchen und Möglichkeiten der Kreativitätsförderung in kunstpädagogischen Prozessen entwickeln.

Warum möchten Sie Kunstlehrer*in werden?
In dem Seminar geht es darum, die unterschiedlichen Motive und die damit verbundenen Vorstellungen zu untersuchen, warum jemand sich entschieden hat Kunstlehrer zu werden.
Wie sieht der „ideale“ Kunstlehrer aus?
Wie sieht es mit der Berufszufriedenheit von Kunstlehrern aus?
Inhalt des Seminars ist es auch im Beruf stehende Kunstlehrer zum Seminar einzuladen und zu bestimmten vorher erarbeiteten Fragestellungen bezüglich deren Biografien, Haltungen und Erfahrungen zu befragen.
Außerdem soll ein Blick über den Tellerrand hinaus geworfen werden und untersucht werden wie Kunstunterricht in anderen Ländern aussieht.

In diesem Projektseminar arbeiten wir mit und an der digitalen Lernplattform „Digitale Drehtür“, für die Studierende des Projektseminars digitale Lernangebote entwickeln sollen.

„Die Digitale Drehtür ist ein länderübergreifendes, unterrichtsergänzendes Bildungsangebot. Sie bietet Schüler: innen die Möglichkeit, ihre Potenziale und Begabungen zu entdecken und zu entfalten.“ (https://digitale-drehtuer.de/). Das IfK konzipiert und erarbeitet seit Projektbeginn Lernangebote für den Campus der Digitalen Drehtür.

Im Seminar werden wir zunächst die Potenziale, Herausforderungen und Grenzen der Digitalität und digitaler Lernangebote für die Kunstpädagogik theoretisch erörtern. Da sich die Digitale Drehtür als Angebot der Leistungs- und Begabungsförderung versteht, soll auch der Begabungsbegriff in der Kunstpädagogik kritisch hinterfragt werden. (Was verstehen wir heute unter künstlerischen Begabungen? Wie sind Begabungen (in einem weiten Verständnis) zu diagnostizieren? Wie können sie sich entfalten; und gezielt gefördert werden?). Texte zur kritischen Lektüre werden im Seminar bereitgestellt.

Im zweiten Teil des Projektseminars werden die Kursteilnehmenden digitale künstlerische Lernangebote entwickeln und ausarbeiten (Lernvideos, Tutorials, onlinebasierte Praxiskurse für das künstlerische Arbeiten, etc.). Neben allgemein didaktischen Kriterien zur Gestaltung digitaler Lernangebote können Kursteilnehmende auch ihr technisches und mediales Know-How ausbauen. Nach erfolgreichem Abschluss des Projektseminars können die entwickelten Lernangebote auf dem Campus der Digitalen Drehtür veröffentlicht werden.

Thirdspace - eine im Entstehen begriffene hybride Umwelt, zwischen digitaler und physischer Sphäre. Der dritte Raum wird auch in der Bildung und Vermittlung immer wichtiger. Doch was heißt dies speziell für die Kunst? Und wie arbeitet man mit oder in diesem dritten Raum? Gemeinsam finden wir es heraus.

Wider das Prekäre: Rainer Werner Fassbinder

Kaum ein anderer deutscher Regisseur vermochte es Minderheiten der Gesellschaft filmisch so kunst- und würdevoll zu bündeln. Um in den Kosmos der Filme einzutauchen werden wir uns mit fünf-sechs Filmen von Rainer Werner Fassbinder genauer beschäftigen.
Mit dem Melodram eines Fassbinders und dem filmanalytischen Blick lade ich Sie ein Formen des Prekären zu diskutieren, inszenieren und didaktisch aufzuarbeiten. Das Prekäre wird hier nicht nur als heikel oder misslich übersetzt, sondern soll vielmehr als ästhetische Kategorie des Unfertigen und Veränderlichen verstanden werden.
Mit der Hinwendung zum widerständigen soll die Möglichkeit der Umkehrung von Ungleichheitsdiskursen besprochen werden.
Struktur
Für jeden Film werden zwei Seminareinheiten (Teil1 Film und Referat + Teil 2 Übung) gebündelt von einer Gruppe von 2-4 Personen übernommen. D.h. werden die Gruppen im Laufe des Seminar zweimal zusammenfinden, weshalb eine umfangreiche Nachbearbeitung in Form einer Hausarbeit o.Ä. entfällt.
Teil 1: In der ersten Hälfte schauen wird die Filme, die mit Referaten theoretische begleitet werden.
Teil 2: In der zweiten Hälfte sollen sie diese Auseinandersetzung praktisch umsetzen und Vermittlungsangebote für die Seminargruppe vorstellen. Hierbei sind Sie eingeladen Filme zu entwickeln, theatrale Inszenierungen oder Performances vorzustellen oder Ihre Texte vorzutragen. Idealerweise beinhalten die Projekte eine interaktive Struktur.
Jeden Donnerstag im Anschluss des Seminars werden die Filme der Sitzung im Rahmen der Tropischen Rosen gezeigt.

In diesem Seminar werden wir uns mit unterschiedlichen Aspekten der Darstellung von Handwerk bzw. handwerklicher Praxis in den Bildkünsten und Bildmedien des europäischen Mittelalters beschäftigen. Im Fokus stehen dabei nicht nur die konkreten visuellen Inszenierungen von Baustellen und Bauaufgaben (z.B. Kathedralbau) und das dahinterstehende (historisch-archäologisch gesicherte) System der Arbeits- und Aufgabenteilung, sondern auch und insbesondere die Frage, welche Idee von Handwerk hier künstlerisch zum Ausdruck gebracht und in welchen medialen und gesellschaftlichen Kontexten (u.a. Bildgattung, Auftraggeberschaft) die Darstellung handwerklicher Praxis als bildwürdig erachtet wurde. Wer hatte Interesse an solchen Darstellungen? Warum waren sie wichtig? Was sollten sie kommunizieren? In welchem Verhältnis standen sie zur tatsächlichen Arbeits- und Lebenswirklichkeit von Handwerkern in mittelalterlichen Gesellschaften? In welche mythologischen, religiösen und profanen Bildwelten und Semantiken war die kulturelle Wahrnehmung handwerklicher Praxis verwoben? Dies sind nur einige Fragen, denen wir nachgehen werden, um ausschnittsweise den komplexen und mehrdeutigen Status der (oftmals auch symbolischen) Handwerksdarstellungen in den Bildkulturen des lateinischen Westens zu ergründen.

Die Kunst und Architektur des Mittelalters wird in unserer Gegenwart oft mit insularen Königreich verbunden, wo sich bis heute so viele Zeugnisse dieser Epoche erhalten haben. Dies dürfte nicht zuletzt an der mehr als 1000-jährigen Kontinuität der Monarchie liegen. Die reiche Kunstgeschichte Englands im Mittelalter hilft uns daher, ein grundlegendes Verständnis dieser Epoche zu gewinnen. Daher ist es das Ziel dieser Vorlesung sowohl einen exemplarischen Überblick zum Objektbestand von ca. 500–1500 zu gewinnen, als auch ein grundlegendes Verständnis für die Zugänglichkeit der uns oft sperrig und weit entfernt erscheinenden Kunst dieser Epoche zu finden.

Weich oder hart, im feuchten Zustand flexibel formbar, nach dem Brennen formbeständig, vielfältig einsetzbar und kulturell weit verbreitet: Dies sind nur einige Eigenschaften, die den Ton, die Arbeit mit ihm und die daraus hervorgehenden Erzeugnisse so besonders machen. Das Seminar widmet sich Künstler*innen des 20. und 21. Jahrhunderts, die die Besonderheiten des Materials und die Geschichte der Keramik als Kulturtechnik auf unterschiedliche Weise genutzt und hinterfragt haben.

„So kann ich davon träumen, wie ich einmal das Gehen lernte. Doch das hilft mir nichts. Nun kann ich gehen; gehen lernen nicht mehr.“
Walter Benjamin, Berliner Kindheit um neunzehnhundert

Das Seminar beschäftigt sich mit verschiedenen künstlerischen Positionen zum Gehen und Flanieren in der modernen und zeitgenössischen Kunst. Dabei ist die historische Herleitung der Beschäftigung mit dem Gehen im urbanen Raum ebenso wichtig wie die Diskussion raumtheoretischer Texte und die Thematisierung von Blickstrukturen und Raumerzeugungen. Welche Räume werden erzeugt, welche Blicke evoziert und wie wird die Bewegung im Raum dokumentiert und inszeniert? Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf den zahlreichen politischen Dimensionen des Gehens: Wer darf wohin auf welche Weise gehen? Wie erzeugen das Stolpern und Fallen das postmoderne Paradigma des Gehens in den Künsten? Warum ist die Figur des modernen Flâneurs männlich und als unsichtbar codiert und wie wird dies in der Gegenwartskunst aufgebrochen? Das Seminar analysiert u.A. Positionen von Pipilotti Rist, Beyoncé, Bruce Nauman, Sophie Calle, William Pope L., Signe Pierce und Milica Tomić. Es bezieht weiterhin Positionen des Judson Dance Theatre mit ein, die das Gehen als performative Praxis in die bildende Kunst eingeführt haben.

Dieses Seminar ist, wenn auch möglicherweise anders gekennzeichnet, ein Projektseminar.

Das Seminar findet im Stadtraum Gießen in Form von temporären Installationen, Aktionen, Performances und partizipativen Interventionen statt.

Die Studierenden sind eingeladen, sich intensiv mit den versteckten und ungeahnten Räumen der Stadt Gießen auseinanderzusetzen und diese als Bühnen künstlerischer Interventionen zu erkunden. Der Fokus liegt auf verborgenen, urbanen Räumen und teilweise schwer zugänglichen Orten, die im städtischen Gefüge oft übersehen oder vernachlässigt werden. Ziel ist es, solche Räume zu identifizieren, zugänglich zu machen und künstlerisch zu aktivieren.


Nach einer Einführung in die zeitgenössische Kunst im öffentlichen Raum vermittelt das Projekt die Grundlagen der ortsspezifischen Recherche und künstlerischen Produktion.

Die Teilnehmenden entwickeln künstlerische Strategien, um sich aktiv mit einem bestimmten Ort auseinanderzusetzen, ihn neu zu interpretieren und seine sozialen, historischen oder architektonischen Dimensionen sichtbar zu machen.

Ziel ist es, städtische Räume aus einer neuen, kritischen Perspektive zu betrachten: Wer bewegt sich wie durch die Stadt? Welche Räume bleiben wem verschlossen? Und wie kann Kunst dazu beitragen, neue Zugänge zu schaffen und bestehende Strukturen aufzubrechen?

Die Auseinandersetzung mit Texten zu Kunst im öffentlichen Raum, site-specificity sowie queer-feministischen Ansätzen der Stadtplanung und -forschung bietet theoretischen Hintergrund und Anregung zur Reflexion.

Die Ergebnisse der künstlerischen Auseinandersetzung werden dokumentiert und öffentlich präsentiert.

Anfang April 2025 wird im Oberhessischen Museum eine Ausstellung zum Gießener Künstler-Ehepaar Will eröffnet, das im Nationalsozialismus ermordet wurde . Als künstlerische Kommentierung und Erforschung der Kontexte werden die Teilnehmenden des Projektseminars in der Vorbereitungsphase dieser Ausstellung sich mit einzelnen Aspekten bildhauerisch oder installativ auseinandersetzen, um eigene Beiträge aus individueller und aktueller Position heraus zu entwickeln. Die studentischen Arbeiten werden dann als Teil der Gesamtausstellung präsentiert.
Zur Ausstellung: Heinrich Will war ein Gießener Künstler / Maler, seine Frau Elisabeth Tochter eines jüdischen Großindustriellen, die zusammen einen NS-kritischen Debattierkreis pflegten und bald verraten wurden. Heinrich wurde nach einem Schauprozess hingerichtet; Elisabeth in Auschwitz ermordet. Die Ausstellung, mit der sich das Projektseminar künstlerisch auseinandersetzt, leuchtet kritisch die Aspekte Kunst, Politik und Geschichte in der Region aus. Der Fokus liegt auf bildhauerischen und installativen Verfahren.
Das Projekt eignet sich für engagierte Studierende mit Interesse am Thema, die sich mit projektgemäß erhöhtem Workload einbringen möchten und für die Eröffnung am 1. 4. 2024 , 18 Uhr Achtung: geändert!) eine künstlerische Arbeit entwickeln und präsentieren werden. Ausstellungslaufzeit bis Oktober 2025.

»Jedem Anfang geht etwas voraus, mit dem man etwas anfangen kann« (Nanne Meyer 2005). Das Seminar widmet sich konzeptuellen künstlerischen Praxen und thematisiert auf performative und inhaltliche Weise das Anfangen als experimentelle, spielerische und produktive Geste: Sich selbst und andere ins Anfangen bringen, Anfänge suchen und finden, Anfänge bezweifeln oder wiederholen, anfänglich bleiben, der Zauber des Anfangs.

ALPHA MALKURS (WS 2024/25) Malerei in Zeiten von gender backlash und Männlichkeitswahn Dozentin: Caroline Streck 3 Blocktermine: 1.-3.11.24 6.-8.12.24 31.1.-2.2.25 (jeweils 10-15 Uhr) Abschlusstermin: 28.02.25, 10-13 Uhr (Vorstellung praktische Arbeit) In diesem KP-Seminar untersuchen wir Ausdrucksformen von Malerei als Antwort auf zunehmenden Hass und Gewalt gegen Frauen und queere Personen. Zu beobachten ist das Paradoxon hierzulande und in allen vermeintlich „aufgeklärten“ westlichen Ländern: Bei zunehmender Emanzipation und Gleichberechtigung aller Geschlechter formiert sich parallel eine reaktionäre Backlash-Bewegung, die gezielt Frauenhass im Netz verbreitet und teils gewaltsamen Auswirkungen hat. Wie können wir mit diesen Entwicklungen künstlerisch umgehen, wie verarbeiten und darauf aufmerksam machen? Inwiefern ist Malerei ein geeignetes Mittel? Literatur im Semesterapparat: Susanne Kaiser: Politische Männlichkeit (2020) Susanne Kaiser: Backlash- die neue Gewalt gegen Frauen (2023) Hinweis: Die behandelten Texte enthalten explizite Gewaltbeschreibungen

BAMP – Bauen mit Papier

In diesem Kompaktseminar werden Plastiken aus Papier und Pappe gebaut.
Nach einer inhaltlichen Annäherung, einer praktischen Einführung in das Material und anhand einiger Beispiele von KünstlerInnen wird eine eigene künstlerisch praktische Arbeit aus Papier und/oder Pappe entwickelt.
Außerdem stellt jeder Studierende einen zum Seminarthema passenden Künstler*in im Plenum vor.
Erfahrungen, Ergebnisse und der Prozess werden in einem Portfolio festgehalten.
Alles Weitere wird in der Vorbesprechung geklärt.

Dieses Seminar ist, wenn auch möglicherweise anders gekennzeichnet, ein Projektseminar.

Das Seminar findet im Stadtraum Gießen in Form von temporären Installationen, Aktionen, Performances und partizipativen Interventionen statt.

Die Studierenden sind eingeladen, sich intensiv mit den versteckten und ungeahnten Räumen der Stadt Gießen auseinanderzusetzen und diese als Bühnen künstlerischer Interventionen zu erkunden. Der Fokus liegt auf verborgenen, urbanen Räumen und teilweise schwer zugänglichen Orten, die im städtischen Gefüge oft übersehen oder vernachlässigt werden. Ziel ist es, solche Räume zu identifizieren, zugänglich zu machen und künstlerisch zu aktivieren.


Nach einer Einführung in die zeitgenössische Kunst im öffentlichen Raum vermittelt das Projekt die Grundlagen der ortsspezifischen Recherche und künstlerischen Produktion.

Die Teilnehmenden entwickeln künstlerische Strategien, um sich aktiv mit einem bestimmten Ort auseinanderzusetzen, ihn neu zu interpretieren und seine sozialen, historischen oder architektonischen Dimensionen sichtbar zu machen.

Ziel ist es, städtische Räume aus einer neuen, kritischen Perspektive zu betrachten: Wer bewegt sich wie durch die Stadt? Welche Räume bleiben wem verschlossen? Und wie kann Kunst dazu beitragen, neue Zugänge zu schaffen und bestehende Strukturen aufzubrechen?

Die Auseinandersetzung mit Texten zu Kunst im öffentlichen Raum, site-specificity sowie queer-feministischen Ansätzen der Stadtplanung und -forschung bietet theoretischen Hintergrund und Anregung zur Reflexion.

Die Ergebnisse der künstlerischen Auseinandersetzung werden dokumentiert und öffentlich präsentiert.

Die Lehrveranstaltung richtet sich an Studierende, deren Interesse in der Herstellung von audiovisuellen und experimentellen Kunstwerken liegt. Anhand von konkreten Beispielen werden wir uns den historischen Kontext für den Film als Kunst ansehen, speziell die französische Neue Welle der 1960er Jahre, um anschließend über eigene Auseinandersetzungen ins Machen zu kommen. Die Lehrveranstaltung erfordert keine Vorkenntnisse, es wird aber geschrieben, gefilmt, geschnitten. Frei nach François Truffaut werden wir versuchen in diesem Seminar gegen Eine gewisse Tendenz im Film anzugehen.

Regel Nr. 1: Es gibt keine Regeln.

Experimentelle Fotografie hat nicht den Anspruch der direkten Abbildung von Realität. In diesem Seminar steht das Erforschen der fotografischen Möglichkeiten und der Wirkung des Zusammenspiels fotografischer analoger und digitaler Abläufe im Vordergrund. Von absichtlicher Bewegung der Kamera bis hin zu Verfremdung im Labor durch klassische Labortechniken bzw. mit Bildbearbeitungsprogrammen am Computer ist der experimentellen Auseinandersetzung nahezu keine Grenze gesetzt.

Im Rahmen des Seminars erhalten Sie ebenfalls eine Einführung in die analoge Film- und Papierentwicklung.

Körper in Bewegung - Fotografie

Im Rahmen dieses Seminars bewegen wir uns selbst, bringen etwas in Bewegung oder beobachten Bewegungen mit den Mitteln der Fotografie.
Wie können wir uns diesem Thema künstlerisch annähern und zu einer eigenen Bildsprache kommen?

Für die Teilnahme sind keine fotografischen Vorkenntnisse nötig, jedoch ist Voraussetzung, sich experimentierfreudig auf Neues einzulassen. Darüber hinaus muss die Bereitschaft bestehen, sich theoretisch mit zeitgenössischen Fotokünstler*innen auseinanderzusetzen.

Auf dem Weg zur eigenen Arbeit werden im Seminar technische Grundkenntnisse der Fotografie und Bildbearbeitung gemeinsam erarbeitet.

Es kann sowohl analog als auch digital fotografiert werden.

Porzellan : Entwurf und Vervielfältigung
Thema: Profil
Profilare (lat. für umreißen, umsäumen) wurde der Begriff Profil zunächst für Mathematik und in der Baukunst verwendet.
Seit der Mitte des 18Jahrhunderts bezeichnet man als Profil die seitliche Darstellung eines Menschen oder Querschnitt eines Produkts, ein Abdruck (z.B. Reifenprofil, Schuhsohle).

Seit der Einführung der sozialen Netzwerke bezeichnet man als Profil eine kurze Charakteristik eines Menschen oder ein Gegenstand, der für einen selbst charakteristisch ist.

Im digitalen Zeitalter erstellt jeder Mensch einen oder mehrere digitale Benutzerprofils. Wie viel reales oder fiktives steckt darin?
Gibt es Objekte, die eigenes Profil oder Persönlichkeit abbilden? Kann eine Mischung aus verschiedenen Elementen auch ein Profil ergeben?

Szenario:

In diesem Lehrgang werden wir anhand der selbst ausgesuchten persönlichen Gegenstände verschiedene Techniken der plastischen Abformung und Möglichkeiten der objekthaften Transformation kennenlernen. Vor Allem organische Strukturen können auf diese Weise naturgetreu abgebildet und in der Produktgestaltung umgesetzt werden.

Als Model dient:
- ein 3-D gedrucktes selbst entworfenes Objekt,
- ein vorgefundenes Objekt : Badeente, echtes Obst/ Gemüse, selbstmodelliertes Objekt
- Modellgröße : ca. 5 -10 cm.

Optional können die Oberflächenstrukturen abgeformt, verändert, bearbeitet und wieder eingesetzt werden.

Das dreiteilige Seminar ist in folgende Themenbereiche unterteilt:

Vorbesprechung und Einführung in die Welt des Porzellans
am 2.10 12:30 - 13:30 Uhr

Modellentwurf - und Bearbeitung, Erstellung einer Gießform
am 11.10 - 13.10.2023 , Fr. 14:00 - 18:00; Sa. 10:00 - 18:00; So. 10:00 - 17:00

Den Grundstein für das Gießverfahren in Porzellan bildet der Formenbau und der Umgang mit dem Material Gips. Im ersten Teil des Kurses lernt jede/r Teilnehmer/in den Bau einer mehrteiligen Gießform aus Gips bezogen auf die Umsetzung des eigenen Projekts.

Eine Gießform ist ein Negativ einer Skulptur, eines Modells oder eines Reliefs. Sie kann genutzt werden, um das Original mit all seinen Details zu reproduzieren. Ziel ist es normalerweise, mit einer Gießform das Original exakt, also 1:1 zu reproduzieren.
Entstandene Gipsformen werden im nächsten Kursabschnitt verwendet.

Gießtechniken und Umgang mit Porzellan
am 8.11 - 10.11. 2023, Fr. 14:00 - 18:00; Sa. 10:00 - 18:00; So. 10:00 - 17:00 Uhr

Mithilfe der eigenen Gießform können mehrere identische Objekte in kurzer Zeit in Porzellan hergestellt werden. Die vielfältigen Möglichkeiten eines zusätzlichen Aufglasurdekors machen jedes Objekt individuell: einzelne Abgüsse können per Hand bemalt, bedruckt, gestempelt oder auch mit der Technik der Schiebebilder in Unikate verwandelt werden.

An der Schnittstelle von Kunst und Handwerk werden traditionelle Techniken vorgestellt, sowie die Möglichkeiten Low- Tech und High - Tech miteinander zu verbinden.
Die Technologie der Porzellanherstellung hat eine lange Tradition. Ihre anspruchsvollen Produktionsvoraussetzungen erlegen beim Entwurf auch heute noch gestalterische Grenzen auf. Im Moment wird Porzellan wiederentdeckt, die technologischen Grenzen in Kombination mit neuen Technologien spannend erweitert.
Für die Umsetzung im Porzellanguss liegt der Hauptschwerpunkt auf der Herstellung mehrteiliger Gießformen aus Gips. Da in der industriellen und handwerklichen Keramikproduktion dieselben Verfahren Anwendung finden, schafft das Seminar damit die Voraussetzungen für gestalterische und planerische Tätigkeiten in diesem Bereich.
Das Gießverfahren ermöglicht es, mehrere identische Objekte in kurzer Zeit herzustellen. Dieses Verfahren erlaubt sehr präzises Arbeiten. Vor allem mehrteilige Objekte werden im Gießverfahren zeitlich optimal hergestellt. In der Natur vorgegebene Strukturen lassen sich in Gips abformen und können in Porzellan reproduziert werden.

Zines und Artists Books sind mehr als nur unabhängige Publikationen – sie sind Ausdruck einer „Unabhängigkeitserklärung" von Künstler*innen, wie die Kuratorin und Schriftstellerin Lucy Lippard treffend beschreibt. Sie bieten marginalisierten Gemeinschaften eine Plattform, um ihre Geschichten zu erzählen, Informationen zu verbreiten und sich zu organisieren. Sie vereinen oft das Persönliche mit dem Politischen und ermöglichen einen freien Ausdruck, der flexibel, langlebig und kostengünstig ist.

In diesem Seminar werden wir uns intensiv mit der Bedeutung von unabhängigen Publikationen und der Produktion von Zines beschäftigen. Die Studierenden lernen, wie sie ihre Ideen von der Inspiration bis zur Umsetzung eigenständig entwickeln und gestalten können. Dabei steht die Freiheit des gesamten Produktionsprozesses – von der Idee bis zum Druck – im Vordergrund, unabhängig von materiellen Beschränkungen oder der Verlagsindustrie.

Gemeinsam werden wir Zines anfertigen und uns dabei fragen: Was weckt unser Interesse? In welche Richtung wollen wir unsere Recherchen vertiefen? Was wollen oder müssen wir mitteilen?

Wir werden das Arbeiten mit Archiven, Sammlungen, Notizbüchern uvm. kennenlernen und unsere Ideen in Mindmaps und Moodboards und anderen visuellen Darstellungsmethoden sammeln, ordnen und kombinieren, wobei die Darstellung der Recherche selbst zur künstlerischen Ausdrucksform werden kann.

Von der Entwicklung eines eigenen Themas, über die Recherche, bis hin zur Anwendung grundständiger künstlerischer Gestaltungsmittel wie Druckgrafik, Fotografie, Skizzen und digitaler Bildbearbeitung: Das Seminar zielt darauf ab, zu ermutigen, die eigenen Arbeiten zu präsentieren, Gedanken zu teilen und sich konstruktiv miteinander auszutauschen.

Ton ist ein mediales Material, welches Erkundungen und Experimentieren ermöglicht. Das Material zeigt die persönliche Handschrift des Künstlers*in direkt. Ein Material, das die Spuren aufzeigt und genau aus diesem Grund so spannend ist. Der Handabdruck ist daher inhaltlich immer präsent und formal bestimmend.
In dem Seminar sollen die Möglichkeiten und Grenzen der Keramik anhand von praktischen Arbeiten erforscht werden. Am Beispiel von Künstlerpositionen, wie z.B. Norbert Prangenburg, Rosmarie Trockel, Markus Karstieß sollen die zeitbasierenden Medien vorgestellt und diskutiert werden. Das Hauptmerkmal des Seminars liegt auf der eigenständigen, praktischen Arbeit im Umgang mit Ton. Es sollen Skulpturen erarbeitet und erforscht werden, bei der die Seminarteilnehmer*innen ihre Erfahrungen im Umgang mit dem Material Ton erweitern.

Katja Tönnissen (1982*) lebt und arbeitet in Düsseldorf. Sie studierte an der Kunstakademie Düsseldorf Freie Kunst. Erhielt dort ihren Meisterschüler. Tönnissen entwickelt in ihren Skulpturen paradiesische Motive, die Sehnsucht hervorrufen, dabei bricht Tönnissen gekonnt mit der Romantik, um sie in aller Einfachheit zu präsentieren. Bewusst erschafft Katja Tönnissen so eine „Demokratisierung der Idylle“ – einen privaten Zugang zum Sonnenuntergang.
Ihre Arbeiten sind in zahlreichen privaten als auch institutionellen Sammlungen vertreten.

Im Seminar widmen wir uns dem Automobil, aber auch Pferdebibis und - Tonis sind herzlich willkommen. Alles was PS hat. Das Spannungsverhältnis zwischen dem Streben nach einem Statussymbol und dem Bedürfnis nach einer nachhaltigen Zukunft wird reflektiert. Nicht nur eine Hommage an die Vielfalt automobiler Ausdrucksformen, sondern auch ein Aufruf zur bewussten Gestaltung unserer Mobilität im Einklang mit unserer Umwelt sind Punkte, welchen nachgegangen werden kann. Aber auch die reine Ästhetik der Autos kann Grund zur Wahl des Seminars sein.
Voraussetzung sind Kenntnisse im Siebdruck.
Erste Seminarsitzung wird am 22. Oktober sein.

Threads and Colours –Malerei zwischen Stofflichkeit und Textilem

Im Seminar wird zum Thema Stofflichkeit und Stoff in der Malerei gearbeitet. Dabei widmet sich das Seminar zwei Ebenen von Stofflichkeit. Einerseits haben malerische Abbildungen von Stoffen und ihrer Materialität in der Geschichte der Malerei immer wieder faszinierende, malerische Transformationen herausgefordert, andererseits wird der Stoff als Malgrund in jüngerer und gegenwärtiger Malerei thematisiert und seine materialen Aspekte künstlerisch erkundet, wobei oftmals die Grenzen zu textilen-skulpturalen Techniken überschritten werden. Stoff als gemaltes und bemalbares Material spannen für das Seminar einen Rahmen, in dem motivisch und thematisch nach eigenen Schwerpunkten malerisch gearbeitet werden kann. Dabei können die malerischen Vorgehensweisen in Richtung textiler Techniken erweitert werden.

Hallo ihr Lieben,
auch dieses Semester wird es wieder einen Blender-Kurs/3D-Druck-Tutorium geben.

Worum geht es? Wir beschäftigen uns mit der Software "Blender". Blender ist ein kostenloses und sehr vielseitiges Programm für die Erstellung und Animation dreidimensionaler Objekte und Szenen.

Dabei ist es möglich, experimentell und künstlerisch oder akkurat und architektonisch zu arbeiten.


Wir werden im 3D-Raum Objekte erstellen und animieren, über Texturen, Modifier und Sculpting verschiedene Tools kennen lernen um im besten Fall am Ende des Semesters digitales sowie 3D-gedrucktes Material zum zeigen haben.

Weitere Themenfelder sind:

-Flüssigkeiten und Haare

-Rigging von Körpern und physikalische Eigenschaften von Objekten

-Beleuchtung/Schatten von Objekten

-Bildaufbau und Perspektive

-Rendereinstellungen

-Texturen zeichnen mit dem Grafiktablet


Da Blender sich nicht ausschließlich auf den 3D-Raum beschränkt sondern auch wunderbar 2D gezeichnet und animiert werden kann, werden wir darauf Blicke werfen und tiefer einsteigen wenn es gewünscht ist!

Bei Interesse können die erstellten Objekte im Multimedialabor des Institutes für Kunstpädagogik, mit dem 3D-Drucker gedruckt werden. Wir werden außerdem den Makersspace besuchen und dort die 3D-Drucker kennenlernen.



Das Tutorium findet in Präsenz im Multimedia-Labor der Kunstpädagogik statt. Dort gibt es leistungsstarke Rechner die genutzt werden können. Es ist natürlich auch möglich, eigene Laptops mitzubringen.
Ideal wäre eine eigene Projektidee. Ich biete zu den einzelnen Themen zwar auch Aufgabenvorschläge an, aber erfahrungsgemäß ist die Motivation höher, wenn man ein eigenes Ziel hat. Projekte könnten z.B. ein realistisches Bild, ein kurzer Film, oder ein 3D-gedrucktes Objekt, etc. sein.

Anmeldung über StudIP
Zudem wird eine JLU-Box erstellt, um Dateien auszutauschen.
Wann: Dienstags, 16.00 - 19.00 Uhr
Wo: JLU Gießen, Haus H, Kunstpädagogik. Raum: H101c Multimedialabor (MML)



Bei Rückfragen könnt ihr Mails an felix.schwarzrock@theater.uni-giessen.de schreiben.



Liebe Grüße

Felix

Termine nach Vereinbarung